Written by Andrea Domenech

Simbolismo oriental: sencillez y elegancia

Simbolismo oriental: sencillez y elegancia

Setdart presenta una completa subasta con una gran variedad de lotes orientales. China, Japón, Camboya, Tailandia o Laos están entre los lugares representados, con importantes piezas que repasamos a continuación.

Lotes expuestos en Setdart Madrid
Lotes expuestos en Setdart Madrid

Parece que cuando se presenta una subaste de arte oriental, la cultura china ha de ser la que más obra aporte debido, en parte, a su ingente éxito desde hace siglos en Europa y Estados Unidos. De un tiempo a esta parte, sin embargo, el arte del sudeste asiático ha conseguido abrirse un hueco en el mercado internacional, con remates millonarios, por ejemplo, dentro de la Dinastía Jemer, citando algunos de los territorios que orbitan alrededor del gigante chino.

En Setdart también hemos querido hacernos eco de esta pluralidad, atendiendo toda la demanda que occidente requiere de oriente, como siglos atrás, por lo que vamos a realizar un breve recorrido de algunas de los lotes de mayor calado que saldrán a subasta el mes que viene.

China es, como no podría ser de otra manera, el gran protagonista, esta vez con piezas en cloisonné y porcelana que van desde el periodo Wanli hasta el periodo Tongzhi, ya en el siglo XIX.

Lote 35246182. Pequeña taza de la Dinastía Ming. China, 1573-1620

Comenzamos cronológicamente con el lote 35246182, pieza del periodo Wanli, notable tanto por la procedencia, pues cuenta con etiqueta de John Sparks, uno de los más importantes comerciantes de arte oriental en Inglaterra en el siglo XX, como por su técnica, conocida como trabajo del diablo o ling long (exquisito en mandarín). Esto es debido a la grandísima habilidad que requería por parte del artífice, tanto el cortar la pasta como su cocción posterior, para crear la intrincada retícula que podemos hoy contemplar por todo el depósito.

Lote 35310166 expuesto en Setdart Madrid
Lote 35310167 expuesto en Setdart Madrid

Avanzando hacia el periodo Qianlong topamos con los lotes 35310166 y 35310167, dos importantes piezas realizadas en esmalte cloisonné. Sobre una base de bronce, los esmaltes en polvo, que tras la cocción y su fundición darán colorido a la superficie, quedan separados por filetes metálicos conformando celdas. Finalmente, todo se lija y pule para dar homogeneidad a la obra, dorándose con posterioridad los filetes. Lo relevante de la pareja de jarrones es, precisamente, que hayan llegado hasta nosotros sin haber sido separados a lo largo del tiempo, práctica habitual producto de los infortunios del tiempo. Además, cuenta con una representación cargada de simbolismo, como es la de shou dai niao o pájaro con banda de seda, un juego de palabras habitual en la cultura china, pues shou dai vendría a significar algo así como banda de seda, mientras que shou significa, a su vez, longevidad. Además, cuando se combina con narcisos o shou xian, funciona a modo de pictograma, pues es una manera de desear longevidad y plena vida a toda una generación de una misma familia. Si hablamos del loto la cosa se complica aún más, pues cuenta con multitud de significados, nuevamente, como consecuencia de complejos juegos de palabras. En este caso, tanto en la pareja de jarrones como en el incensario, la flor de loto, símbolo de belleza y pureza, pues nace del lodo y sale a la superficie, aparece acompañada de zarcillos y semillas o lian zi; zi significada, a su vez, hijos, de manera que su representación torna en deseo para su poseedor de tener múltiples descendientes.

Lote 35310170. Jarrón; China, Dinastía Qing, Periodo Tongzhi, 1862- 1874.

Continuamos hacia el siglo XIX y otra de las piezas más relevante de la subasta aflora: el lote 35310170. Su interés radica en el vistoso esmalte que domina el fondo de la pieza, conocido como powder blue. Originado en el siglo XV, durante el periodo Kangxi fue imitado, buscando un efecto similar soplando el polvo de azul cobalto sobre la superficie sin cocer, vidriándose posteriormente. La decoración está realizada con polvo de oro, representándose dragones, símbolo imperial, buscando la perla de la sabiduría, entre nubes ruyi y hongos lingzhi, los cuales, cuando aparecen juntos, simbolizan el deseo de conseguir la inmortalidad. Todo esto parece cobrar más sentido cuando vemos la inscripción en la base del jarrón y descubrimos que la porcelana fue concebida como regalo al patriarca de la familia.

Lote 35358681. Figuras de Basara Taisho y Sanchira Taisho. Japón, periodo Edo, siglos XVII-XVIII

Abandonamos, ahora sí, China y nos dirigimos hacia el este, a Japón, en busca del lote 35358681, una pareja de impresionantes esculturas en madera de los siglos XVII-XVIII, todavía con parte de la policromía original. Representan a Basara Taisho y a Sanchira Taisho, dos de los doce generales protectores de Bhaisajyaguru, el buda de la medicina. Esta guardia no es más que yakshas o espíritus de la naturaleza que se consagraron al doctor tras escuchar uno de sus sutras.

Finalmente, dirigiéndonos al sur, llegamos a Laos, Tailandia y Camboya, con los lotes 35358688, 35358652 y 35358437, respectivamente. Aquí cabe destacar la escultura de Buda de la cultura Jemer, fechable en el siglo XIII d. C. Realizada en piedra arenisca, material en que suelen estar talladas este tipo de piezas, supone una importante adhesión al catálogo de la subasta pues, como veníamos comentando, están consiguiendo importantes remates y suponen una interesante inversión de cara al futuro.

Lote 35358688. Pareja de maquetas de pagodas de Laos con 2 budas del reino de Lan Na, s. XIX
Lote 35358652. Dos fragmentos de Ushnisha, Rattanakosin. Tailandia, s. XIX.
Lote 35358437. Buda. Cultura Khmer, s. XII d.C.

Son muchos los lotes que nos dejamos en el tintero, pues estamos ante una subasta con importantes obras que consideramos cubren con nota gran parte del espectro geográfico del territorio oriental, siendo difícil tratar todas con la profundidad que se merecen. No obstante, estamos seguros de que cosecharán un buen resultado, ya que cuenta con una amplia gama de piezas para los diferentes tipos de coleccionista, abarcando un buen repertorio.

External references to Roman urns

Prado Museum

Wikipedia

Cerámica Talavera
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Macetero de escenas azules. Talavera, siglo XVIII.

Cerámica Talavera

Lote en subasta:

Gran macetero de la serie de las escenas azules; Talavera, siglo XVIII.
Cerámica esmaltada.
Medidas: 57 x 54 x 54 cm.

Macetero de cerámica decorada con esmalte azul cobalto pincelado sobre un engobe blanco de estaño. Combina motivos heráldicos, de arquitectura en paisaje y detalles vegetales, y pertenece a la llamada serie azul o de las escenas azules, desarrollada en Talavera en el siglo XVIII. Presenta los mismos temas que la serie polícroma (“istoriato”), pero únicamente en azul, a modo de “camaïeu”. Las de esta serie son piezas de gran tamaño, la mayoría de ellas piezas votivas, y en el caso de las que presentan motivos heráldicos muestran además esmaltes y engobes de alta calidad, dado que son realizadas por encargo.

Se trata de una serie totalmente innovadora dentro del siglo XVIII: se deja atrás la tradicional policromía para abrazar el nuevo estilo moderno azul y blanco, fruto de la influencia oriental que llega a través de Francia y de Delft. Por otro lado, sería la asimilación española del “istoriato” italiano, es decir, piezas decoradas con escenas pictoricistas, en muchas ocasiones figurativas, pinceladas con gran detalle. No obstante, suele presentar temas típicamente españoles, como las escenas de montería, de caballos y de toros. Además, como aquí vemos en el caballo rampante, los motivos se inscriben entre dos altos motivos vegetales (aquí árboles), siguiendo una composición tradicional de Talavera.

 

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Crátera de campana; Apulia, Magna Grecia, hacia 350 a.C. Lote 34003405

LOTE EN SUBASTA

Crátera de campana; Apulia, Magna Grecia, hacia 350 a.C.
Cerámica de figuras rojas.
Adjunta análisis de termoluminiscencia.
Procede de una antigua colección catalana.
Medidas: 25 x 27 cm.

Crátera de campana de figuras rojas, con decoraciones figurativas acompañadas de grandes roleos vegetales y cenefas, la inferior con grecas y la superior en forma de cordón. Los motivos figurativos presentan un gran detallismo, y algunos elementos punteados con pigmento blanco.
La cerámica de figuras rojas fue uno de los más importantes estilos figurativos de la cerámica griega. Se desarrolló en Atenas hacia el año 530 a.C., y fue utilizado hasta el siglo III a.C. Reemplazó al estilo previo predominante de la cerámica de figuras negras al cabo de unas décadas. La base técnica era la misma en ambos casos, pero en las figuras rojas se invierte el colorido, quedando las figuras resaltadas sobre un fondo oscuro, como si estuvieran iluminadas por una luz teatral, siguiendo un esquema más natural. Los pintores que trabajaban las figuras negras se veían forzados a mantener los motivos bien separados unos de otros y a limitar la complejidad de la ilustración. En cambio, la técnica de figuras rojas permitió una mayor libertad. Cada figura se silueteaba contra un fondo negro, permitiendo que los pintores retrataran los detalles anatómicos con más exactitud y variedad.
La técnica consistía en pintar los motivos sobre la pieza aún húmeda, utilizando un barniz transparente que, al cocerlo, adquiría una intensa tonalidad negra. Por lo tanto, los motivos eran invisibles antes de la cocción, debido a lo cual los pintores tenían que trabajar completamente de memoria, sin poder ver su trabajo previo. Una vez cocida la pieza, las zonas sin cubrir por el barniz permanecían con el tono rojizo de la arcilla, mientras que las vidriadas, las “pintadas”, adoptaban un color negro denso y brillante.

 

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Plato en cerámica de reflejo metálico. Manises, finales del siglo XVI. Lote 34002733

LOTE EN SUBASTA

LOTE EN SUBASTA

Importante plato; Manises, finales del siglo XVI.
Cerámica de reflejo metálico.
Con roturas restauradas. Presenta desperfectos.
Medidas: 48,5 cm de diámetro.

Plato levantino de extraordinario tamaño, realizado en cerámica y decorado con la técnica del reflejo metálico, que se combina con relieves y detalles en esmalte azul de cobalto. Presenta un tetón central resaltado, con gallones oblicuos, decorado en su centro con la figura de un ave esmaltada. Las molduras que separan el caveto del alero y que remarcan el perímetro de este último están también realizadas en relieve, a molde. El plato presenta una tupida decoración vegetal sintetizada, a base de pinos y palmetas alternados, y sobre fondo azul presenta decoraciones pesudoepigráficas que imitan la caligrafía árabe. En el exterior está también decorado con reflejo metálico: un motivo avenerado sintetizado en el centro, y dos bandas de hojas serradas.
La cerámica de reflejo metálico será el gran arte del periodo nazarí, si bien nace en la España de época almohade, entre la segunda mitad del siglo XII y la primera del XIII. Es una técnica de origen persa, encontrándose los primeros documentos referentes a ella en el año 1066, si bien no nos han llegado ejemplos anteriores al siglo XII. En épocas posteriores tendrá especial desarrollo en Manises, donde se continuará la tradición hispanomusulmana tanto en el aspecto técnico como en el decorativo.
Se trata de una cerámica esmaltada, es decir, con un baño de esmalte blanco, muy puro en los mejores ejemplos, que se cuece en el horno. Sobre él, ya frío, se decora con un pigmento compuesto por cinco ingredientes básicos: cobre, plata, azufre, almazarrón (óxido de hierro) y vinagre. El tono final dependerá de la proporción de estos componentes, resultando más dorado si lleva una mayor cantidad de plata, y más rojizo si predomina el cobre. Finalmente se realiza una segunda cocción de la pieza, a 650ºC, en atmósfera reductora, para fijar la decoración. Una vez cocida la pieza, la decoración queda de color negro, por lo que se ha de bruñir para obtener el tono dorado metálico brillante final.
Durante el periodo nazarí, entre los siglos XIII y XV, en las piezas de reflejo metálico veremos todo el repertorio ornamental de la cerámica hispanomusulmana: mano de Fátima, “ohm”, nudo, ataurique, epigrafía, motivos vegetales, escamas, decoraciones imbricadas, etc., siempre con composiciones que llenan todo el espacio, con un cierto carácter de “horror vacui”. Como vemos en esta pieza, en los siglos siguientes el estilo continuará ya en territorio cristiano, manteniéndose las composiciones densas y los motivos lineales, vegetales y geométricos, si bien se añadirán elementos figurativos que no existían en el arte islámico, como es el caso del pájaro que aquí ocupa el centro del asiento.

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LA CERÁMICA CATALANA EN ÉPOCA MODERNA

Setdart Subastas de Arte y<br /><br /><br />Antiguedades
Este tipo de piezas siempre se ha visto acompañado de una voluntad embellecedora ligada a la capacidad artística del hombre y al uso de símbolos de representación. La manufactura de cerámica en Cataluña a partir del siglo XVII introdujo cambios signifi
cativos en la manera de representar los diversos temas y en su manufactura, siendo Barcelona y Reus los centros de referencia. Desde finales del siglo XVI, la cerámica italiana que llegaba al puerto de Barcelona fue introduciendo nuevos modelos de influencia renacentista, así como los típicos motivos de la cerámica holandesa de corte militar.
Durante el siglo XVII encontramos remanentes de la influyente cultura musulmana en el caso delas cerámicas esmaltadas en verde y manganeso conocidas como de la “ditada”, llamada así por las decoraciones de gran grosor a base de bandas paralelas en la orla, realizadas como si se hubieran decorado con el dedo y no a pincel y presentado motivos vegetales.