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El color en la escultura española

Una de las facetas más fascinantes y valiosas de la escultura en España es la policromía. Cuando nos detenemos ante una pieza como los relieves renacentistas debemos de imaginar que es muy probable que más de un artista trabajara en ellos. Para la ejecución habrían precisado de un maestro tallista, de un artesano que cubriera de yeso la madera y después definirá las formas y contornos, y por último los doradores y pintores cuyo trabajo muchas veces olvidado era el que aportaba el verdadero resultado final.

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El “Topographic fine art” como denuncia social. Stefanie Herr

Stefanie Herr (Alemania, 1974) recibe a Setdart en su estudio para explicarnos el transfondo de su obra basada en el “Topographic fine art“, del que es pionera, y el relieve fotográfico en sus piezas únicas. Stefanie Herr es licenciada en Arquitectura Superior por la Technische Universität Berlín. Afincada en Barcelona desde 2002, inicia su carrera profesional como arquitecta en los estudios de Alfredo Arribas y Juli Capella. A mediados del 2007 decide entregarse a la creación artística.

 

Sus obras se caracterizan por ser un reflejo del mundo actual, a partir de fotografías reinterpreta datos reales del mercado de valores, como es el caso de su nuevo proyecto, en el que el escultor es el propio mercado ya que trabaja según las fluctuaciones diarias de la bolsa, siendo así una incógnita hasta la última pieza.

Otro de los proyectos por los que más se la reconoce es su manera de interpretar las bandejas de comida típicas de las grandes superficies. En esta hace una denuncia de como la sociedad actual se dirige hacia la mercantilización del mundo tal y como lo conocemos actualmente. Un alto en el camino en el que la artista nos invita a reflexionar hacia donde vamos, para Herr éstas simbolizan una miniatura de como vemos a los animales y la naturaleza bajo el control del ser humano.

 

LOTE  35124770 (ENLACE DIRECTO)

HERR, Stefanie (Alemania, 1974).
Alcampo · Grassy Patch (2012)
Relieve fotografico, pieza única, cortada y ensamblada a mano.
Impresión tintas pigmentadas sobre Hahnemühle Photo Rag Pearl, cartón de conservación 2mm, adhesivos.

polloEscribe Elina Norandi, comisaria, crítica de arte y profesora de Historia del Arte, sobre la obra de Stefanie Herr: “original propuesta técnica y de hibridización de medios artísticos que la dotan de gran fuerza visual, al tiempo que elabora un discurso donde se cuestionan y subvierten géneros tradicionales de nuestra historia del arte como la naturaleza muerta o el desnudo, para proponernos una interesante reflexión crítica sobre la sociedad de consumo y la mercantilización de los cuerpos”.

En subasta hasta el 20 de Julio. ¡Hagan sus pujas!

 

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Setdart presenta: “Coronación de la Virgen”. Retablo en madera tallada, policromada y dorada.

Setdart se complace en presentarles en subasta este espectacular retablo del siglo XVII que por su valor histórico, trabajo artesanal, materiales de primera y la escena religiosa que representa es una pieza magnífica y una oportunidad única. Claro reflejo del barroco conforma una de las corrientes más representativas españolas.

 

Esta fantástica pieza se puede encontrar en subasta hasta el 05 de Julio.

Lote: 35177441  (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

Escuela castellana de la segunda mitad del siglo XVII.
“Coronación de la Virgen”.
Retablo en madera tallada, policromada y dorada.
Medidas: 500 x 234 x 56 cm aprox.

35177441-(100)

 

Retablo en madera tallada en altorrelieve, policromada y dorada, enmarcado dentro de la escuela castellana de la segunda mitad del siglo XVII. Cuenta con un marco arquitectónico profusamente decorado. La escena central representa la coronación de la Virgen, con Dios Padre y Cristo rodeados de ángeles. En el ático aparecen Santiago, san Pedro y san Juan, y en la predela san Joaquín, santa Ana y Jesucristo.
El retablo queda enmarcado por dos columnas salomónicas cubiertas por hojas de parra y racimos naturalistas, situadas sobre ménsulas soportadas por atlantes niños. Las columnas dan apoyo al entablamento sobre el que se alza el ático, con perfil retranqueado y dinámico, típicamente barroco, desarrollado en torno a un motivo central de hojas de acanto de gran relieve.
En el panel principal la Virgen, arrodillada sobre un pedestal de querubines, con las manos unidas en gesto de oración y la cabeza humildemente inclinada, es coronada como Reina del Cielo por Cristo y Dios Padre. El primero aparece representado como resucitado, con una túnica dorada y bordada de motivos florales, que deja a la vista su torso desnudo, sosteniendo una estilizada cruz dorada en su mano derecha, mientras alza la izquierda para sostener la corona sobre la cabeza de María. Dios Padre aparece vestido con túnica oscura, también bordada con flores, y sobre ella un manto similar al de Cristo. Apoya su mano izquierda sobre un orbe que simboliza la universalidad de la doctrina cristiana y del acto redentor de Jesús. Tanto Dios Padre como Cristo aparecen sobre gruesos roleos de nubes, apoyados sobre ángeles niños de gran naturalismo y delicadeza. Tras las figuras vemos un paisaje pintado, con una míríada de querubines sobre el cielo y un alto horizonte con árboles de copa redondeada. La escena queda enmarcada por una orla muy claroscurista, típica del pleno barroco, compuesta principalmente por roleos de acanto.

¡No dejen escapar esta oportunidad y hagan sus pujas!

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Probablemente PESQUERA, Diego de (act. en Andalucía 1563 – 1580). Lote 35013883

LOTE EN SUBASTA

Probablemente PESQUERA, Diego de (act. en Andalucía 1563 – 1580).
“San Pedro” y “San Pablo”.
Pareja de relieves en madera tallada, pintada y dorada.
Medidas: 47,5 x 25 cm.

En esta pareja de relieves, tallados en madera y policromados, sobre fondo de oro, se representa a San Pedro y San Pablo de cuerpo entero, de frente y en posiciones diferenciadas, ambos con túnica verde azulada, un cromatismo indefinido y cambiante típicamente manierista, y manto de un suave tono carmesí. Rompiendo ya con las formas medievales, aunque la frontalidad sigue siendo rigurosa las figuras ya se mueven de forma más naturalista, siguiendo modelos clásicos, armónicos y equilibrados. Asimismo, aunque los cuerpos aparecen de frente los rostros se giran levemente, y en el aspecto técnico se aprecia el conocimiento del “schiacciato”, sistema de modelado en el relieve escultórico utilizado por los romanos y perfeccionado en el siglo XV por Donatello, que consiste en disminuir proporcionalmente el bulto del relieve en función de la profundidad que se quiere representar. Esta técnica escultórica permite realizar un bajorrelieve con una variación mínima (a veces se habla de milímetros) respecto al fondo. Para dar al espectador la ilusión de profundidad, la gradual disminución de la profundidad del espesor se complementa con la aplicación rigurosa de las leyes de la perspectiva, que potencia el efecto visual. Así, el libro que portan ambos santos sobresale claramente por encima del resto del relieve, así como las rodillas ligeramente flexionadas.
Los santos aparecen claramente identificados por medio de sus atributos iconográficos principales, representados a gran tamaño y en primer plano: una enorme llave en el caso de San Pedro, y una espada de monumental porte en la que San Pablo se apoya casi como si se tratase de un báculo o bastón. Los santos aparecen sobre un fondo plano, reminiscencia aún del último gótico, en el que el telón dorado propiamente medieval es sustituido por una composición de vasos clásicos y motivos vegetales de la misma procedencia, en dorado sobre fondo negro.
Por su estilo, manierista a la manera italiana en parte pero aún ligada en ciertos aspectos a la tradición española, podemos relacionar estos dos relieves con la obra de Diego de Pesquera, escultor de probable origen italiano que se encontraba trabajando en Granada en 1563. Posteriormente, entre 1571 y 1580, está documentada su actividad en Sevilla. De hecho, la historiografía le enmarca dentro de la escuela sevillana de la segunda mitad del siglo XVI. Su estilo es pues manierista, marcado por la influencia de Miguel Ángel, por lo que se cree que debió formarse en Italia.
Trabajó principalmente los temas religiosos, lo más corriente dentro de la escuela española del XVI. Para la ciudad de Granada trabajó en la portada de la Sala Capitular de la catedral (esculturas de las Virtudes), y en 1567 en la iglesia de San Pedro. Realizó además las portadas de la iglesia de la Encarnación de Íllora y los retablos de Colomera y Ogíjares, las tres localidades granadinas. Dentro de esta etapa en la que se encuentra trabajando en Granada su obra más destacada es el grupo escultórico de “Santa Ana, la Virgen y el Niño”, que realizó para la catedral de Granada y se conserva hoy “in situ”. En esta obra se evidencia el dominio de la talla en piedra del autor. Ya en Sevilla desde los años setenta, Pesquera trabajó en la Capilla Real de la catedral, realizando las imágenes de Santa Rufina, San Pedro y San Juan Evangelista. También se conservan de este periodo los relieves de la antesala capitular, en la misma catedral.
Por otro lado, este escultor trabajó también los temas profanos, como evidencian sus imágenes en piedra de Julio César y Hércules (contratadas en junio de 1574) que se encuentran en la Alameda de Hércules, en el centro histórico de Sevilla. La carta de pago y finiquito de ambas obras es de fecha 30 de diciembre de ese mismo año de 1574. También es de su mano la imagen que corona la Fuente de Mercurio de la Plaza de San Francisco, en la misma ciudad. Pesquera trabajó en esta obra bajo la dirección de Asensio de Maeda entre los años 1576 y 1578.