Setdart brinda una ocasión única para adquirir el monumental bronce realizado por Salvador Dalí “Woman aflame” expuesta actualmente en el MOCO Museum de Barcelona. La pieza, que cuenta con tan solo 8 ejemplares numerados, un evento excepcional dado las escasas ocasiones en las que un bronce daliniano de esta envergadura e importancia sale al mercado.
El auge del consumo de masas transformaría para siempre el concepto del arte. Hasta los años cuarenta, el arte de vanguardia se había asociado con la hondura conceptual o expresiva, y estaba destinado al deleite de una élite de cultivados. A pesar de querer ser antiburgueses, muchos movimientos rupturistas acaban siendo sumamente elitistas, un arte para iniciados.
El Arte Pop, aunque nació en Inglaterra (el pistoletazo de salida lo dio Richard Hamilton con su humorístico collage“¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”), fue en EUA donde encontró su hábitat idóneo para crecer.
La entrada de los televisores en los hogares, la bonanza económica que hizo prosperar a la clase media, los mundos hedonistas que el cine de Hollywood y la publicidad inoculaban a toda hora para dejar atrás las secuelas de la Segunda Guerra Mundial…, fueron el caldo de cultivo para que una nueva corriente artística triunfara como ninguna otra lo había hecho: a lo profundo, el Pop Art opondría lo banal, frente a lo artesanal reivindicaría la producción en serie, y frente a la seriedad filosófica optaría por el humor desenfadado.
Muchas de las figuras claves de esta corriente se habían formado en el mundo de la publicidad: Warhol era ilustrador de la revista Glamour y diseñador de zapatos, James Rosenquist pintaba vallas publicitarias…La estética del cómic ocuparía un lugar estelar (como en la pintura de Lichtenstein), Marilyn y Jackie Kennedy sustituirían a las vírgenes y mártires de la pintura de antaño, las estaciones de servicio y los supermercados serían los nuevos templos, y sus latas en conserva, sus iconos sagrados.
Se disolvieron las fronteras entre la alta y la baja cultura, y desde entonces la ruptura de jerarquías entre lo elevado y lo popular sigue completamente vigente, como tantos otros conceptos introducidos en los años cincuenta del siglo pasado. El neo-pop actual, sin embargo, tiene lógicamente unas connotaciones propias porque la época es otra: la globalización, los problemas con la inmigración, el hipercapitalismo… han dotado a la estética pop de un tono más comprometido. El ejemplo paradigmático de ello es Banksy, quien usa el lenguaje publicitario para criticar los estereotipos que la propia publicidad impone, pero también para reírse del mundo del arte y para poner sobre la mesa la violencia institucional o el drama de los refugiados.
Otros artistas neo-pop, en cambio, se caracterizan por explorar con ironía los límites del buen gusto y el kitsch, como Jeff Koons y sus emblemáticos “Balloon”: una serie escultórica representando perros y corazones que simulan globos de fiesta de cumpleaños. Su afán es meramente celebratorio, dice el artista, rehuyendo siempre cualquier tipo de segunda lectura de sus obras.
Por las galerías online de Setdart se pueden adquirir obras pop y neo-pop de los artistas citados. En estas semanas, Setdart Subastas licita obras de un artista valenciano, Antonio de Felipe, digno seguidor de estas corrientes. Véase, por ejemplo, “Vaca Harley-Davidson” o “Vaca Coca-Cola” (lotes 35296117 y 35196116, entre otros).
La creación de la firma Masriera a mediados del siglo XIX supuso un antes y un después en el campo de la joyería artística. Detrás de sus exquisitos resultados, materializados en excepcionales joyas, existió un largo recorrido llevado a cabo por su fundador, Luis Masriera, quien centró su intensa formación en investigar las nuevas posibilidades técnicas de los materiales, así como en explorar nuevos canales creativos para trasladar el movimiento modernista a la joyería.
Tras formarse como aprendiz en el taller familiar y ampliar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, donde se especializó en el esmaltado de metales, Masriera conoció al orfebre René Lalique, una potente fuente de inspiración que le llevo a ensamblar el modernismo con el coetáneo Art Nouveau francés. Así fue cómo el talento del catalán, sumado a las oportunidades que brindaba la Barcelona de finales de siglo, convergió en la creación de una de las firmas de joyería más icónicas a nivel mundial.
Las delicadas y magistrales joyas Masriera reflejaron el mundo de la fantasía y el color del modernismo. Sus diseños, inspirados en el Mediterráneo, en la figura femenina y en el mundo de los sueños, abarcaron desde las formas florales, hasta las mitológicas o las animales. La figura de la libélula, la ninfa o los animales fantásticos se convirtieron en inagotables fuentes de inspiración, claves en el imaginario artístico de la casa, siempre trabajados con excepcionales técnicas como el “pliqué a jour” o el “basse taille”.
En esta exquisita línea se contextualizan las dos piezas Masriera que Setdart subastará el próximo 3 de agosto. Ambas firmadas y realizadas en oro y brillantes, la pulsera (lote 35241448) presenta un delicado diseño calado, mientras que el colgante (lote 35251449)refleja un frontis modernista de marcado simbolismo romántico, decorado con la figura de una hermosa ninfa trabajada con el característico “basse taille” de la firma catalana.
La iconografía es, sin duda, una de las ramas más interesantes de la historia del arte: etimológicamente referida al lenguaje de los iconos, sin ella no podríamos distinguir quién está representado en una obra, especialmente cuando se trata de obras medievales, renacentistas o barrocas. A menudo las figuras son reconocibles por los atributos u objetos que las acompañan, que para el ojo atento indican inequívocamente quiénes son.
Con el fin de ayudar a nuestros clientes y aficionados a comprender mejor a los personajes de nuestras obras, le facilitamos esta pequeña guía para construir una opinión crítica.
San Esteban fue un diácono y protomártir de la iglesia cristiana, condenado a morir apedreado por blasfemia. Su iconografía lo representa en el transcurso de su condena. En ocasiones, simplemente lo retrata sosteniendo piedras o con una palma, ambas alusiones al martirio.
Para la iglesia cristiana, Santa Cecilia es la patrona de la música, los instrumentistas y los cantantes, curiosamente, por un error de traducción del latín. Sus atributos suelen ser las partituras y los pequeños instrumentos musicales, siendo el órgano el más representado.
San Lorenzo fue de los santos “favoritos” en las representaciones pictóricas. Según la tradición cristiana, fue condenado a un martirio atroz: el joven fue quemado lentamente en la parrilla.
Así que sus atributos infalibles son las brasas, la parrilla y sus rasgos juveniles imberbes. También suele ir acompañado de un monedero, ya que se dice que distribuía el tesoro de la iglesia a los pobres. Es famosa la frase que se dice que pronunció sobre las brasas, inamovible por el sufrimiento: “Por aquí me han asado, dadme la vuelta”.
San Jerónimo puede presumir de ser uno de los temas sagrados más populares para los artistas, cuyos innumerables atributos lo hacen extremadamente fácil de reconocer. Llevó su vida como anacoreta (y por eso se le retrata en el desierto) dedicándose a la traducción y transcripción de las Escrituras Sagradas (los libros son imprescindibles en las representaciones). El león es, probablemente, su atributo más conocido. Generalmente se le representa como “San Jerónimo penitente”: delgado, con una larga barba y sólo un paño puesto. Otras veces es inmortalizado golpeándose el pecho con piedras. A menudo se le ve acompañado de una calavera -símbolo del memento mori- y del hábito cardenalicio (aunque decididamente anacrónico).
San Francisco, de origen noble, optó por renunciar a todas sus riquezas terrenales para dárselas a los más necesitados. Tiene muchos atributos: el hábito franciscano, que alude a la orden monástica que fundó; el crucifijo y el cordón del hábito (a menudo representado con tres nudos, como los tres votos emitidos por el santo) o los estigmas en las manos y los pies. Su actitud, humilde y penitente, también es un rasgo identificativo.
San Juan Bautista, tras un periodo de anacoresis, comiendo sólo miel y langostas, abrazó el camino de la predicación e instituyó el sacramento del bautismo a orillas del río Jordán. Su atributo más recurrente es una cruz muy delgada hecha de varas y cañas y, a veces, se le representa vestido con pieles. A su lado hay siempre un cordero, en alusión alegórica a la pasión de Cristo, al sacrificio del agnus Dei.
En numerosas ocasiones, Salvador Dalí declaró que el erotismo era cosa divina, indisociable del misticismo, dado que Eros era un dios. El genio del Ampurdán se sumergió sin miedo en el reino de las pulsiones eróticas y en los traumas edípicos en ellas implicados.
Uno de los dibujos de Dalí que Setdart reúne en sus subastas en curso contiene varios bocetos de contenido erótico, mostrando secciones anatómicas, masturbaciones, figuras masculinas emparentadas con los sátiros griegos y formas femeninas metamorfoseándose en gallinas. En el mismo papel, el lugar central lo ocupa un estudio preparatorio del cuadro “Naturaleza muerta viviente” (1956, conservado en el Museo Salvador Dalí de Florida). Aparecen ya en este boceto muchos elementos que estarán presentes en la tela definitiva: una serie de objetos (botellas, cuchillos, frutas o esferas) levitando sobre una mesa, moviéndose a su antojo o según la interpretación de Dalí de las leyes atómicas según estaban siendo formuladas por la física cuántica, que tanto fascinaron al pintor surrealista. Dalí denominó “misticismo nuclear” a esta investigación plástica
Esta obra (lote 35148668, “Etudeper le tableau Nature morte vivante et croquis éroques”, ca.1956) adjunta certificado expedido por Archives Descharnes, y presenta el sello de la colección Perrot-More, cuyo propietario John Peter Moore, fue el secretario personal de Salvador Dalí, que trabajó junto al artista desde 1960 hasta 1974.
Otro tema que apasionó a Dalí fue la figura del Quijote, con cuya locura hasta cierto punto quiso identificarse. Su fascinación con el Ingenioso Hidalgo quedó materializada en los abundantes dibujos, ilustraciones, grabados y esculturas que el artista dedicó al personaje de Cervantes.
Los otros dos lotes que Setdart licita de Dalí en próximas subastas son, precisamente, dibujos que realizó del Caballero de la Triste Figura: uno de ellos es un dibujo original de Dalí, firmado y dedicado, en la portada de una edición neoyorquina de El Quijote, publicada en 1949 e ilustrada por el genio ampurdanés (núm. 35251422). El otro, es un dibujo a tinta (“Pour la verité”, 1972, núm. 35266235), certificado por Descharnes en 1983, en el que, como es común en muchas caracterizaciones dalinianas del Caballero Andante, la figura es un remolino de formas ágiles y agitadas.
Según declaraciones del propio Dalí, cuando en 1945 emprendió el cuerpo formado por 38 dibujos y acuarelas para ilustrar la primera parte del texto de Cervantes, lo hizo influido por el consejo de su padre, quien le había asegurado que “el Quijote era una obra en la que las facultades podrán sobresalir fácilmente”. El original de aquel primer ejemplar se conserva en el Teatro-Museo Dalí de Figueras.
Del idilio de Dalí con el Quijote nació una obra singular que fue un sincero homenaje, pero también un auténtico revulsivo para el legado de Cervantes, invitándonos a releerlo con otros ojos, contando para ello con un Quijote que ya no se paseaba por áridos paisajes manchegos sino por húmedas costas ampurdanesas.
Aunque la neutral Suiza o ciudades como Nueva York, al otro lado del Atlántico, se convertirán en el periodo de entreguerras en importantes centros artísticos, refugio de dadaístas y otros creadores en lucha con la moral establecida y cualquier tipo de convencionalismo social, París no perderá su protagonismo, al menos hasta que la devastada Europa ceda el testigo en la innovación artística a Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Si antes de la Gran Guerra fueel barrio de Montmartreel centro de la vida bohemia y artística, en el periodo de entreguerras será Montparnasse el corazón de la vida intelectual de París. Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, Erik Satie, Marc Chagall, Soutine, Marcel Duchamp, ConstantinBrancusi, Juan Gris, Foujita, Giacometti, Salvador Dalí o Joan Miró son algunos de los artistas plásticos y literatos que se dieron cita en los humildes estudios habitados por ratas y en los ajetreados cafés de Montparnasse, junto a personajes como la modelo Kiki de Montparnasse, musa de ManRay y Pablo Gargallo o intelectuales y marchantes como GertrudeStein. En este ambiente surge el “Purismo” de la mano de Le Corbusier, se dan algunas de las primeras experiencias dadaístas y se gesta el surrealismo
“Mineros asturianos”
Luis Fernández López, nacido con el siglo en Oviedo, se instalaría en este bullicioso centro artístico que es Montparnasseen 1924, tras una infancia marcada por la tragedia que constituiría la pérdida de sus padres y su abuelo materno. Con solo 12 años queda bajo la tutela de un tío que le emplea de aprendiz en un taller de orfebrería de Barcelona, donde, al parecer, se desvela su vocación artística, matriculándose en las clases nocturnas de la Escuela de Llotja. Cuando llega a París es aún un joven artista en formación, que quedaría intensamente impactado por la obra y la personalidad de Picasso. En su producción de juventud Luis Fernández asume aspectos del cubismo picassiano, del purismo, del neoplasticismo y del surrealismo pero poco a poco va concretando un lenguaje intensamente personal, meditativo, sereno, de gestación lenta y reflexiva. Trabaja asiduamente el bodegón o la naturaleza muerta, en composiciones que a veces se inspiran en la pintura del Siglo de Oro español para transformarla e insertarla en la plena modernidad del siglo XX. La filósofa María Zambrano lo conoció en París en 1947 y dijo de él: “pintará cebollas, trozos de carne, flores a punto de descomposición, cuando la forma lograda parece regresar a la materia de donde viniera; en que el infierno se yergue a tomar su presa evadida tan sólo por una breve hora”. El artista busca trascender la materia para llegar al “alma” de los objetos.
Su pausada manera de trabajar, que da lugar a una producción escasa, así como la mala relación con los más importantes marchantes del momento, harán que su obra sea casi desconocida hasta poco antes de su fallecimiento. La antológica celebrada en 1972 en el Centro de Arte Contemporáneo de París, un año antes de su muerte, será un hito esencial en la revalorización actual de su figura, como también la tesis doctoral de Alfonso Palacio, director del Museo de Bellas Artes de Asturias, que conserva buena parte de su obra.
Durante los próximos días se subasta en nuestro portal web una colección especial de dibujos Joan Miró. La subasta se inicia el día 25 de Julio y finaliza el 3 de Agosto.
Miró es una de las grandes figuras del arte del siglo XX a nivel internacional, y desarrolló un personal lenguaje cercano al surrealismo que influyó poderosamente tanto en sus contemporáneos como en las generaciones siguientes.
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Los dibujos de Miró muestran con una especial claridad la esencia de su lenguaje, su búsqueda de la esencia donde las formas orgánicas se reducen a puntos, líneas y manchas de color. De hecho, cuando en los años treinta se convierte en un artista de reconocimiento internacional es, precisamente, cuando Miró, inconformista por naturaleza, entra en una fase que denominó de “asesinato de la pintura”, en la que renuncia voluntariamente a ser pintor y experimenta con otros medios, como el collage, el dibujo sobre papeles de diferentes texturas o la construcción de “objetos” con elementos encontrados, su primer acercamiento a la escultura. Así, aunque pronto retomó la práctica de la pintura Miró ya nunca abandonará su deseo de experimentación con todo tipo de materiales y técnicas, entre ellas la cerámica, el bronce, la piedra, las técnicas gráficas e incluso, desde 1970, el tapiz.
Setdart ofrece al público una oportunidad única para acercarse de primera mano a este Miró experimentador, inquieto y libre de los dibujos, con una magnífica selección de piezas que se subastarán entre los días 25 de julio y 3 de agosto. Se trata de diez dibujos realizados en 1972, 1976 y 1977 en distintas técnicas, como la tinta china, el grafito, el pastel o las ceras, en soportes también variados que van desde el papel Japón al reverso de un naipe. De hecho, el soporte fue prácticamente una obsesión para Miró; pintó en lienzos irregulares, dibujó sobre envoltorios o cajas de cartón, buscando precisamente esta expresividad que aporta el material por sí mismo.
Todos estos dibujos, de calidad museística, aparecen referenciados y reproducidos en el catálogo razonado de los dibujos de Miró, realizado por Jacques Dupin.
Rafael Canogar, en este video, repasa su trayectoria desde lo subjetivo, desde su temprana admiración por Paul Klee y Miró, que le marcaron especialmente en sus inicios. Después, su viaje a París le permitió entrar en contacto con las vanguardias europeas. Nos explica que la gestación y evolución de su visión del arte y la vida fue inseparable de la sensación de ahogo en la España franquista, y de su lucha por la libertad y la democracia. A resultas de esa lucha y de la voluntad de despertar el país del anquilosamiento creativo nació el Paso (1957), del que fue co-fundador, y que supuso un antes y un después en la historia del arte contemporáneo nacional.
CANOGAR, Rafael (Toledo, 1935). “Escena urbana”, 1989
CANOGAR, Rafael (Toledo, 1935). “Pintura nº 53”, 1959 Óleo sobre lienzo.