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Antoni Clavé i Sanmartí (Barcelona, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005).

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ

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CLAVÉ I SANMARTÍ, Antoni (Barcelona, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005).
Sin título.
Técnica mixta sobre papel.
Firmado en la zona inferior central.
Medidas: 26 x 20 cm; 51 x 45 cm (marco).

Antoni Clavé es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, Clavé se dedica en un primer periodo al grafismo publicitario, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 toma parte activa en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse a Francia al terminar la contienda. Este mismo año de 1939 expone los dibujos que realizó en los campos de batalla.

Se instala en París, donde conoció a Vuillard, Bonnard y Picasso. A partir de esta época, Clavé empieza a desarrollar una obra marcada por una plástica distinta, menos clásica. Durante este periodo sus figuras fueron perdiendo precisión y forma, dando paso al trazo y a una personal gama de colores y texturas que protagonizarán desde entonces sus obras. Gozaba ya de un gran prestigio internacional en el momento en que se inicia su reconocimiento en España, a partir de su exposición en la sala Gaspar de Barcelona, en 1956. En la década de los sesenta realizó un homenaje al Greco, y su pintura de este momento revela las influencias recibidas de dicho maestro, así como de los pintores del barroco. Toma especial relevancia la temática del caballero de la mano en el pecho, referente que se repetirá en las obras futuras de Clavé. Este periodo se caracteriza por el paso definitivo a la abstracción.

En los años setenta continúa la evolución en la obra de Clavé, utilizando técnicas diversas como el collage, e inventando nuevas como el “papier froissé”, fruto de una casualidad en el uso del aerosol sobre papeles arrugados. En 1978, el Museo Nacional de Arte Moderno de París, actual Centro Georges Pompidou, le dedicó una retrospectiva que le convirtió en uno de los artistas de más prestigio de su generación. Sus últimas obras se caracterizan por la recreación de texturas dentro de la abstracción, con una profusa utilización del “papier froissé”.

Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia de 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio de 1957. En 1984 el Estado Español reconoció su valía artística con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña. La obra de Clavé se encuentra, entre muchos otros, en los museos de Bellas Artes de Bilbao, Tate Gallery, de Arte Moderno de París y Tokio, el British Museum y en el Reina Sofía de Madrid.
 

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José ARRÚE VALLE (Bilbao, 1885 – Llodio, Álava, 1977). “Día de fiesta”.

ARRÚE VALLE

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ARRÚE VALLE, José (Bilbao, 1885 – Llodio, Álava, 1977).
“Día de fiesta”.
Óleo sobre tabla.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
40 x 50 cm; 44,5 x 54,5 cm (marco).

José Arrúe se formó en Bilbao y posteriormente amplió sus estudios en Barcelona, París y Milán. En 1908 regresó a su tierra natal y comenzó a compaginar la práctica artística con la docencia, como profesor de dibujo de figura en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao. Ese mismo año colaborará en la fundación de la revista “El Coiteao”. Un año más tarde, su afición por el mundo taurino le llevará a vestirse de luces, llegando a lidiar ocho novilladas. Su presentación como torero tuvo lugar en Bilbao el 17 de octubre, y según las reseñas de la época se defendió bien. Por esta época empezará a darse a conocer, y celebrará exposiciones de su obra en Bilbao en 1911, 1915, 1920 y 1925.

Al año siguiente, en 1926, Arrúe se traslada a París, donde seguirá pintando hasta finalmente presentarse en Buenos Aires en compañía de su hermano Ramiro, también pintor. Esta exposición, inaugurada el 10 de julio de 1928, se celebró en la Sociedad de Amigos del Arte de la capital argentina, y su éxito fue tal que se convirtió en itinerante, continuando su puesta en escena en Córdoba, en la sala del diario “La Razón”, con el que Arrúe colaboraría artísticamente durante varios años. Posteriormente la exposición fue mostrada también en la galería Moretti, Catelli y Mazzuchelli de Montevideo, para finalizar su viaje en el Salón Wicomb de Rosario, de nuevo en Argentina. Durante este viaje, Arrúe participó en la Exposición de Artistas Vascos celebrada en el Gran Casino de San Sebastián con motivo de la Gran Semana Vasca, y fue además premiado por su cartel en el II Certamen Internacional del Trabajo.

También por estos años, entre 1926 y 1931, Arrúe colaboró en periódicos madrileños como “El Sol”, “Crisol” o “El Liberal”, realizando trabajos en la sección de historietas. También trabajó en publicidad para Cajas de Ahorros, realizó carteles para la Semana Grande de Bilbao, ilustró tarjetas con tipos y paisajes vascos y también libros como “Guipúzcoa. Lecturas”, de Bonifacio Arrabal (1930), “Ansonekoa” de José E. de Arriaga (1931), “Viaje a Navarra durante la insurrección vasca (1835)” (1933) y “Los esclavos felices”, también de Arriaga (1935). Fue asimismo un activo participante en el ambiente cultural vasco.

Desde 1912, año de la primera exposición de la Asociación de Artistas Vascos, Arrúe participó en numerosos eventos y muestras celebrados por la asociación, llegando a exponer individualmente en su sala en 1931. También contribuyó a su fundación, y ocupó los cargos de contador, bibliotecario y tesorero. En 1933 sus obras estarán presentes en la última exposición realizada por la Asociación, celebrada en las Galerías Emporium de Barcelona. En esta misma década de los treinta participa en la III Exposición de Artistas Vascongados, si bien tres años más tarde, en 1937, es apresado. Ya libre, en 1940 se instala en Areta (Llodio), llevando desde entonces una vida retirada. No obstante, sigue exponiendo en los años siguientes, participando en muestras colectivas de artistas vascos, y en 1973 se celebra una exposición retrospectiva de su obra en la Sala de Cultura de la Caja de Ahorros Provincial de Álava.

Actualmente está representado en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otras colecciones tanto públicas como privadas.

 

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Pere PRUNA OCERANS (Barcelona, 1904 – 1977). “Saliendo del baño”.

Pere PRUNA

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PRUNA OCERANS, Pere (Barcelona, 1904 – 1977).
“Saliendo del baño”, 1958.
Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho y al dorso.
60,5 x 49,5 cm; 86 x 74 cm (marco).

 

Artista principalmente autodidacta, Pere Pruna completó su formación en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Tras empezar a exponer en la ciudad condal siendo aún muy joven, viajó a París en 1921, donde fue ayudado y orientado por Picasso. En la capital francesa realizó una exitosa muestra personal en la Galerie Percier, y entró en contacto con intelectuales como Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob y otros, con los que fundó la revista “Philosophie” en 1924.

Serge Diaghilev, quien visitó una de sus exposiciones, le propuso además realizar los decorados y figurines del ballet “Les matelots”, en 1925. Desde entonces trabajó asimismo en otras obras musicales, como “La vie de Polichinele” (1934) y “Oriane” (1938), entre otras. En 1928 obtuvo el segundo premio absoluto de la exposición del Carnegie Institute de Pittsburg y posteriormente, de vuela a Barcelona, obtuvo otros galardones como el del concurso “Montserrat visto por los artistas catalanes” (1931) o el Premio Nonell (1936).

A raíz del estallido de la Guerra Civil, Pruna continúa con su actividad expositiva internacional, destacando su muestra organizada en Londres en 1937. Tras la contienda compaginó las exposiciones de pintura de caballete con la pintura mural, género en el que fueron especialmente celebrados sus trabajos en el monasterio de Montserrat. En 1965 ganó el premio Ciudad de Barcelona, y tres años después fue nombrado académico del Far de Sant Cristòfor.

Su estilo, centrado en una figura femenina grácil y estilizada, parte de la clara delicadeza del Picasso rosa y “neoclásico”, y revela un cierto paralelismo con el Novencento italiano, enmarcándose de pleno en la corriente clasicista aparecida en el arte occidental tras la primera oleada vanguardista, y de la cual su amigo Cocteau fue impulsor. Pere Pruna está actualmente representado en el Museo de Montserrat, donde existe un espacio con su nombre, el MACBA de Barcelona y el Museo Maricel de Sitges, entre otros.

 

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