Written by admin

Arte contemporáneo en Setdart, una selección de los artistas más destacados.

Setdart ha reunido un nutrido y heterogéneo grupo de obras para formar parte de la subasta de arte contemporáneo del día 19 de Octubre. Algunos de los nombres más representativos del siglo XX y el XXI integran esta colección, desde Joan Miró a Miquel Barceló, contando asimismo con piezas de los artistas españoles presentes en todas las citas internacionales como Bernardí Roig.

Lote: 35215018. MANOLO VALDÉS BLASCO “Composición”

Una de las piezas estrella de la subasta en ciernes es una Menina de Manolo Valdés, un collage en el que confluyen variedad de técnicas y que formó parte de una exposición en la Galería Sen de Madrid (véase “Composición”, 1982, lote 35215018). En esta exposición, Valdés rendía homenaje a distintos artistas dedicándoles una menina personalizada a cada uno de ellos, de acuerdo con su estilo o movimiento al que perteneciera. En este tipo de guiños interpersonales y posmodernos Valdés logró expresarse con gran ingenio.

De Barceló, licitamos el impactante lienzo “Crâne à l’Âne”, 2006 (lote 35266281), una composición matérica de gran fuerza expresiva, donde el elemento autobiográfico queda entreverado bajo sutiles referencias simbólicas.

Lote: 35266281. MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). “Crâne à l’Âne”, 2006.

Otra obra especialmente subyugante, de título “Apariencias”, 1966 (num. 35147563), es la realizada por una de las figuras más notorias de la escuela conquense, Gustavo Torner, quien mediante elementos orgánicos a modo de raíces y tallos sugería extremidades de aves, confundiendo así los reinos animal y vegetal.

Antoni Tàpies aparece en esta ocasión representado con un dibujo destinado a diseñar la portada de un libro de su admirado Joan Brossa, “Rua de lletres” (Poesía rasa, num. 35227447). “Poesía rasa” (1970) contribuiría a dar a conocer a este peculiar poeta catalán, que por entonces era aún poco conocido en el mundo cultural.

El que fuera uno de los miembros fundadores del grupo El Paso, recientemente fallecido, Luis Feijo, ha sido incluido en esta subasta del día 19 con una de sus pinturas clave, “1195” (lote 35221891), de 1980, año en el que su obra viró hacia la máxima esencialidad formal.

Lote: 35147563. GUSTAVO TORNER "Apariencia
Lote: 35227447 ANTONI TÀPIES “Poesía rasa. Poemes de seny i cabell”
Lote: 35221891. LUIS FEITO LÓPEZ “1195”, 1980.

Un artista que nunca deja de sorprendernos, demiurgo de mundos mágicos y criaturas metamórficas e inclasificables, el cubano Roberto Fabelo, nos deleita en esta ocasión con esculturas, pinturas y dibujos como “El jardín de la noche” (lote 35216977).

Como ven, una vez más la variedad se entiende bien con la calidad en nuestra próxima subasta de arte contemporáneo y actual.

0
Written by admin

El mundo circense a través del arte contemporáneo.

El mundo circense a través del arte contemporáneo

La relevancia que adquirió el mundo circense entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX quedó reflejada en el arte a través de un extenso elenco de artistas que, atraídos por el espíritu bohemio y excéntrico del circo, quisieron capturar la esencia de este maravilloso y catártico espectáculo visual. Por aquel entonces, y muy especialmente en París, el circo se había convertido en uno de los grandes epicentros de la vida social, llegando a ser, sin duda, una fuente inagotable de inspiración y experimentación en el desarrollo de las vanguardias artísticas.

Piezas de Celso Lagar de temática circense vendidas en Setdart.
Fotografía de Lautrec vestido como un personaje circense y la obra de Chagall "Circus" de 1964.

En el Paris finisecular, artistas como Tolousse-Lautrec, Chagall, Picasso o Leger, descubrieron las posibilidades que este gran espectáculo les ofrecía, abriéndoles las puertas a un mundo de ensueño, donde la fantasía, la magia y el anhelo de recuperar el paraíso perdido de su niñez, significaron el refugio y la esperanza frente a las desdichas cotidianas. De este modo, el circo, que desde su irreverencia y optimismo despertaba las emociones más primarias y genuinas, se descubrió como el escenario perfecto en el que dar rienda suelta al nuevo espíritu de modernidad y libertad que abanderaban las vanguardias artísticas. Este espacio libre de convenciones socialesfue, también, el espacio de los colores vibrantes, el movimiento trepidante y la libertad compositiva, encontraron un lugar en el que cobrar vida.

Sin embargo, en contraposición a esta imagen idealizada del mundo circense, fueron muchos los artistas que reflejaron la cara más cruda y sórdida que se escondía tras de sí. El circo se transformó en una metáfora de la condición humana donde tragedia y comedia se convirtieron en las dos caras de una misma moneda. A partir de entonces, el sentimiento de melancolía y nostalgia se identificó con la condición marginal de aquellos fascinantes personajes, que, tras apagarse las luces del escenario, vivían una realidad muy alejada del esplendor del espectáculo. Desde este punto de vista, las representaciones de Picasso son probablemente, el ejemplo más clarividente del significado trágico que envolvió a las estrellas circenses, cuya vida pintoresca, marginal y transgresora, se identificó con la del propio artista. En este sentido, la figura del payaso encarna como ninguna otra, el sentimiento de incomprensión y soledad del artista. Pero más allá de Picasso, fueron muchos los artistas españoles que como, Benjamín Palencia, Antoni Clavè, Maruja Mayo o CelsoLagar hicieron de la temática circense uno de los centros de su producción.

En el caso de Lagar, el imaginario circense adquiere una especial relevancia que da luza lasque serán sus obras más famosas y a la vez, más tristes. En ellas desprende el sentimiento de profunda soledad y desarraigo que le acompañó desde que abandonara su Andalucía natal para instalarse en la ciudad de Paris. Tras el aprendizaje inicial que supuso el descubrimiento de las vanguardias históricas, Lagar buscó un camino de expresión propio marcado fundamentalmente por una inspiración picassiana, visible en el lienzo que presentamos en subasta (35205098).

Como se aprecia en la obra que se subasta, sus constantes visitas a los circos ambulantes de Paris se convirtieron en la crónicade una sociedad de entreguerras.  La aparente felicidad de los personajes que conforman el lienzo (los payasos, los trapecistas,las bailarinas o los animales circenses) esconde un halo de melancolía y tristeza, reflejado en sus rostros serios y reflexivos.

En definitiva, el espectáculo del circo se convirtió, de la mano de grandes artistas, en el reflejo del espectáculo de la vida.

Lote: 35205098. CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, León, 1891 – Sevilla, 1966). “Escena de circo”, ca. 1940.

Algunas obras vendidas en Setdart

Lote vendido en Setdart. CARLES NADAL. “Circo en la playa”.
Lote vendido en Setdart. ENRIQUE MIRALLES DARMANIN “Personajes del circo
Lote vendido en Setdart. CARLES NADAL. “El circo".
0
Written by admin

La pintura de techo barroca: una ventana al cielo.

LA PINTURA DE TECHO BARROCA: UNA VENTANA AL CIELO

Entre finales del siglo XVI y principios del XVII, surge en Italia un nuevo movimiento estético e ideológico que impregnará la producción artística y literaria de la península y de todo el continente.

El Barroco conquistó las cortes europeas con su planteamiento tan alejado del Manierismo anterior: un triunfo de la invención sobre la imitación, una celebración del énfasis y lo extraño, una clara intención de sorprender e impresionar, en claro contraste con el Clasicismo.

La espectacularidad buscada por este movimiento se expresa en gran medida con impresionantes y suntuosos techos decorados con frescos: el objetivo es asombrar al espectador y engañar su vista, utilizando la pintura ilusionista para recrear efectos tridimensionales. La barrera arquitectónica se convierte así en un trampolín para representar una escena a medio camino entre la realidad y la ficción, creando espacios irreales que mezclan la tierra y el cielo (como el techo de la iglesia de Sant’Ignazio de Roma pintado por Andrea Pozzo).

Bóveda de la iglesia de San Ignacio.
"Cámara de los Esposos", de Andrea Mantegna.

En el Renacimiento, Andrea Mantegna puso de relieve esta técnica en la Cámara Nupcial del Palacio Ducal de Mantua, utilizando estructuras arquitectónicas falsas que conducen a un cielo abierto, sugiriendo una ilusión de profundidad.

Sin embargo, durante el Barroco, la pintura de los techos, ya muy utilizada, se transforma en un “escenario” artístico para expresar un triunfo de figuras, estucos duraderos, cuadros ilusionistas. Además de la complejidad técnica de la superficie a decorar, había que tener en cuenta la distorsión óptica que provocaría una representación a escala en el techo.

Para sortear este problema, la estratagema más común -ya conocida por Miguel Ángel del Juicio Final- era recurrir a la anamorfosis, una imagen curva u oblicua que sólo podía descifrarse si se observaba desde un determinado punto de vista.

Durante este periodo, la iglesia de la Contrarreforma era el principal cliente: quería deslumbrar y despertar fuertes emociones en los fieles, aprovechando el repertorio iconográfico cristiano.

Así, en las iglesias los temas preferidos son los santos y beatos, a menudo flanqueados por alegorías de las virtudes cardinales o escenas bíblicas; en los palacios privados, en cambio, se regocijan las representaciones de mitos paganos del mundo helenístico o reelaborados en clave romana.

Estas representaciones también permitían un alarde de erudición y opulencia por parte de los mecenas, en su riqueza de figuras alegóricas, simbolismos, figuras alusivas al patrimonio de las familias.

El prolífico Giambattista Tiepolo cuenta en su producción con un gran número de frescos de techo, con extraordinarias composiciones que pronto le valieron la fama europea.

Empezando por Venecia con el Palacio Labia y Ca’ Rezzonico, también puede presumir de la realización de los frescos de la Residencia de Wurzburgo hasta el último encargo realizado para el Palacio Real de Madrid.

Lote: 35148572. Escuela italiana del siglo XVIII. Círculo de GIOVANI BATTISTA TIEPOLO (Venecia, 1696 - Madrid, 1770). “Paciencia, Inocencia y Castidad” y “Fortaleza y Justicia”.

En Setdart ofrecemos a la venta una pareja de óleos sobre papel adheridos a lienzo pertenecientes al círculo del artista italiano, que representan las alegorías de “Paciencia, Inocencia y Castidad” y “Fuerza y Justicia”.

Estas figuras fueron concebidas para ser colocadas en las esquinas del techo de la Sala Capitular de la Scuola Grande dei Carmini de Venecia, y reflejan la dotada luz típica del legado de Tiepolo, impregnada de un vibrante dinamismo.

Así, la huella del artista deja un surco en las generaciones futuras, elevando el lenguaje barroco y ganándose el título de magnífico primer maestro de la Gran Manera.

Algunos detalles
0
Written by admin

Manolo Blanhik aterriza pisando fuerte en Setdart.

Manolo Blanhik aterriza pisando fuerte en Setdart.

Gracias al cine y a la televisión, algunos modelos de zapatos han pasado a ser auténticos referentes de la historia de la moda, convirtiéndose en todo un objeto de colección.

Icono entre los iconos, los diseños de Manolo Blahnik son considerados todo un referente a nivel internacional. Así lo confirmó Carrie Bradshaw cuando mostró su gran amor (incluso obsesión) por los Blahnik en la serie “Sex &The City “. Desde entonces, ¿quién no ha soñado con tener unos “Manolo”?

No sólo Carrie Bradshaw se enamoró de estos zapatos: Victoria Beckham, Madonna, Beyoncé, Anna Wintour, Michelle Obama o Rihanna, entre muchas otras, confían ciegamente en el canario, luciendo sus diseños en alfombras rojas y eventos internacionales.

Sarah Jessica Parker, Olivia Palermo y Victoria Beckham, fieles clientas del zapatero canario.

Manolo Blahnik se fue a Londres durante la década de los 70 para probar suerte en el mundo de la moda. Sus diseños de calzado,atípicos y particulares, sumados a su talento y a su buen círculo de amistades, lanzaron al canario al estrellato. Desde entonces, Blahnik se ha convertido en todo un clásico de las pasarelas, diseñando calzado para reputadas marcas como Calvin Klein, John Galiano, Calorina Herrera o Christian Dior.

Los modelos que podrán ser adquiridos en Setdart el próximo 12 de julio abarcan tanto los diseños más clásicos (los BB, llamados así por Brigitte Bardot -véase el lote 35244845-, o los famosos Mary Jane Campari -véanse los lotes 35244810 y 35296080-), hasta los más exclusivos, algunos de ellos pertenecientes a colecciones cápsula o ediciones limitadas(véase el lote 35296081, zapatos de salón Screw).

Sin embargo, Manolo Blahnik no es el único protagonista de nuestra subasta, sino que Valentino (véase el lote 35244844, zapatos Rockstud), Versace o Yves Saint Laurent también se darán cita en este homenaje al calzado.

Además, no podemos pasar por alto la selección de bolsos Louis Vuitton que también serán licitados ese mismo día. Modelos como el Alma en su versión Malletage (35028643), el clásico Randonnée (35028646), el Capucines en piel Taurillón (35028652) o el bolso con estampado Damier en piel de potro(35028648), podrán ser adquiridos en Setdart.com.

Lote: 35244810. MANOLO BLAHNIK. Mary Jane Campari.
Lote: 35244845. MANOLO BLAHNIK. Zapatos BB.
Lote: 35296081. MANOLO BLAHNIK. Zapatos de salón Screw.
0
Written by admin

La pintura orientalista: tras el paraíso soñado

La pintura orientalista: tras el paraíso soñado

La expansión colonial europea en el norte de África durante el siglo XIX fue determinante en el deseo de numerosos artistas  por viajar y explorar un mundo desconocido. De la representación de sus paisajescostumbres y conflictos surgió la llamada pintura orientalista, un género con personalidad propia dentro del arte decimonónico, y que cultivaron apasionadamente grandes maestros como Eugene Delacroix, Dominique Ingres o Mariano  Fortuny.Junto a esta conquista, el éxito de la literatura de viajes, el deseo de encontrar temas pictóricos novedosos y el espíritu aventurero que los caracterizó, llevó a muchos artistas a un viaje hacia el paraíso soñadoque asimilaron en sus obras con la recreación de un Oriente exótico y cautivador.Prueba de ello, es la selección de obras que el día 15 de julio ofrecemos en nuestra subasta de arte oriental.

La irrupción del orientalismo como genero plenamente reconocido encuentra su origen durante el Romanticismo, que de igual modoque el historicismo medievalista, significó entonces una huida de la realidad dotada de cierta mitificación. Los artistas, atraídos por lo exótico y lejano, representaron el mundo oriental bajo un prisma dominado por el carácter fantasioso y evocador que caracterizó   los múltiples relatossobre las tierras de la Africa Mediterránea y Oriente Próximoque,como los de Francis Burton, GustavFlaubert o Gerard de Nerval entre otros, proliferaron en la literatura. De hecho,a raíz de las campañas napoleónicas, el imaginario occidental se nutrió de las glorias de estos viejos imperios, cuya conquista fue representada en múltiples escenasque simbolizan el poder y superioridad de Occidente sobre Oriente. De este modo, las escenas de batalla, los esclavos sometidos o los desiertos infinitos que recorrieron durante las campañas de colonización encontraron  una época de esplendor pictórico

Lote: 35233698. HENRIC ANKARCRONA (Suecia, 1831-1917). “Escena ecuestre al pie de las montañas del Atlas, Norte de África”, 1872.

Sin embargo,frente  a este visón, se desarrolló una vertiente más realista que,alejada del tono grandilocuentey de las connotacionesnegativas hacia lo morisco que prevalecieron en las primeras obras orientalistas,se recreó en la representación de las costumbres, cultura y escenarios de la vida cotidianos.Así, durante la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los pintores viajaron a Oriente Próximo donde encontraron una realidad que les descubrió un país diferente y nuevo, que sobresalía con sus peculiaridades por encima de los tópicos y los prejuicios de los europeos. La  nueva escuela orientalista dejó atrás las guerras, los harenes y los mercados de esclavas para pintar el mundo que se abría frente a ellos  en toda su dimensión cotidiana.

Ejemplificando estas dos visiones, contamos con dos magnificas obras de HenricAnkarcrona( lote35233698) y  August vonSiegen( lote 35233753) respectivamente. El primero se sirve de una escena de batalla en pleno desierto para realizar una obra de  desbordante energía y expresividad pictórica. Por el contrario, el segundo centra toda su atención en reflejar la atmósfera del lugar y de la propia identidad de la población norteafricana del Cairo.

En el ámbito españolel  acercamiento a la  realidad cultural e históricaOriental, aunque fuese por la fuerza de las armas, se  desarrolló bajo una visión mucho más realista que la que tuvieron en general los pintores orientalistas europeos durante el siglo XIX. En este sentido la realidad del mundo cotidiano marroquí se impuso sobre la fantasía del exotismo a través de una técnica cercana al realismo luminoso de pincelada suelta y manchista. Sin duda de entre todos los pintores españoles que practicaron el género, Fortuny fue el gran maestro. Sentando precedente en la representación de dichos contenidos, estableció un canon determinado que fue altamente valorado por otros artistas. Este es el caso de Francisco  Pinazo quien pudo conocer al pintor catalan durante su estancia en Roma.Precisamente en la capital italiana, Pinazo realizó el lienzo que presentamos en subasta(lote35148512) en el que haciendo gala de su maestría técnica, elpintor nos traslada a un interior típicamente árabe.

Desde Setdart, os proponemos a través de nuestra próxima subasta un viaje por las distintas vertientes a través de las que el arte capturó el fascinante  mundo oriental.

0
Written by admin

Andy Warhol y su inseparable Polaroid.

"Lo mejor de una foto es que nunca cambia, incluso cuando la gente que aparece en ella lo hace” Andy Warhol.

“Lana Turner”, retratada a través de la Polaroid de WArhol en 1985. En subasta en Setdart.

 

 

El rey de pop art por antonomasia, Andy Warhol, se anticipó varias décadas con sus célebres polaroids al estallido de las redes sociales, que, como Instagram, se han convertido en un verdadero  símbolo de nuestra era. Del mismo modo, Warhol convirtió sus icónicos retratos en un valioso relato  del  entorno social que le acompañó a lo largo de su trayectoria, inmortalizando con su inseparable cámara Polaroid a las estrellas más rutilantes del momento. Este es el caso de la fotografía (35175118) que el próximo día 5 de julio  presentamos en nuestra subasta, donde Warhol logra capturar la esencia de la madurez de una de las  grandes leyendas de la pantalla del cine clásico de Hollywood como fue Lana Turner.

La relevancia de la faceta como fotógrafo de Warhol dentro del desarrollo de su personalidad artística es del todo indudable tal y como demuestran las más de 100.000 instantáneas  que realizó a lo largo de su trayectoria. Su idilio con la fotografía se inicia hacia 1962 cuando el artista  adquiere su primera cámara Polaroid Big Shot. Fascinado por  las ventajas que la fotografía al instante le ofrecía, Warhol empezó a registrar casi de forma obsesiva todo aquello que le rodeaba, ya fueran objetos cotidianos, disturbios raciales, o los rostros de los  personajes más célebres del momento. Desde entonces, utilizó su cámara como si de un trabajo preparatorio se tratara, siendo, como el mismo afirmó, su particular lápiz y papel con el que dio luz a  gran parte de su corpus artístico. De este modo, su Polaroid pasó a ser una herramienta fundamental en el proceso de realización de una obra posterior que a menudo convertía en serigrafia. De hecho, algunas de ellas, como la de Marilyn Monroe, han pasado a la historia del arte contemporáneo como  verdaderos iconos  que ya forman parte de nuestro  imaginario cultural

CElebridades retratadas por la inseparable cámar Polaroid del genio neoyorquino.

Sin embargo, Warhol pronto dejaría de concebir la fotografía como un simple medio  accesorio  para convertirla en un fin por sí misma, en una expresión artística plenamente autónoma a través de la que nos abrió una fascinante ventana al mundo del star system y nos acercó  a la realidad de sus venerados protagonistas desde una visión mucho más íntima y privada de lo habitual. Durante más de dos décadas, primero con su Polaroid y posteriormente con una cámara Minox, Warhol se dedicó a realizar una crónica de su vida diaria, en la que sus amigos, gran parte de ellos famosos, se convirtieron en un auténtico objeto de deseo para el artista.

Jack Nicholson, Mick Jagger, Patti Smith, Yoko Ono, John Lennon Salvador Dalí , Man Ray…todos ellos fueron objetivo de las instantáneas de Warhol, inmortalizándolos en estricto primer plano para mostrar la faceta más mundana de unos personajes que, para el resto del mundo, parecían inalcanzables. En este sentido, encontramos en la obra de Warhol una  gran paradoja. Mientras en sus pinturas o serigrafias  los objetos cotidianos y de consumo eran elevados a la categoría de arte, en sus fotografías llevó a cabo un proceso inverso: humanizar a las estrellas más inaccesibles de su época.  Para ello, Warhol solía retratarlos de manera improvisada y con atuendos sencillos, centrando toda la atención en la expresividad de sus rostros y mirada.

Sus fotografías, convertidas en objetos de culto para los coleccionistas, arrojan luz a una  particular manera de entender el mundo que convirtió al genio de Pittsburgh en un auténtico visionario, tal y como demuestra la profunda huella que ha dejado su legado  en la práctica artística actual

0
Written by admin

Curiosidades sobre José Guerrero.

Curiosidades sobre José Guerrero

José Guerrero se ha consolidado como  uno de los referentes fundamentales  de la pintura contemporánea española. Su trayectoria, tan intensa como personal, nos demuestra la incesante experimentación y  continua evoluciónde  un artista  que, incluso poco tiempo antes de su muerte, siguió creando con la misma entrega, con la que logró alcanzar un  éxito y reconocimiento rotundo en los Estados Unidos.

Su tierra de origen  , su vínculo con Federico García Lorca o su  aventura estadounidense, son solo algunos de los hechos que marcaron  profundamente el devenir  de una trayectoria profesional, íntimamente ligada a sus experiencias vitales. Tras más de seis décadas dedicadas al arte, son incontables los acontecimientos, curiosidades y anécdotas a través de las cuales podemos descubrir la verdadera dimensión artística de José Guerrero

1) Guerrero trabajó en el mismo estudio en el que lo había hecho siglos antes Alonso Cano

Durante su etapa de formación  en su Granada natal, Guerrero pudo disponer de su primer estudioen el mismo lugar dondetres  siglos antes había trabajadouno de sus referentes artísticos de juventud:  el maestro  barroco Alonso Cano. Ubicado en el campanario de la emblemática catedral de Granada, Guerrero  pudo desarrollar su actividad artística a cambio de tañer las campanas cuando así se lo indicaran.

2) “Pepito Guerrero quiere pintar como un pintor muy malo muy malo que se llama Picasso”

Tal  afirmación, fue pronunciada por  uno de sus profesores de la  Escuela de Artes y Oficios de Granada , ridiculizando el trabajo de José  Guerrero y evidenciando el absoluto  rechazo a cualquier expresión de vanguardia que se opusiera  al academicismo imperante. El enfrentamiento entre ambos provocó en Guerreo ciertas dudas en relación al rumbo  que debía tomar  su trayectoria.

José Guerrero y Picasso.

3) “Recuerdo el shock que me produjo la primera exposición de Pollock… Era como ir ardiendo interiormente. Un fuego que me iba estimulando a pintar… Eran obras tan nuevas como jamás había visto yo en Europa. Me van a hacer falta cinco años, para reponerme de este cambio de vida, de ambiente, de arte”.

Tras instalarse en New York junto a su esposa, Guerrero descubrió una nueva forma de entender el arte que cambiaria para siempre el rumbo de su trayectoria. Guerrero manifestó a menudo el profundo impacto que le causaron las obras de Pollock, Rothko, o Motherwell  encontrando en ellos una nueva forma de expresión artísticamás acorde a los nuevos tiempos .

 

   

3)”¡Tira los pinceles al aire y vete!”

Tras la disputa con su profesor, el poeta Federico García Lorca  le dirigió estas palabras a su amigo, recomendándole que abandonara su Andalucía natal para que pudieradesarrollar su arte en plena libertad. De hecho, la relación de Guerrero con Lorca  dejó una profunda huella en el pintor, cuyas monumentales telas de evocaciones lorquianas, encuentran su culmen en la serie  ” La brecha de Viznar” en elque es un claro y sentido  homenaje a su admirado  Lorca.  

5) La exposición junto a Joan Miró en el Arts Club de Chicago significaría el inicio de su éxito en Estados Unidos

En 1954, llegó su primera gran oportunidad. Como el propio pintor  explica “La directora del Ars Club de Chicago vino a Nueva York con la idea de hacer una exposición de dos españoles. Visitó varios estudios y entre ellos el mío”. Guerrero acabaría siendo el escogido para exponer su obra junto a la de Joan Miróen la que  según Guerrero  fue“una de las mayores emociones de mi vida”.  Poco tempo después ya exponía de forma regular en la prestigiosa galería de Betty Parsons, la gran marchante del expresionismo abstracto.

 

6) “No lo puedo remediar, el color está dentro de mí, me pertenece a mí, y aún con los ojos cerrados sigo viendo color”

Guerrero expresó de este modo, la vital  importancia  que concedió al  color en la configuración de su lenguaje plástico, otorgándole un simbolismo muy personal relacionado con sus recuerdos y vivencias. En los últimos años, su protagonismo se hizo  más intenso si cabe, en obras que, como ” Encuentros”, nos sumergen y envuelven en una apoteosis de color dominada por  los vibrantes y enormes campos monocromos, donde las franjas perfectamente definidas  y las formas simplificadas  al extremo, atraviesan y tensan la composición.

Lote: 35244836. JOSÉ GUERRERO (Granada, 1914 – Barcelona, 1991).
"Encuentro", 1989. en subasta el próximo 17 de Junio.
0
Written by admin

Ramón Casas en Setdart

Setdart quiere sumarse a la celebración del 150 aniversario del nacimiento del gran pintor Ramón Casas Carbó (Barcelona, 1866-1932). Uno de los grandes exponentes del modernismo a nivel internacional, desarrolló su carrera artística entre Catalunya y París, donde vivió el auténtico nacimiento de “la bohème” en la capital francesa junto a un nutrido grupo de artistas de todas las artes creando un nuevo “ismo” para la Historia del Arte.

En la parte de exposición de SetdartBarcelona, la central (C/Aragón, 346 de Barcelona) exponemos “Mujer con marabú”, una de las obras más destacadas del pintor, actualmente en subasta.

35155879  (ACCESO DIRECTO A SUBASTA)

CASAS CARBÓ, Ramón (Barcelona, 1866 – 1932)
“Mujer con marabú”
Óleo sobre lienzo

Obra publicada en: Alfonso Alcolea Albero, “Ramon Casas” (Sabadell: Ausa, 1990)

ramon-casas

 

Este retrato de Ramón Casas es una clara representación de su temática más reconocida en el que  la figura femenina es la protagonista; una mujer moderna, manola popular o burguesa barcelonesa, damas jóvenes y elegantes sorprendidas en sus momentos de ocio, leyendo, paseando o mirando al espectador, melancólicas y tentadoras. Todas ellas convertidas en iconos del Modernismo catalán a través de las pinceladas de Ramón Casas.

Su impronta es tal en la Historia del Arte, que la conmemoración del 150 aniversario es de manera internacional desarrollando distintas actividades entre las que Setdart destaca la siguientes;

Exposiciones como la que se inaugura el 10 de Noviembre en el Museu Maricel de Sitges Ramon Casas, la modernitat anhelada. Ésta viajará posteriormente a Caixa Fórum de Madrid y Palma de Mallorca. Hasta el 27 de Noviembre puede visitar en Museu Nacional d’Art de Catalunya , Ramon Casas i les ombres xinesses d’Els Quatre Gats. Bohèmia i imaginari popular. 

Como exposiciones anecdóticas que nos acercan a la figura del pintor de una manera menos conocida destacamos la que se celebra hasta Diciembre en el Museu de la Vida Rural a l’Espluga de Francolí  Per Catalunya en carro. El viatge de Santiago Rusiñol i Ramon Casas y la que se celebrará este otoño en Barcelona en la Casa Rocamora-Fundació Cultural Privada Rocamora, a cargo de “Casas Singulares” y se titula Ramón Casas en familia, donde podremos conocer el entorno más íntimo del artista relacionado con uno de sus mecenas, la familia Rocamora. En el Museo de Montserrat se celebra un círculo de conferencia durante todo el año.

A continuación os dejamos algunos enlaces de interés con más actividades de la celebración;

Inici

http://www.ramoncasas.cat/es/

 

 

Written by admin

Jean-Baptiste-Camille Corot (París, 1796 – 1875). “Souvenir de Mortefontaine”.

Jean-Baptiste-Camille COROT

Lote en subasta:

COROT, Jean-Baptiste-Camille (París, 1796 – 1875).
“Souvenir de Mortefontaine”, 1864.
Boceto a la tinta china sobre papel.
Firmado y fechado en la zona inferior derecha.
Existe certificado emitido por Martin Dieterle y Claire Lebeau (nº reg. 4452).
Medidas: 16 x 21 cm.

 

Esta obra es un boceto de la pintura del mismo título que se conserva en el Museo del Louvre. Se trata de un óleo sobre lienzo pintado en 1864, de 65,5 x 89 cm, actualmente considerado una de las obras maestras de Corot y sin duda una de sus pinturas más poéticas. Este artista se manifestó como el más preclaro representante del tránsito que va del paisaje clásico al realista, manteniéndose al margen de todas las escuelas y constituyendo el fundamento del futuro impresionismo. Rompiendo con los planteamientos animados y fogosos del paisaje romántico, Corot mostró en sus obras de madurez, de las que “Souvenir de Mortefontaine” es un magnífico ejemplo, una nueva forma de abordar el paisaje.

En sus composiciones utiliza una gama tonal restringida –azul para los cielos, ocres y rosas para las arquitecturas, castaños y verdes para la vegetación-, siendo sus más destacados valores la atmósfera plasmada y la dosis precisa de luz que proporciona a la superficie de los volúmenes. Todo ello porque, en palabras del propio autor: “El dibujo es lo primero que hay que buscar. Después, la relación de las formas y los valores. He aquí los puntos de apoyo. Después, el color y, finalmente, la ejecución”. Corot empleaba en su método de trabajo la toma de apuntes del natural, a los que proporcionaba un lirismo especial, tal y como se aprecia en el que aquí presentamos. No podría ser de otro modo si se tiene en cuenta esta confesión del artista: “Mientras busco la imitación concienzuda, no pierdo ni un instante en la emoción… Lo real es una parte del arte, pero el sentimiento lo completa. Si estamos verdaderamente conmovidos, la sinceridad de nuestra emoción se transmitirá a los demás”.

Mortefontaine es un pequeño pueblo en el departamento de Oise, en el norte de Francia, que Corot visitó con frecuencia en la década de los cincuenta para estudiar los efectos de la luz y sus reflejos en el agua. En “Souvenir de Mortefontaine” Corot no reproduce una escena de la vida cotidiana, ni retrata una escena real sino que, como el mismo título sugiere, plasma sus impresiones captadas a lo largo de sus numerosas visitas, protagonizadas por los juegos de la luz al reflejarse en la superficie del lago.

 

 

ACCEDE A LA SUBASTA