El auge del consumo de masas transformaría para siempre el concepto del arte. Hasta los años cuarenta, el arte de vanguardia se había asociado con la hondura conceptual o expresiva, y estaba destinado al deleite de una élite de cultivados. A pesar de querer ser antiburgueses, muchos movimientos rupturistas acaban siendo sumamente elitistas, un arte para iniciados.

El Arte Pop, aunque nació en Inglaterra (el pistoletazo de salida lo dio Richard Hamilton con su humorístico collage“¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”), fue en EUA donde encontró su hábitat idóneo para crecer.

La entrada de los televisores en los hogares, la bonanza económica que hizo prosperar a la clase media, los mundos hedonistas que el cine de Hollywood y la publicidad inoculaban a toda hora para dejar atrás las secuelas de la Segunda Guerra Mundial…, fueron el caldo de cultivo para que una nueva corriente artística triunfara como ninguna otra lo había hecho: a lo profundo, el Pop Art opondría lo banal, frente a lo artesanal reivindicaría la producción en serie, y frente a la seriedad filosófica optaría por el humor desenfadado.

Muchas de las figuras claves de esta corriente se habían formado en el mundo de la publicidad: Warhol era ilustrador de la revista Glamour y diseñador de zapatos, James Rosenquist pintaba vallas publicitarias…La estética del cómic ocuparía un lugar estelar (como en la pintura de Lichtenstein), Marilyn y Jackie Kennedy sustituirían a las vírgenes y mártires de la pintura de antaño, las estaciones de servicio y los supermercados serían los nuevos templos, y sus latas en conserva, sus iconos sagrados.

Se disolvieron las fronteras entre la alta y la baja cultura, y desde entonces la ruptura de jerarquías entre lo elevado y lo popular sigue completamente vigente, como tantos otros conceptos introducidos en los años cincuenta del siglo pasado. El neo-pop actual, sin embargo, tiene lógicamente unas connotaciones propias porque la época es otra: la globalización, los problemas con la inmigración, el hipercapitalismo… han dotado a la estética pop de un tono más comprometido. El ejemplo paradigmático de ello es Banksy, quien usa el lenguaje publicitario para criticar los estereotipos que la propia publicidad impone, pero también para reírse del mundo del arte y para poner sobre la mesa la violencia institucional o el drama de los refugiados.

La creación de la firma Masriera a mediados del siglo XIX supuso un antes y un después en el campo de la joyería artística. Detrás de sus exquisitos resultados, materializados en excepcionales joyas, existió un largo recorrido llevado a cabo por su fundador, Luis Masriera, quien centró su intensa formación en investigar las nuevas posibilidades técnicas de los materiales, así como en explorar nuevos canales creativos para trasladar el movimiento modernista a la joyería.

Tras formarse como aprendiz en el taller familiar y ampliar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, donde se especializó en el esmaltado de metales, Masriera conoció al orfebre René Lalique, una potente fuente de inspiración que le llevo a ensamblar el modernismo con el coetáneo Art Nouveau francés. Así fue cómo el talento del catalán, sumado a las oportunidades que brindaba la Barcelona de finales de siglo, convergió en la creación de una de las firmas de joyería más icónicas a nivel mundial.

Las delicadas y magistrales joyas Masriera reflejaron el mundo de la fantasía y el color del modernismo. Sus diseños, inspirados en el Mediterráneo, en la figura femenina y en el mundo de los sueños, abarcaron desde las formas florales, hasta las mitológicas o las animales. La figura de la libélula, la ninfa o los animales fantásticos se convirtieron en inagotables fuentes de inspiración, claves en el imaginario artístico de la casa, siempre trabajados con excepcionales técnicas como el “pliqué a jour” o el “basse taille”.

San Esteban fue un diácono y protomártir de la iglesia cristiana, condenado a morir apedreado por blasfemia. Su iconografía lo representa en el transcurso de su condena. En ocasiones, simplemente lo retrata sosteniendo piedras o con una palma, ambas alusiones al martirio.

Para la iglesia cristiana, Santa Cecilia es la patrona de la música, los instrumentistas y los cantantes, curiosamente, por un error de traducción del latín. Sus atributos suelen ser las partituras y los pequeños instrumentos musicales, siendo el órgano el más representado.

San Lorenzo fue de los santos “favoritos” en las representaciones pictóricas. Según la tradición cristiana, fue condenado a un martirio atroz: el joven fue quemado lentamente en la parrilla.

Así que sus atributos infalibles son las brasas, la parrilla y sus rasgos juveniles imberbes. También suele ir acompañado de un monedero, ya que se dice que distribuía el tesoro de la iglesia a los pobres. Es famosa la frase que se dice que pronunció sobre las brasas, inamovible por el sufrimiento: “Por aquí me han asado, dadme la vuelta”.

San Jerónimo puede presumir de ser uno de los temas sagrados más populares para los artistas, cuyos innumerables atributos lo hacen extremadamente fácil de reconocer. Llevó su vida como anacoreta (y por eso se le retrata en el desierto) dedicándose a la traducción y transcripción de las Escrituras Sagradas (los libros son imprescindibles en las representaciones). El león es, probablemente, su atributo más conocido. Generalmente se le representa como “San Jerónimo penitente”: delgado, con una larga barba y sólo un paño puesto. Otras veces es inmortalizado golpeándose el pecho con piedras. A menudo se le ve acompañado de una calavera -símbolo del memento mori- y del hábito cardenalicio (aunque decididamente anacrónico).

San Francisco, de origen noble, optó por renunciar a todas sus riquezas terrenales para dárselas a los más necesitados. Tiene muchos atributos: el hábito franciscano, que alude a la orden monástica que fundó; el crucifijo y el cordón del hábito (a menudo representado con tres nudos, como los tres votos emitidos por el santo) o los estigmas en las manos y los pies. Su actitud, humilde y penitente, también es un rasgo identificativo.

San Juan Bautista, tras un periodo de anacoresis, comiendo sólo miel y langostas, abrazó el camino de la predicación e instituyó el sacramento del bautismo a orillas del río Jordán. Su atributo más recurrente es una cruz muy delgada hecha de varas y cañas y, a veces, se le representa vestido con pieles. A su lado hay siempre un cordero, en alusión alegórica a la pasión de Cristo, al sacrificio del agnus Dei.

En numerosas ocasiones, Salvador Dalí declaró que el erotismo era cosa divina, indisociable del misticismo, dado que Eros era un dios. El genio del Ampurdán se sumergió sin miedo en el reino de las pulsiones eróticas y en los traumas edípicos en ellas implicados.

Uno de los dibujos de Dalí que Setdart reúne en sus subastas en curso contiene varios bocetos de contenido erótico, mostrando secciones anatómicas, masturbaciones, figuras masculinas emparentadas con los sátiros griegos y formas femeninas metamorfoseándose en gallinas. En el mismo papel, el lugar central lo ocupa un estudio preparatorio del cuadro “Naturaleza muerta viviente” (1956, conservado en el Museo Salvador Dalí de Florida). Aparecen ya en este boceto muchos elementos que estarán presentes en la tela definitiva: una serie de objetos (botellas, cuchillos, frutas o esferas) levitando sobre una mesa, moviéndose a su antojo o según la interpretación de Dalí de las leyes atómicas según estaban siendo formuladas por la física cuántica, que tanto fascinaron al pintor surrealista. Dalí denominó “misticismo nuclear” a esta investigación plástica

Esta obra (lote 35148668, “Etudeper le tableau Nature morte vivante et croquis éroques”, ca.1956) adjunta certificado expedido por Archives Descharnes, y presenta el sello de la colección Perrot-More, cuyo propietario John Peter Moore, fue el secretario personal de Salvador Dalí, que trabajó junto al artista desde 1960 hasta 1974.

Otro tema que apasionó a Dalí fue la figura del Quijote, con cuya locura hasta cierto punto quiso identificarse. Su fascinación con el Ingenioso Hidalgo quedó materializada en los abundantes dibujos, ilustraciones, grabados y esculturas que el artista dedicó al personaje de Cervantes.