Antoni Tapies protagoniza nuestra subasta del próximo día 16 de noviembre con uno de los inconfundibles dibujos que realizó durante su adscripción al icónico grupo vanguardista, Dau al Set. Las escasas ocasiones en las que la vertiente más surrealista de Tàpies irrumpe en el mercado del arte, convierten las obras de esta etapa en una de las más apreciadas y buscadas del artista en el sector.
Durante los próximos días se subasta en nuestro portal web una colección especial de dibujos Joan Miró. La subasta se inicia el día 25 de Julio y finaliza el 3 de Agosto.
Miró es una de las grandes figuras del arte del siglo XX a nivel internacional, y desarrolló un personal lenguaje cercano al surrealismo que influyó poderosamente tanto en sus contemporáneos como en las generaciones siguientes.
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Los dibujos de Miró muestran con una especial claridad la esencia de su lenguaje, su búsqueda de la esencia donde las formas orgánicas se reducen a puntos, líneas y manchas de color. De hecho, cuando en los años treinta se convierte en un artista de reconocimiento internacional es, precisamente, cuando Miró, inconformista por naturaleza, entra en una fase que denominó de “asesinato de la pintura”, en la que renuncia voluntariamente a ser pintor y experimenta con otros medios, como el collage, el dibujo sobre papeles de diferentes texturas o la construcción de “objetos” con elementos encontrados, su primer acercamiento a la escultura. Así, aunque pronto retomó la práctica de la pintura Miró ya nunca abandonará su deseo de experimentación con todo tipo de materiales y técnicas, entre ellas la cerámica, el bronce, la piedra, las técnicas gráficas e incluso, desde 1970, el tapiz.
Setdart ofrece al público una oportunidad única para acercarse de primera mano a este Miró experimentador, inquieto y libre de los dibujos, con una magnífica selección de piezas que se subastarán entre los días 25 de julio y 3 de agosto. Se trata de diez dibujos realizados en 1972, 1976 y 1977 en distintas técnicas, como la tinta china, el grafito, el pastel o las ceras, en soportes también variados que van desde el papel Japón al reverso de un naipe. De hecho, el soporte fue prácticamente una obsesión para Miró; pintó en lienzos irregulares, dibujó sobre envoltorios o cajas de cartón, buscando precisamente esta expresividad que aporta el material por sí mismo.
Todos estos dibujos, de calidad museística, aparecen referenciados y reproducidos en el catálogo razonado de los dibujos de Miró, realizado por Jacques Dupin.
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Nicolas Rico (Santiago de Chile, 1979) es un flaneur con costumbres peculiares. Deambula las calles para “auscultar la ciudad”, sobre todo a través de las tapas de alcantarillado. Ha desarrollado una técnica propia de grabado y dibujo con tinta china para extraer diferentes impresiones del tejido urbano, al tiempo que como viajero empedernido propone mestizajes curiosos entre símbolos culturales y legados iconográficos.
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Podemos encontrar en subasta en los próximos días el siguiente lote;
A partir de hoy ya pueden pujar ¡Mucha suerte en sus pujas!
Joan Miró fue una de las grandes figuras del arte del siglo XX a nivel internacional, y desarrolló un personal lenguaje cercano al surrealismo que influyó poderosamente tanto en sus contemporáneos como en las generaciones siguientes. Se formó en Barcelona, primero en la Escuela de la Lonja y posteriormente en la Academia Galí, de espíritu más renovador. En esa escuela y en el Cercle Artístic de Sant Lluc, también en Barcelona, el joven Miró conocerá a algunos de sus grandes amigos, como el crítico Sebastià Gasch, el poeta J.V. Foix, el pintor Josep Llorens Artigas o el promotor artístico Joan Prats. Así, desde sus años de formación se relacionó directamente con los círculos más vanguardistas de Barcelona, y ya en la temprana fecha de 1918 realiza su primera exposición, en las Galerías Dalmau de Barcelona.
En 1920 se traslada a París y se encuentra con Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Estos serían los años cruciales de su carrera artística, en los que Miró descubrirá su lenguaje personal. En París entabló amistad con André Masson, en torno a quien se agrupaba el denominado grupo de la Rue Blomet, futuro núcleo del surrealismo. Así, bajo la influencia de los poetas y pintores surrealistas, con quienes compartía muchos de sus planteamientos teóricos, va madurando su estilo; trata de trasponer a lo visual la poesía surrealista, basándose en la memoria, la fantasía y lo irracional. Desde este momento su estilo inicia una evolución que le lleva a obras más etéreas, en las que las formas y las figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y manchas de color abstractos. En 1924 firma el primer manifiesto surrealista, aunque la evolución de su obra, demasiado compleja, no permite adscribirle a ninguna ortodoxia determinada. Su tercera exposición en París, en 1928, supone su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquiere dos obras suyas.
A partir de los años treinta Miró se consagra como una de las figuras más destacadas del panorama artístico internacional, así como uno de los creadores clave del siglo XX. Precisamente en ese momento el artista, inconformista por naturaleza, entra en una fase que denominó de “asesinato de la pintura”, en la que renuncia voluntariamente a ser pintor y experimenta con otros medios, como el collage, el dibujo sobre papeles de diferentes texturas o la construcción de “objetos” con elementos encontrados, su primer acercamiento a la escultura. Así, aunque pronto retomó la práctica de la pintura, Miró ya nunca abandonará su deseo de experimentación con todo tipo de materiales y técnicas, entre ellas la cerámica, el bronce, la piedra, las técnicas gráficas e incluso, desde 1970, el tapiz.
Regresa a España en 1941, y ese mismo año el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica una retrospectiva que supondrá su definitiva consagración internacional. Durante la década de los cincuenta experimentó con otros medios artísticos, como el grabado, la litografía y la cerámica. Desde 1956 y hasta su muerte, en 1983, reside en Palma de Mallorca en una suerte de exilio interior, mientras crece su fama internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos premios, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia de 1954 y de la Fundación Guggenheim en 1959, el Carnegie de Pintura en 1966, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña (1978) y de las Bellas Artes (1980), y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona.
En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, inaugurada en 1975, así como en los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo, como el Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París o la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.
Este conjunto de dibujos a carboncillo y tinta, realizados por ambas caras del papel, ilustra la maestría del trazo del genial Picasso, su capacidad de captar no sólo formas y volúmenes sino también expresiones y espacios con tan sólo unos pocos trazos. Pero, además, funciona como una ventana a la mente del artista; estos esbozos rápidos, mitad imaginarios mitad tomados del natural, nos hablan de las inquietudes e intereses plásticos de Picasso, de su reflexión sobre la línea, de su interés por el desnudo femenino y por las escenas del pasado, de su forma de estudiar el cuerpo y el rostro humanos. Especialmente expresiva es la figura femenina esbozada en el ángulo superior derecho de uno de los lados del papel. Mientras que en el dibujo a tinta vemos una línea fina y sinuosa, casi caligráfica, en este boceto al carboncillo el trazo adquiere agresividad, intensidad cromática y profundidad, independizándose prácticamente de la forma, como una evidencia de la libertad creativa de un artista que, en dibujos como este, realizados de forma rápida, se muestra más pura que en ninguna otra obra.
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto con Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúa en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga, donde su padre era profesor de dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña, y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Aunque el de la escuela es un estilo totalmente académico, el pintor pronto entra en contacto con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. Tan sólo dos años después, en 1897, Picasso realiza su primera muestra individual, en el café “Els Quatre Gats”. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento.
La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Se interesa entonces por Cézanne, y partiendo de su ejemplo va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que ocurre con Goya, a Picasso también le influye en gran medida la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, frecuentemente tumultuosas, van a afectar seriamente a su obra. Sin embargo, lo que mayor impacto tuvo en Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas.
Picasso está representado en los museos más importantes de todo el mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.
Antoni Clavé es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, Clavé se dedica en un primer periodo al grafismo publicitario, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 toma parte activa en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse a Francia al terminar la contienda. Este mismo año de 1939 expone los dibujos que realizó en los campos de batalla.
Se instala en París, donde conoció a Vuillard, Bonnard y Picasso. A partir de esta época, Clavé empieza a desarrollar una obra marcada por una plástica distinta, menos clásica. Durante este periodo sus figuras fueron perdiendo precisión y forma, dando paso al trazo y a una personal gama de colores y texturas que protagonizarán desde entonces sus obras. Gozaba ya de un gran prestigio internacional en el momento en que se inicia su reconocimiento en España, a partir de su exposición en la sala Gaspar de Barcelona, en 1956. En la década de los sesenta realizó un homenaje al Greco, y su pintura de este momento revela las influencias recibidas de dicho maestro, así como de los pintores del barroco. Toma especial relevancia la temática del caballero de la mano en el pecho, referente que se repetirá en las obras futuras de Clavé. Este periodo se caracteriza por el paso definitivo a la abstracción.
En los años setenta continúa la evolución en la obra de Clavé, utilizando técnicas diversas como el collage, e inventando nuevas como el “papier froissé”, fruto de una casualidad en el uso del aerosol sobre papeles arrugados. En 1978, el Museo Nacional de Arte Moderno de París, actual Centro Georges Pompidou, le dedicó una retrospectiva que le convirtió en uno de los artistas de más prestigio de su generación. Sus últimas obras se caracterizan por la recreación de texturas dentro de la abstracción, con una profusa utilización del “papier froissé”.
Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia de 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio de 1957. En 1984 el Estado Español reconoció su valía artística con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña. La obra de Clavé se encuentra, entre muchos otros, en los museos de Bellas Artes de Bilbao, Tate Gallery, de Arte Moderno de París y Tokio, el British Museum y en el Reina Sofía de Madrid.