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Las obras vibrantes de Eli Salvans

Pintora autodidacta, Eli Salvans ha ido encontrando su propio lenguaje plástico haciendo confluir en su búsqueda su fascinación con las soluciones formales del futurismo italiano, su interés por dar un tratamiento escultórico al plano bidimensional, y su pasión por la historia del arte, a la que recurre para rescatar iconografías vinculadas a los ciclos vitales, simbolismos asociados a temas universales (la violencia, el dolor, la vida y la muerte)… Atlantes, caballos, sirenas, narcisos y espejismos abundan en sus composiciones… para hablarnos de la soledad, el dolor, las fuerzas de la naturaleza, la belleza que se esfuma y el olvido de nuestros orígenes.

Este mes de Noviembre en subasta una de sus obras más recientes;

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SALVANS, Eli (Sabadell, 1963).
“Reflexe”.
Oleo sobre tela.
Medidas: 160 x 73 cm.

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Acepta pujas desde hoy así que ¡SUERTE!
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Las obras sin intervención humana de Tamara Zaitseva

Los estudios de biología están en la base de la obra abstracta de Tamara Zaitseva, inspirando su modo de plasmar la transformación de la materia en el proceso de creación, la relación del micro y el macrocosmos… De ello nos habla en este video, así como de su otra vertiente creativa, a base de fotografías intervenidas que parten de su habitar el espacio de la antigua fábrica de la Escocesa, hoy centro de arte. Vivencia, observación y sueño devienen inextricables.
Veámosla:

En subasta podemos encontrar este mes de Noviembre una de sus obras más actuales;

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(ACCESO DIRECTO A SUBASTA)

ZAITSEVA, Tamara (Yalta, Crimea, 1970).
“Sobrevolando Rusia”.
Pintura preparada e hilo sobre tela.
Medidas: 80 x 114 cm.

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En SETDART el “Homenaje al ocio” de Julio Arriaga.

“Hacer del arte algo popular”, así lo expresa y así vive Julio Arriaga su relación con la pintura: tanto en la toma de referentes extra-artísticos (el cómic, la televisión, la música, el folclore local….) como por su enfoque salpicado de humor, así como por la interacción que propicia con el público. Sobre ello y su “oda al ocio” nos habla en este video:

En subasta este mes de Octubre una de sus obras más recientes;

Lote: 35178178ARRIAGA, Julio (Bilbao, 1974).
“Futbolístico plan para una tarde otoñal”.2013.
Técnica mixta sobre lienzo.
Medidas: 100 x 81 cm.

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Les esperamos cada tarde en nuestra subasta diaria. ¡Suerte en sus pujas!

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La luz de Diva en Setdart

La belleza y la luz son dos conceptos clave en la obra de Diva, una artista versátil y libre como su arte, en el que fusiona un trabajo fotográfico de tratamiento texturado, de calidades casi pictóricas, con una labor preciosista de collage usando cristales Swarovski de modo singular. La mitología, la naturaleza, la fantasía y el claroscuro como esencia vital son temas que se barajan en su mente inquieta. De todo ello nos habla en este video.

 

Para más datos  biográficos podéis acceder AQUÍ

 

Hasta el 20 de Octubre podemos encontrar en subasta una de sus obras más recientes y personal de Diva.

¡Les esperamos en Setdart.com y suerte en sus pujas!

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Conoce Setdart

Después de más de 10 años de experiencia en el mundo del arte y el lujo, Setdart se ha convertido en la subasta online líder en España creando a la vez que evolucionando diferentes canales de negocio liderados por profesionales y un equipo de trabajo joven y emprendedor. Por estos motivos, y tras afianzarnos en el mundo del arte y el lujo, este es el momento de mostrar Setdart; qué hacemos, qué ofrecemos y quienes forman Setdart.

 

 

 

 

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El caos generador de vida por Vanesa Muñoz en SETDART

La escultura de Vanesa Muñoz plantea interrogantes sobre nuestro modo de percibir la realidad y nuestro lugar en el mundo. La filosofía y la física cuántica le proporcionan los conceptos que ella traslada al sentir cotidiano: “tratar la vida como un pozo de incertidumbre, el caos generador de vida, el impacto del observador en la captación de la realidad, el anhelo de pertenencia…” Para plasmar en piezas tridimensionales esas inquietudes se sirve de metales y maderas, optando por el material según aquello que quiera transmitir: trasvases de energía, juegos ópticos, calidez orgánica… Los invitamos a escucharla:

     En ESTA ENTRADA de nuesto blog podréis encontrar más datos sobre la artista;

En Setdart.com podemos encontrar en subasta una de sus piezas más recientes;

Lote: 35124820

MUÑOZ MOLINERO, Vanesa (Madrid ,1979).
“Caos vs Orden”.2016.
Madera tallada policromada. Sapeli, varillas de pino, hierro y fluor.

 

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Guilhem Senges; constructor de imágenes.

Fue en Canadá donde Guilhem Senges empezó a interesarse por la fotografía, “encerrándose en el laboratorio para aligerar las largas noches de invierno”. Anteriormente se había dedicado a la escultura de reciclaje, y a partir de entonces combinará ambas disciplinas, definiéndose como “constructor de imágenes”. Experimentador nato, de regreso a Francia descubrirá la magia de la fotografía nocturna y la estenopeica con cámaras que realizaba él mismo con todo tipo de objetos, hasta transformar su propia furgoneta en cámara oscura. Nos habla también de su último proyecto, dedicado a los peces voladores, los “exocet”.

En el siguiente link podréis encontrar datos biográficos completos (LINK DIRECTO AQUÍ)

El equipo de Setdart le entrevista esta semana para saber más sobre este artsita y su obra;

 

 

 

En subasta hasta el 08 de Septiembre parte de su nueva obra.

ACCESO DIRECTO A SUBASTA

LOTE: 35065371

SENGES, Guilhem (Orléans, Francia, 1973).
“Exocet 2”, 2016.
Impresión digital sobre papel fine art Hannehmule sobre dibond a partir de estenopeica gran formato.

 

senges

 

Hasta el 08 de Septiembre tenéis la oportunidad de pujar por esta pieza parte del nuevo proyecto de Senges. ¡Suerte en sus pujas!

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La imagen del recuerdo por Canen García.

En la obra de Canen García (Colombia 1975) se mezclan evocaciones de infancia en su Colombia natal con las reiteradas visitas que sigue dedicando a esas tierras de donde extrae unas luces, unos colores, unos oficios condenados a desaparecer…, unas personas (pescadores, campesinos, vendedores de mazorca…) cuyos rostros acaban abstrayéndose hasta devenir iconos de un tiempo, de un lugar en la memoria, la suya y la compartida. El resultado son composiciones que simulan vitrales, tracerías, bellos craquelados que descomponen y recomponen la imagen del recuerdo.

En el siguiente link (ACCESO DIRECTO AQUÍ) podréis encontrar datos completos biográficos.

Como todas las semanas Setdart es invitado a entrar del taller de unos de los artistas con más proyección en la actualidad para hablar con él sobre su inspiración e inquietudes.

Setdart presenta en subasta parte de su obra.

 

 

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GARCÍA, Canen (Colombia, 1975).
“La vecina”,2014. (LINK DIRECTO A SUBASTA)

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¡Suerte en sus pujas!

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El proyecto pictórico y muralista que Jupiterfab

From black and white to color in the city es el proyecto pictórico y muralista que Jupiterfab viene llevando a cabo en paralelo a sus proyectos sociales, con los que colabora con comunidades marginales de distintos países. Con técnica hiperreal “inmortalizo momentos comunes de la vida en las calles”, “subrayo la expresión, los sentimientos que se ocultan tras las máscaras”, nos dice, y en esos rostros resueltos con trazo severo y honda captación nos reconocemos, nos vemos interpelados por el otro anónimo, por su modo de actuar, como espejo del nuestro propio. De todo ello nos habla en el siguiente video:

En Setdart podemos encontrar en subasta una muestra del proyecto que Jupiterfab esta desarrollando en la acutalidad.

 

Lote: 35035026

JUPITERFAB (Italia, 1979).
“One day”,2013.
Acrílico sobre lienzo.  (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

jupiterlab

 

A partir de hoy ya pueden realizar sus pujas. ¡Suerte!

 

 

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Nicolas Rico y sus particulares retratos de ciudades.

Nicolas Rico (Santiago de Chile, 1979) es un flaneur con costumbres peculiares. Deambula las calles para “auscultar la ciudad”, sobre todo a través de las tapas de alcantarillado. Ha desarrollado una técnica propia de grabado y dibujo con tinta china para extraer diferentes impresiones del tejido urbano, al tiempo que como viajero empedernido propone mestizajes curiosos entre símbolos culturales y legados iconográficos.

ENLACE DIRECTO AQUI para acceder a más información y datos biográficos.

 

Podemos encontrar en subasta en los próximos días el siguiente lote;

 

LOTE: 35008458

RICO, Nicolas (Santiago de Chile, 1979).
“Ajuntament de Barcelona, Clavegueram”, 2010.
Grafito, dibujo y frottage sobre papel.

rico

 

A partir de hoy ya pueden pujar ¡Mucha suerte en sus pujas!

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“Me exalta lo nuevo y me enamora lo viejo” Ramon Pons.

Ramon Pons (Sant Vicenç de Torelló, 1967)  identifica su trabajo escultórico y su visión del arte con aquella máxima de J.V. Foix, “me encanta lo nuevo y me enamora lo viejo”, según la cual no hay fractura sino continuidad entre el presente y el pasado, un pasado que le sirve de espuela para atender a la buena técnica al tiempo que la justifica con contenidos reactualizados, reflexivos, “introduciendo la queja en la belleza”, como nos explica en la siguiente entrevista.

En el siguiente link podemo encontrar más datos sobre su biografía.
https://blog.setdart.com/ramon-pons-casadevall-personajes-cotidianos-heroes-desmitificados/
También podemos encontrar en subasta  hasta el 28 de Julio esta escultura que forma parte del nuevo proyecto artístico que está desarrollando en la actualidad.

LOTE: 35095785 (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

¡Suerte en sus pujas Setdart adictos!
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El “Topographic fine art” como denuncia social. Stefanie Herr

Stefanie Herr (Alemania, 1974) recibe a Setdart en su estudio para explicarnos el transfondo de su obra basada en el “Topographic fine art“, del que es pionera, y el relieve fotográfico en sus piezas únicas. Stefanie Herr es licenciada en Arquitectura Superior por la Technische Universität Berlín. Afincada en Barcelona desde 2002, inicia su carrera profesional como arquitecta en los estudios de Alfredo Arribas y Juli Capella. A mediados del 2007 decide entregarse a la creación artística.

 

Sus obras se caracterizan por ser un reflejo del mundo actual, a partir de fotografías reinterpreta datos reales del mercado de valores, como es el caso de su nuevo proyecto, en el que el escultor es el propio mercado ya que trabaja según las fluctuaciones diarias de la bolsa, siendo así una incógnita hasta la última pieza.

Otro de los proyectos por los que más se la reconoce es su manera de interpretar las bandejas de comida típicas de las grandes superficies. En esta hace una denuncia de como la sociedad actual se dirige hacia la mercantilización del mundo tal y como lo conocemos actualmente. Un alto en el camino en el que la artista nos invita a reflexionar hacia donde vamos, para Herr éstas simbolizan una miniatura de como vemos a los animales y la naturaleza bajo el control del ser humano.

 

LOTE  35124770 (ENLACE DIRECTO)

HERR, Stefanie (Alemania, 1974).
Alcampo · Grassy Patch (2012)
Relieve fotografico, pieza única, cortada y ensamblada a mano.
Impresión tintas pigmentadas sobre Hahnemühle Photo Rag Pearl, cartón de conservación 2mm, adhesivos.

polloEscribe Elina Norandi, comisaria, crítica de arte y profesora de Historia del Arte, sobre la obra de Stefanie Herr: “original propuesta técnica y de hibridización de medios artísticos que la dotan de gran fuerza visual, al tiempo que elabora un discurso donde se cuestionan y subvierten géneros tradicionales de nuestra historia del arte como la naturaleza muerta o el desnudo, para proponernos una interesante reflexión crítica sobre la sociedad de consumo y la mercantilización de los cuerpos”.

En subasta hasta el 20 de Julio. ¡Hagan sus pujas!

 

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La influencia de Morales “El Divino” en Setdart

Setdart continúa con su propósito de promover y acercar el arte con las propuestas semanales de las exposiciones, eventos e iniciativas culturales más atractivas y actuales. 

Con motivo de la puesta en subasta de esta impresionantes obra

LOTE: 35134874;  (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

Escuela italiana o española de mediados del siglo XVI.
“Cristo cargando con la cruz”, 1550.
Óleo sobre tabla.

divino setdart

Titulada Cristo cargando la cruz, podemos apreciar en cuanto a la expresión, como ésta se podría relacionar con obras italianas como la de Sebastiano del Piombo  y, sobre todo, con obras como las de Morales , pintor apodado “El Divino”.

Por este motivo hoy proponemos la recién estrenada exposición de El Divino Morales en el Museu Nacional d´Art de Catalunya (Barcelona). Desde Setdart celebramos el retorno de las exposiciones de pintura de alta época a nuestros museos más representativos, puesto que el arte del período comprendido entre el siglo XIV y XVI a nivel europeo ha sido considerado en el mundo del arte como una revolución que dejaba atrás el arte del medievo. Esta exposición se plantea como una reivindicación de la obra del pintor Luis de Morales, más conocido como El Divino, llamado así porque, como escribió Antonio Palomino ya en el siglo XVIII “todo lo que pintó fueron cosas sagradas”.

La exposición recoge más de 50 obras procedentes de distintos museos, colecciones privadas e instituciones religiosas. Dichas obras se podrán disfrutar desde el 17 de Junio hasta el 25 de Septiembre en el MNAC

 

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Uno de los apartados más destacados en la exposición es el titulado Pintura para “muy cerca”. Imágenes de pasión y redención, aquí se destaca la atención del artista en la temática religiosa de la Pasión de Cristo, en su sufrimiento físico y espiritual.  Centrándose mayormente en la cabeza o el busto de Jesús, representado con una exactitud y un carácter táctil que aproximan a lo escultórico y por lo que el pintor fue célebre.

Su precisión en plasmar el sufrimiento y el dolor de manera naturalista inspiró a artistas contemporáneos pertenecientes a las diferentes escuelas europeas del siglo XVI, como se puede apreciar en esta obra de la que disponemos en subasta hasta el 06 de Julio.

Para conocer más información de la obra pueden consultar el lote en nuestra web o llamar las diferentes salas de Setdart Subastas en Barcelona y Madrid.

 

 

 

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Del taller a Setdart con el pintor Costa Vila.

Setdart se adentra en el taller del pintor Josep Costa Vila donde charlamos relajadamente con este artista catalán y en el que nos cuenta sus vivencias, viajes y en el que entendemos su razón de ser y de crear su personal arte. Costa Vila tiene un espírititu cosmopolita que se ve reflejado en todos sus cuadros en los que retrata de manera abstracta emblemáticas estampas de las ciudades en las que ha crecido como persona y, sobretodo, como artista.

De mano del pintor y parte de su obra recorremos todo el proceso del lote; desde su creación hasta la puesta en subasta en Setdart.com.

 

 

 

A continuación les presentamos en subasta algunas obras características de este reconocido pintor catalán;

 

Lote:35149058 Una postal de la sala “La Paloma”; un clásico de la ciudad condal que encontraréis en subasta hasta el 20 de Junio

(ACCESO DIRECTO AL LOTE)

paloma costa vila

 

Lote 35149059. En subasta hasta el 27 de Junio también podemos encontrar una emblemática vista de Nueva York con sus características pinceladas

(ACCESO DIRECTO AL LOTE)

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Lote: 35149060. Hasta el 01 de Julio en subasta podemos pujar por esta característica vista de Barcelona y parte de su puerto, más conocido como “Port Vell”

(ACCESO DIRECTO AL LOTE)

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La subasta ya ha comenzado…¡Hagan sus pujas!

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Setdart celebra el Día Internacional de los Museos.

Cada año desde 1977 se celebra el Día Internacional de los Museos con el objetivo de concienciar al público del papel importantísimo que juega el arte y la cultura en el desarrollo de la sociedad.

 

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Hoy miércoles 18 de Mayo es ese día en el que el mundo entero se pone de acuerdo para promover el Arte y hacer de los Museos el protagonista indiscutible de la jornada. En Setdart el arte y la cultura son cada día los protagonistas, pero en este día tan señalado con más motivo y es por eso que nos sumamos en esta iniciativa tan importante.

La edición número 38 del Día Internacional de los Museos bajo el título “Museo y Paisajes Culturales” presenta toda una serie de actividades e iniciativas culturales en torno al importante papel que tienen los Museos como guardianes de nuestro pasado y que determinan el presente y futuro de nuestra sociedad.

Setdart celebra el Día Internacional de los Museos en nuestras distintas salas de Barcelona y Madrid donde pueden disfrutar de una selección de piezas que también encontrarán en subasta en los próximos días. Pintura, artes decorativas, escultura y joyería comparten espacio en nuestras exposiciones.

 

En SETDART MADRID (C/Conde de Aranda, 22) destacamos algunas de la piezas expuestas.

cervantes

Sumándose al IV centenario de la muerte de nuestro escritor más internacional, en subasta y en exposición podemos disfrutar del mítico retrato del escritor cervantino.

 

  • 35037533; Escuela francesa de la Belle Époque, finales del siglo XIX. “Cupido y Psique niños”. Escultura en alabastro.

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También podemos admirar esta escultura en alabastro de la Belle Époque que podréis encontrar como parte de la exposición de este mes de mayo en la sala de C/Conde de Aranda, 22

 

miro

 

En la exposición de la sala de Setdart Madrid podemos comprobar con este aguafuerte de Joan Miró porque se le considera uno de los máximos representantes de las Vanguardias.

 

broche

 

También podemos contemplar una selección de las joyas más elegantes que tenemos, como este broche con diamantes y esmeraldas

 

 

En SETDART BARCELONA (C/Aragón, 346) se puede disfrutar de nuestra exposición destacando algunas de las piezas.

mir

De la mano del extraordinario pintor catalán MIR TRINXET podemos contemplar en la sala de Barcelona este espectacular paisaje que está en subasta en los próximos días.

 

mueble

Este entredós francés con incrustaciones en nácar y marfil está en subasta este mes de Mayo y podemos admirar todos los detalles en la sala de la C/Aragón, 346, donde forma parte de la exposición de estos días.

 

 

pendientes

También podemos ver en nuestra exposición de joyas selectas de Setdart Barcelona esta pareja de pendientes con diamantes y rubí central junto con otras joyas exclusivas.

 

 

¡Setdart les desea un feliz Día Internacional de los Museos!

 

 

 

 

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HOMENAJE A CERVANTES

Desde Setdart Subastas queremos sumarnos a la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes Saavedra (Alcalá de Henares, 1547 – Madrid, 1616) y es por eso que desde hace unos días hasta el próximo 19 de Mayo tenemos en subasta un retrato del emblemático escritor español. Actualmente expuesto en nuestra sede Setdart Madrid.

LOTE: 35133701 (enlace directo clickando)

exposicion_cervantes

 

 

 

El IV Centenario está promoviendo múltiples actividades culturales a nivel nacional e internacional y desde Setdart os proponemos nuestra selección más actual porque grandes clásicos como El Quijote siguen inspirando a las generaciones de artistas más actuales en todas las artes.

  • Miguel de Cervantes o el deseo de Vivir ; exposición basada en la obra fotográfica del artista José Manuel Navia, quien plantea esta muestra como un recorrido visual por los lugares y los caminos que transitó Miguel de Cervantes a lo largo de su vida.
  • Ballet Don Quijote; La Compañía Nacional de Danza de España presenta el Ballet Don Quijote. Un ballet que recorrerá distintas ciudades de la geografía española haciendo homenaje a la obra literaria más representativa de Cervantes, El Quijote.
  • Gregorio Prieto y El Quijote; el Museo Casa Natal de Cervantes en Alcalá de Henares organiza una muestra de dibujos originales del ilustrador Gregorio Prieto, una nueva visión contemporánea de El Quijote.
  • Miguel de Cervantes: de la vida al mito. 1616-2016; La Biblioteca Nacional de España exhibe el más importante conjunto de piezas relacionadas con su vida, contando con el rico fondo cervantino de la propia BNE entre otras instituciones que han querido rendirle también homenaje a nuestro clásico más internacional.

La pluma es la lengua del alma

                                       Miguel de Cervantes

35133701-(100)

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Premio Setdart al Mejor Blog de Arte 2014

 

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Bases del concurso

 

 

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REGOYOS Y VALDÉS, Darío de (Ribadesella, Asturias, 1857 – Barcelona, 1913). Lote 35013894

LOTE EN SUBASTA

LOTE EN SUBASTA

REGOYOS Y VALDÉS, Darío de (Ribadesella, Asturias, 1857 – Barcelona, 1913).
“El paseo”.
Óleo sobre cartón.
Firmado con iniciales en el ángulo inferior derecho.
Adjunta certificado de autenticidad emitido por Juan San Nicolás.
Medidas: 9 x 14 cm; 31 x 37 cm (marco).

Hijo de un destacado arquitecto activo entonces en Asturias, Darío de Regoyos se formó en Madrid, en la Academia de San Fernando (1878). Pronto, inducido por su maestro Carlos de Haes y por sus amigos músicos, Enrique F. Arbós e Isaac Albéniz, se instaló en Bruselas (1879), donde sería discípulo de Josep Quinaux. En la capital belga entró en contacto con E. Verhaeren, G. Rodenbach y M. Maeterlinck, grupo de jóvenes creadores que fraguaban el principal movimiento cultural belga del fin de siglo, inquietud en la que él mismo tendría un papel eminente. Así, formó parte de los grupos L’Essor (1881-83) y Les XX (1883-93). No obstante, nunca arraigó en ningún sitio; incluso en su etapa belga regresaba con frecuencia a España.
Durante la década de los ochenta residió en el País Vasco, donde revitalizó la ya importante escuela artística moderna local. En 1888 acompañó al escritor Verhaeren en un viaje por España (ya lo había hecho antes con otros compañeros belgas), que sería el germen de su famosa serie “España negra”, publicada en Barcelona en 1899. Con esta obra, Regoyos fue pionero en España de la llamada neoxilografía o xilografía de creación. Si durante la década de 1880 sólo participó en exposiciones en Bélgica y Holanda, en la de 1890 lo haría también en París, tomando parte con asiduidad en el Salón de los Independientes. Desde estos años mostrará también su obra en Madrid, Múnich y Barcelona, ciudad esta última donde su pintura fue homenajeada en 1894 por la plana mayor del modernismo. No obstante su obra, marcada por un impresionismo del que él mismo fue uno de los principales definidores, fue mal aceptada en los ambientes más convencionales.
En Bélgica, Regoyos estuvo también ligado a la sociedad La Libre Esthétique desde su origen (1894), asociación que recogió en este país la herencia de la modernidad artística. En 1897 realizará su primera exposición individual, en la destacada galería Durand-Ruel de París. La segunda, al año siguiente, tendría lugar en Els Quatre Gats de Barcelona, ciudad en la que fue director artístico de la revista “Luz”. Desde 1900 el abanico de sus exposiciones se amplió, siendo su obra mostrada en Bilbao, Frankfurt, Berlín, La Haya, Venecia, Bayona, San Sebastián, Londres, México D.F., Burdeos y Buenos Aires, entre otras ciudades. A principios del siglo XX Regoyos intensificó sus viajes, residiendo entre Granada y Bilbao. En 1911 se instaló en Barcelona, donde moriría dos años después.
Está representado en el Museo del Prado, el Thyssen-Bornemisza, el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona, el Museo de Bellas Artes de Bilbao y la Colección Gerstenmaier, entre muchos otros museos e instituciones.

 

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VELA ZANETTI, José (Milagros, Burgos, 1913 – Burgos, 1999). Lote

LOTE EN SUBASTA

LOTE EN SUBASTA

VELA ZANETTI, José (Milagros, Burgos, 1913 – Burgos, 1999).
“Bodegón la Virgen y la hogaza”, Milagros, 1973.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en la zona inferior izquierda. Fechado, localizado y titulado al dorso.
Medidas: 81 x 100 cm; 92,5 x 111,5 cm (marco).

Nacido en Milagros, provincia de Burgos, se traslada siendo niño a León con su familia. Allí realizó su primera exposición en 1931. Apoyado por su padre, tras finalizar los estudios de bachillerato viaja unos meses a Madrid, para ver exposiciones y visitar el Museo del Prado. Poco después obtiene una beca para visitar Italia, otorgada por la Diputación Provincial de León.
Como consecuencia de la Guerra Civil española se marcha a la República Dominicana, donde permaneció hasta 1960. En Santo Domingo inició, junto a otros artistas exiliados, la Escuela Nacional de Bellas Artes. Durante este periodo realizó exposiciones y proyectos en México, Colombia, Puerto Rico y Estados Unidos. En 1951 la Fundación John Simon Guggenheim de Nueva York le concedió una beca que llevaba aparejado un singular proyecto: la confección de un mural de grandes dimensiones para uno de los espacios nobles de la sede de las Naciones Unidas, en conmemoración del cincuentenario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Este proyecto catapultó definitivamente al maestro burgalés, y es a día de hoy considerada su obra más importante tanto por su relevancia simbólica como por su expresividad y calidad artística. Él mismo dijo de esta obra: “Aspiro a que aquellos que contemplen este mural se den cuenta de que la paz hay que ganarla, no una vez para siempre, sino todos los días, recordando los sufrimientos del pasado y haciendo realidad lo que los hombres aspiran para el futuro”. Vela Zanetti también realizó otros murales de importancia, como los de tema histórico para la Diputación Provincial de Burgos o los frescos del antiguo Teatro Ercilia, en Barahona, República Dominicana.
Fue académico de San Fernando, y Doctor Honoris Causa por la Universidad de Burgos. El Centro Cultural de la Villa de Madrid celebró en 2001, bajo el título de “Antológica”, una exposición retrospectiva sobre la obra de Vela Zanetti, la más importante hasta esa fecha. En 2009 se celebró una exposición conmemorativa del décimo aniversario de su muerte en la galería Ángeles Penche de Madrid. En breve, desde el 17 de mayo y hasta el 14 de julio, se podrá visitar en el Fórum Evolución de Burgos una importante exposición dedicada a la obra de Vela Zanetti, conmemorativa del centenario de su nacimiento y la más completa antológica de este pintor celebrada hasta la fecha. Vela Zanetti es considerado el pintor del alma de Castilla, ya que supo retratar magistralmente su tierra a través de sus heroicas gentes, de esos seres humanos esforzados, trabajadores de sol a sol. Es el pintor de la dignidad del hombre, y de hecho toda su obra gira en torno al ser humano, tanto la realizada en España como las obras que pintó en su largo exilio en la República Dominicana.

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Escuela hispano-flamenca del siglo XVII. Lote 34003443

LOTE EN SUBASTA

Escuela hispano-flamenca del siglo XVII.
“Santiago el Menor”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Precisa consolidación y restauración.
Medidas: 78 x 105 cm; 97 x 123 cm (marco).

En esta obra se representa al apóstol Santiago el Menor en primer plano, en actitud reflexiva, con un bastón y un libro abierto en las manos, las Sagradas Escrituras. En un segundo plano se desarrolla, con gran riqueza narrativa, la escena de su martirio. Vemos, ante un espacio abierto que clarifica la composición, al apóstol con el torso desnudo, sentado en el suelo, a punto de ser muerto a golpes de maza por un sacerdote, mientras un muchacho mantiene su cabeza erguida, agarrándole por los cabellos. El cuello de Santiago está ya manchado de sangre, al igual que el arma de su verdugo, un detalle que aporta patetismo a la escena. Junto a la muchedumbre que contempla la ejecución se alza el templo, en cuya parte superior aparece el sumo sacerdote Anás II. Éste había ordenado a Santiago renegar de Jesús, pero éste al hallarse en lo alto del templo aprovechó la concurrencia para predicar el Evangelio. Al escuchar esto, los fariseos y escribas se enfurecieron, y uno de ellos lo empujó desde lo alto. No obstante Santiago no muere por la caída, por lo que la multitud comienza a apedrearlo, mientras rogaba a Dios de rodillas por sus asesinos. Entonces uno de los sacerdotes, hijo de Rahab, se encaró con la multitud y pidió que cesara la lapidación, puesto que el apóstol correspondía a la crueldad orando por sus verdugos. Aquí aparece este hombre representado en el lado izquierdo, vestido con túnica amarilla, con una mano en el pecho y la otra alzada señalando al cielo. No obstante, uno de los fanáticos se acercó a Santiago con una maza y descargó sobre su cabeza un golpe terrible, que le rompió el cráneo. Aquí el hombre que finalmente acaba con la vida del apóstol es representado como un sumo sacerdote, con tocado en doble punta y manto brocado, un detalle que incide en el hecho de que fue el Sanedrín el responsable de la muerte de Santiago. Como vemos, en una misma pintura se representa la figura del santo dos veces, un recurso narrativo muy frecuente en los siglos XV y XVI dentro de la escuela flamenca, que tendrá un cierto desarrollo aún dentro del barroco. También de influencia flamenca es la profusión de elementos narrativos en la imagen, la minuciosa descripción del escenario y la proliferación de personajes, que llenan todo el espacio en los planos intermedios. La forma de tratar el paisaje de fondo, a base de bandas paralelas en tonos azulados y verdosos, corresponde también a la herencia de los primitivos flamencos.
Santiago el Menor, hijo de Alfeo, fue uno de los doce apóstoles de Jesucristo, pariente de Judas Tadeo. La tradición cristiana siempre lo ha identificado como “el hermano del Señor”, es mencionado en la Carta a los Gálatas como una de las columnas de la Iglesia, y también se le identifica con aquel Santiago a quien se le aparece el Señor resucitado. Es autor de la carta del Nuevo Testamento que lleva su nombre. Santiago el Menor era un líder de su comunidad, y prueba de la autoridad de la que gozaba en Jerusalén es el hecho de que San Pedro le manda anunciar su liberación. Tomó la palabra en el Concilio de Jerusalén, y fue el primer obispo de esta ciudad, quedando a cargo de su Iglesia después de la dispersión de los apóstoles por el mundo. Dado que era considerado “hermano del Señor”, es decir, pariente cercano de Jesús, se le suele representar con rasgos parecidos a los de Cristo.

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ZULOAGA Y ZABALETA, Ignacio (Éibar, Guipúzcoa, 1870 – Madrid, 1945). Lote 35012899

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ZULOAGA Y ZABALETA, Ignacio (Éibar, Guipúzcoa, 1870 – Madrid, 1945).
“Retrato de dama”, 1934.
Óleo sobre tabla.
Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo.
Medidas: 55,5 x 45,5 cm; 85 x 72 cm (marco).

Hijo del notable damasquinador Plácido Zuloaga, y sobrino de Daniel Zuloaga, uno de los más destacados ceramistas españoles de su época, Ignacio Zuloaga trabajó de niño en el taller de su padre, donde tuvo sus primeros contactos con el dibujo y el grabado. Posteriormente inició estudios de ingeniería, pero los abandonó para dedicarse a la pintura. Adquirió su formación artística en el Museo del Prado, copiando a Ribera, Goya, Velázquez y El Greco, del que sería uno de sus primeros propagadores. Ya en 1887 presenta un cuadro en la Exposición Nacional de Madrid, titulado “Un sacerdote rezando en una habitación antigua”. Tras un primer viaje a Roma en 1889, en el que se empapó de los maestros del Renacimiento, Zuloaga marchó a París, donde conoció a artistas franceses como M. Dethomas o Rodin, con quien entablaría una gran amistad. También conoció a Miguel Utrillo y Santiago Rusiñol, y con este último viajará de nuevo a Italia. En París llegó a practicar el puntillismo y el impresionismo, y participó en algunas exposiciones colectivas de la galería Le Bar de Boutteville, frecuentada por los simbolistas.
Sin embargo, la búsqueda de sus propias raíces lo llevó a Andalucía, donde pasó temporadas entre 1894 y 1897. En este último año, en Segovia, pintó “Mi tío y mis primas”, cuadro que presentó en el Salón de París y que fue adquirido por el Estado francés. En 1898 contrae matrimonio y se instala en Madrid, aunque realizará frecuentes viajes a la capital gala. Al año siguiente presentó en el Salón de París su “Retrato de familia”, que fue también adquirido por el Gobierno francés.
A partir de 1903 tomó parte en exposiciones internacionales y su fama fue creciendo. Entre 1906 y 1913 trabajará en Segovia, atraído por la austeridad del paisaje castellano y la dignidad callada y humilde de sus habitantes, influido por la ideología de la Generación del 98. En 1908 fue invitado para presentar una exposición en Nueva York. Al estallar la I Guerra Mundial regresó al País Vasco y vivió en un monasterio del siglo XII situado en Zumaya (Guipúzcoa), posteriormente convertido en museo, donde instaló su rica colección de obras de arte, que incluía pinturas de El Greco y de Goya. Fue tal su admiración por el maestro aragonés que llegó a comprar su casa natal en Fuendetodos. Asimismo, en 1926 adquirió el castillo de Pedraza (Segovia), también convertido en Museo.
Ignacio Zuloaga es hoy considerado, junto a Gutiérrez Solana, el continuador de la tradición de la pintura española a lo largo del siglo XX. Actualmente está representado en destacados museos como el del Prado (obras adscritas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), así como en otros de todo el mundo como el de Orsay, el Rodin y el Nacional de Versalles en París, el Hermitage de San Petersburgo, el Metropolitan de Nueva York, el Thyssen-Bornemisza de Madrid o el de Bellas Artes de Budapest, entre muchos otros.

 

 

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Reloj de sobremesa bracket; JOHN TAYLOR, Londres, tercer cuarto del siglo XVIII. Lote 35013828

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Reloj de sobremesa bracket; JOHN TAYLOR, Londres, tercer cuarto del siglo XVIII.
Sonería de nueve campanas, en cuartos, medias y horas.
Caoba y bronce.
Medidas: 63 x 34 x 21 cm.

Se conservan piezas del mismo relojero en la colección de relojes del siglo XVIII del Patrimonio Nacional.
Reloj inglés de sobremesa tipo bracket, con caja de caoba y aplicaciones ornamentales de bronce en relieve y bulto redondo. Presenta un frente de composición arquitectónica simple, con una fachada rematada en arco de medio punto alzada sobre un basamento simple, moldurado en su parte alta, elevado sobre cuatro patas de bronce en forma de voluta rizada hacia el interior. El conjunto presenta un remate en talud de ángulos curvos, terminado en una forma abovedada sobre la que se alza una composición ornamental clásica, con un jarrón en su cúspide, similar a los cuatro que adornan las esquinas de la cornisa. La pieza cuenta con asas laterales en arco, y está profusamente decorada con placas de bronce dorado cinceladas y caladas, trabajadas con minuciosidad y atención al detalle. El frente del reloj muestra guirnaldas y composiciones vegetales clásicas, y en los laterales vemos una placa calada con un solo central con rostro de niño, acompañado de cresterías de rocalla y veneras típicamente rococó. La esfera, plateada, cuenta con numeración romana grabada, en negro, y tres agujas. En la parte superior se sitúa una segunda esfera más pequeña, que indica si la sonería está o no activada.
En el siglo XVIII muchos grandes coleccionistas, entre ellos Felipe V de España, prefirieron los relojes ingleses por encima de los demás por su perfección técnica, y de hecho la inglesa fue la principal escuela relojera del momento. El relojero John Taylor fue un afamado representante de la relojería inglesa del siglo XVIII, fabricante prolífico de piezas valoradas tanto por su calidad y su valor ornamental como por la belleza y delicadeza de las melodías de sus sonerías. Desde su taller en Gloucester Road, Taylor fabricó relojes siempre de altísima calidad, de estilo clasicista inglés, hoy muy buscados y cotizados. Realizó diferentes tipologías (de pie, de sobremesa, etc.), siempre piezas firmadas en la esfera. En concreto, los bracket de John Taylor fueron los más apreciados en el mercado español por la perfección de su maquinaria, y piezas de su mano formaron parte de destacadas colecciones, como la real o la del marqués de Cerralbo, ya en el siglo XIX.
Los relojes bracket de origen inglés destacan principalmente por su mecanismo, aunque también por su decoración. Esta tipología tiene su origen en la década de los 60 del siglo XVII, cuando se aplica el péndulo al reloj sustituyendo el anterior regulador de “foliot” o volante. Este cambio hizo necesario dotar al mecanismo de una caja que lo protegiera de golpes que pudieran alterar su marcha. Nacen así los relojes denominados en Inglaterra bracket, es decir, los relojes transportables. Se trata de piezas de caja corta, que aloja en su interior un mecanismo sujeto entre dos gruesas platinas y conteniendo, como fuerza motriz para cada tren, un combinado de cubo y caracol. Estos relojes fueron pensados inicialmente para ser colocados sobre una ménsula, y de ahí su denominación inglesa. Esta ménsula era una pieza independiente que solía fabricarse a la vez, con decoración a juego con el reloj. Posteriormente, sin embargo, empezaron a elaborarse base y reloj por separado.
Los ingleses desarrollaron una mecánica relojera diferenciada de la del resto de Europa, basada en una industria de talleres especializados que producían productos de gran perfección técnica. Las cajas eran realizadas por ebanistas que enriquecían los relojes, convirtiéndolos en auténticas joyas. Por ello, a lo largo del siglo XVIII los relojes ingleses evidenciarán la evolución estilística que se desarrolló en la ebanistería inglesa, partiendo de los modelos William and Mary y Reina Ana, pasando por el estilo Chippendale y el Hepplewithe para finalmente volver al clasicismo con el Adam, el Sheraton y finalmente el Regencia. Respecto a la tipología concreta del reloj bracket, mantuvo durante todo el siglo XVIII su aspecto elegante y señorial, y a finales de la centuria las cajas serán de mayor tamaño, más monumentales. El material utilizado para su fabricación solía ser, aún en el siglo XVII, el ébano o el carey, combinados con aplicaciones de bronce. Desde 1670 serán frecuentes también el olivo y el nogal, y posteriormente empezará a utilizarse el latón. A partir de la década de 1720 estas maderas serán sustituidas por la caoba, más adecuada al nuevo gusto. Por otro lado, las esferas solían presentar cifras grabadas en la plancha frontal, o incorporando un sector horario plateado. Posteriormente se añadirán otros elementos como el segundero, situado a un lado del arco central, o la fecha, incluida en la esfera. Incluso se incluirán esferas para las fases de la luna.

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GUAYASAMÍN, Oswaldo (Quito, Ecuador, 1919 – Baltimore, E.E.U.U., 1999). Lote 35013815

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GUAYASAMÍN, Oswaldo (Quito, Ecuador, 1919 – Baltimore, E.E.U.U., 1999).
“Retrato de Atahualpa”, 1945.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior izquierdo.
Adjunta certificado de autenticidad emitido por Pablo Guayasamín, presidente ejecutivo de la Fundación Guayasamín.
Medidas: 80 x 65 cm.

Uno de los más grandes nombres de la pintura ecuatoriana, Oswaldo Guayasamín demostró dotes artísticas ya en la infancia, e incluso vende algunos cuadros en la Plaza de la Independencia de su Quito natal en sus primeros años. A pesar de la oposición de su padre, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de la capital ecuatoriana para estudiar pintura y escultura, en plena época de la llamada Guerra de los Cuatro Días, un levantamiento cívico militar en contra del gobierno en el curso del cual muere su gran amigo Manjares. Este hecho, que más tarde inspirará su obra “Los niños muertos”, marcará para siempre su visión del ser humano y de la sociedad.
En 1941 obtiene el título y el Primer Premio en el Salón Mariano Aguilera de Quito, y al año siguiente celebra su primera exposición individual, con veintitrés años. Esta muestra será controvertida, y considerada por la crítica como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. No obstante el magnate estadounidense Nelson Rockefeller, impresionado por su obra, compra varios de sus cuadros, iniciando una relación que se prolongará en el futuro.
Entre finales de 1942 y principios de 1943 Guayasamín se encuentra en Estados Unidos, y posteriormente viaja a México, donde empieza a trabajar como asistente de Orozco. Realizará después una serie de viajes por América Latina, encontrando siempre la misma situación de opresión de la sociedad indígena, a la que él mismo pertenecía. Será desde entonces esta una temática constante en su obra. Por esta época se centrará especialmente en los temas sociales, y comenzará a simplificar las formas, llegando finalmente a su personal estilo rotundo y expresivo. Su obra, centrada en el ser humano y calificada por la crítica como expresionista, refleja el dolor y la miseria que azotan a la sociedad, y denuncia a la vez la violencia que dominó el monstruoso siglo XX, marcado por las guerras, los genocidios, las dictaduras y las torturas.
En estos años de juventud Guayasamín obtendrá todos los Premios Nacionales en su país, y a los treinta y seis años alcanza el Gran Premio de la III Bienal Hispanoamericana de Arte, celebrada en 1955 en Barcelona. Posteriormente obtendrá también el mismo galardón en la Bienal de São Paulo (1957). A lo largo de su carrera, este maestro expuso individualmente su obra no sólo en los diversos países latinoamericanos, sino también en muchos de Europa, la Unión Soviética, China y Estados Unidos. Asimismo, aparte de la pintura de caballete realizó murales, esculturas y monumentos, hoy en día presentes en Quito (monumento “A la Resistencia”, murales en los Palacios de Gobierno y Legislativo, la Universidad Central y el Consejo Provincial), Madrid (Aeropuerto de Barajas), París (Sede de la UNESCO), São Paulo (Parlamento Latinoamericano), Caracas (Centro Simón Bolívar), Guayaquil (“A la Patria Joven”).
En 1971 Guayasamín es nombrado presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, y cinco años más tarde se crea la Fundación Guayasamín en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe toda expresión artística como un patrimonio del pueblo. En 1978 será nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y un año más tarde miembro de honor de la Academia de Artes de Italia. En 1992 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro henríquez Ureña, y en estos últimos años de su vida inaugura personalmente importantes exposiciones de su obra celebradas en el Palacio de Luxemburgo de París y en Palais de Glace de Buenos Aires. En 1995 Guayasamín inicia en Quito su obra más importante, un espacio denominado “La Capilla del Hombre”, en la que centrará sus últimos esfuerzos. Sin embargo, fallecerá en 1999 sin ver finalizado el proyecto. Ese mismo año será distinguido, de forma póstuma, con el Premio José Martí (París).
Actualmente su obra está ampliamente representada en la Fundación que él mismo creó en Quito, y también en destacadas pinacotecas y colecciones privadas internacionales.

 

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DURANCAMPS I FOLGUERA, Rafael (Sabadell, 1891 – Barcelona, 1979). Lote 34000911

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DURANCAMPS I FOLGUERA, Rafael (Sabadell, 1891 – Barcelona, 1979).
“Vista del pueblo”.
Óleo sobre tabla.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 38 x 60 cm; 59 x 82 cm (marco).

Llamado originalmente Rafael Duran i Camps, fue discípulo de Vila Cinca en la Escuela Industrial de Artes y Oficios de Sabadell. Más adelante conocerá a Joaquín Mir, con quien estableció una estrecha relación, y cuyo estilo influyó en el colorido del lenguaje de la primera época de Durancamps. Expuso por primera vez en 1917, en las Galerías Layetanas de Barcelona, cosechando un éxito que le animó a seguir pintando pese a la oposición de su familia. Pasó varias temporadas en Madrid, donde estudió a los maestros del Museo del Prado, y a continuación viajó a Italia. Regresa a Barcelona y participa en diversos certámenes, obteniendo importantes premios como la medalla Masriera de 1920, además de realizar varias exposiciones en la sala Parés.
En 1921 viaja por primera vez a París. Su obra en este momento se acerca al impresionismo, pero también denota las influencias de Zurbarán, El Greco y el colorismo veneciano, conjugando la precisión del dibujo con la gravedad del color. En 1926 regresa a Francia y se instala en Passy, ciudad en la que residirá hasta 1939. Durante estos años conoce a Picasso, que le anima a celebrar exposiciones en la galería Zak, muestras en las que obtuvo un considerable éxito, que fue acrecentándose en sus sucesivas exposiciones.
Regresa a España y se instala en San Sebastián, pero sigue manteniendo una estrecha colaboración con la Sala Parés, donde siguió realizando exposiciones hasta su muerte. Asimismo, celebró distintas exposiciones en Madrid, Sabadell, Bilbao, Valencia, Londres y Filadelfia.
Si bien su primera etapa estuvo influenciada por Mir, Durancamps pronto evolucionó hacia una concepción más personal, dando especial preponderancia a la línea constructiva y a un peculiar colorido de sobria belleza. Sus naturalezas muertas, que trató con profusión de línea y transparencia, son un prodigio de serenidad y elegancia, con un sello tan personal que escapan a cualquier clasificación contemporánea. Sus paisajes y escenas costumbristas, especialmente las capeas en distintos pueblos españoles, son de gran emotividad. Los “cielos de presagio” que expresan el dramatismo de la fiesta evocan su agudo sentido lírico.
Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid, San Sebastián y Buenos Aires, así como en gran número de colecciones tanto españolas como extranjeras.

 

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Escuela italiana clasicista, siglo XVII. Lote 35013460

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Escuela italiana clasicista, siglo XVII.
“Virgen de la leche”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Muy ligeras restauraciones y craquelado. El marco presenta faltas.
Medidas: 114 x 104 cm; 136 x 129 cm (marco).

En este lienzo se representa a la Virgen sentada, con el Niño Jesús en su regazo, amamantándolo. Las figuras, monumentales y escultóricas, se sitúan en primer plano sobre un fondo cerrado por cortinajes de dinámicos plegados, típicamente barrocos. Formalmente en esta obra domina la influencia del clasicismo romano-boloñés de los Carracci y sus seguidores, una de las dos grandes corrientes del barroco italiano, junto al naturalismo caravaggista.
Así, las figuras son monumentales, de rostros idealizados y gestos serenos y equilibrados, en una representación idealizada cuya base parte de los cánones clásicos. También la retórica de los gestos, teatrales y elocuentes, netamente barrocos, es algo típico del clasicismo italiano del XVII. Cabe señalar asimismo la importancia del aspecto cromático, muy pensado, entonado y equilibrado, centrado en gamas básicas en torno al rojo, el verde y el gris azulado. También la forma de componer la escena, siguiendo un esquema piramidal equilibrado y asentado, es propio de esta escuela. Sin embargo, pese al dominio de lo clásico se advierte una cierta influencia del naturalismo, especialmente en el aspecto lumínico. Así, la luz aunque es natural es dirigida, centrada en la escena principal y dejando el resto en penumbra, diferenciando así los diferentes planos del espacio y centrando la atención del espectador en la escena.
El tema de la Virgen representada con el Niño Jesús, y más concretamente con éste en su regazo, sentado o de pie, tiene su origen en las religiones orientales de la Antigüedad, en imágenes como la de Isis con su hijo Horus, pero la referencia más directa es la de la Virgen como “Sedes Sapientiae”, o trono de Dios, en el arte cristiano medieval. Poco a poco, con el avance del naturalismo, la Virgen pasará de ser un simple “trono” del Niño a revelar una relación de afecto, a partir del periodo gótico. Desde entonces las figuras irán adquiriendo movimiento, acercándose la una a la otra, y finalmente desaparecerá el concepto de trono y con él el papel secundario de la Virgen. De este modo, la imagen se convertirá en ejemplo del amor entre María y su Hijo, una imagen de ternura, cercana, pensada para conmover el ánimo del fiel.
Esta relación materno-filial, más humanizada, se traducirá la recuperación y potenciación de antiguas iconografías poco frecuentes hasta entonces, como la de la Virgen de la Leche. Conocida también como Virgen nutricia o nodriza, del Reposo o de Belén, es una iconografía mariana en la que se representa a María amamantando al Niño. Se basa en la historia de la Gruta de la Leche, en Belén, donde la tradición dice que la Virgen dio de mamar al Niño, y una gota se derramó sobre una roca, que cambió su color y se tornó blanca.

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VOS, Paul de (Amberes, 1591/95 – 1678). Lote 34002612

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VOS, Paul de (Amberes, 1591/95 – 1678).
“Perros peleando por la carne”.
Óleo sobre lienzo.
Medidas: 124 x 185 cm; 148 x 207 cm (marco).

Pintor flamenco, hermano de Cornelis y Jan, Paul de Vos fue uno de los principales representantes del bodegón dinámico flamenco, junto a Frans Snyders.
Se formó junto a sus hermanos con David Remeeus, y alcanzó la maestría en torno a 1620. Durante su aprendizaje trabajó con el propio Snyders, por lo que sus primeras obras se muestran muy cercanas a éste, tanto en temática como en motivos. No obstante, a lo largo de su trayectoria Paul de Vos irá incorporando rasgos innovadores a su obra, con diversas variaciones en las escenas de caza, género en el que se especializó.
Al igual que Snyders, Vos también contó con la colaboración de su hermanos Cornelis, quien realizó con frecuencia las figuras de sus cuadros. Sin embargo, Vos se muestra más aterciopelado en las texturas que Snyders, y se caracterizó por un mayor desarrollo del paisaje, principalmente en sus escenas de caza. Además utilizó un personal cromatismo basado en las gamas cálidas, que abarcan desde los ocres hasta los terrosos, pero más claros y pálidos que los de Snyders. Asimismo, su técnica es más suelta, desdibujando los contornos y las ricas texturas de Snyders en favor de una apariencia general más atmosférica y difusa. También son mayores en la obra de Vos el dramatismo y la tensión, pues prefirió siempre escenas de gran violencia, en las que a menudo se representa la lucha de animales de forma sangrienta y feroz.
Las suyas son por tanto imágenes de gran patetismo, algo especialmente patente en sus escenas de caza, dotadas de un dramatismo que se reflejó también en las ilustraciones de fábulas que realizó, protagonizadas por animales. Por otro lado, abordó de forma distinta la anatomía de los animales, plasmándola de forma menos naturalista, con cuerpos más alargados.
Paul de Vos colaboró asiduamente con otros artistas, entre los que destaca Rubens. Así, realizó los animales de obras clave de este maestro como la “Diana cazadora” del Museo del Prado. La admiración de Rubens por Vos le llevó incluso a adquirir ocho obras de su mano, que se encontraban entre sus posesiones cuando murió en 1649. También estuvo vinculado a Thomas Willeboirts y Adriaen van Utrecht, con los que colaboró en algunos encargos para Enrique de Orange Nassau (1648). Asimismo, trabajó ocasionalmente con Erasmus Quelinus II, en obras como el “Descanso en la huida a Egipto” (Museo del Hermitage, San Petersburgo).
Los cuadros que realizó en solitario fueron muy valorados entre los coleccionistas de la época, quienes gustaron especialmente del decorativismo de sus escenas y de su temática, muy apreciada entre la nobleza flamenca y española. Así, a principios de la década de 1630 realizó más de treinta pinturas para el duque de Aarschot, cuando éste se encontraba en Madrid, y estas obras fueron vendidas a su muerte en el mercado madrileño. También contó entre sus admiradores al marqués de Leganés, y otros importantes coleccionistas españoles de la época poseyeron numerosas pinturas suyas, entre ellos el marqués de Carpio o el duque de Salvatierra. El propio rey Felipe IV valoraba su pintura, a tenor de los muchos cuadros de Vos que decoraron las estancias de los principales palacios madrileños, incluida la Torre de la Parada. También está documentada la compra de varias obras suyas al mercader Gisbert van Colen por parte del emperador Maximiliano (1689).
Actualmente Paul de Vos está representado en las principales pinacotecas de todo el mundo, entre ellas el Museo del Prado, el Hermitage de San Petersburgo, el J. Paul Getty de Los Ángeles y el Kunsthistorisches de Viena.

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Plato en cerámica de reflejo metálico. Manises, finales del siglo XVI. Lote 34002733

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Importante plato; Manises, finales del siglo XVI.
Cerámica de reflejo metálico.
Con roturas restauradas. Presenta desperfectos.
Medidas: 48,5 cm de diámetro.

Plato levantino de extraordinario tamaño, realizado en cerámica y decorado con la técnica del reflejo metálico, que se combina con relieves y detalles en esmalte azul de cobalto. Presenta un tetón central resaltado, con gallones oblicuos, decorado en su centro con la figura de un ave esmaltada. Las molduras que separan el caveto del alero y que remarcan el perímetro de este último están también realizadas en relieve, a molde. El plato presenta una tupida decoración vegetal sintetizada, a base de pinos y palmetas alternados, y sobre fondo azul presenta decoraciones pesudoepigráficas que imitan la caligrafía árabe. En el exterior está también decorado con reflejo metálico: un motivo avenerado sintetizado en el centro, y dos bandas de hojas serradas.
La cerámica de reflejo metálico será el gran arte del periodo nazarí, si bien nace en la España de época almohade, entre la segunda mitad del siglo XII y la primera del XIII. Es una técnica de origen persa, encontrándose los primeros documentos referentes a ella en el año 1066, si bien no nos han llegado ejemplos anteriores al siglo XII. En épocas posteriores tendrá especial desarrollo en Manises, donde se continuará la tradición hispanomusulmana tanto en el aspecto técnico como en el decorativo.
Se trata de una cerámica esmaltada, es decir, con un baño de esmalte blanco, muy puro en los mejores ejemplos, que se cuece en el horno. Sobre él, ya frío, se decora con un pigmento compuesto por cinco ingredientes básicos: cobre, plata, azufre, almazarrón (óxido de hierro) y vinagre. El tono final dependerá de la proporción de estos componentes, resultando más dorado si lleva una mayor cantidad de plata, y más rojizo si predomina el cobre. Finalmente se realiza una segunda cocción de la pieza, a 650ºC, en atmósfera reductora, para fijar la decoración. Una vez cocida la pieza, la decoración queda de color negro, por lo que se ha de bruñir para obtener el tono dorado metálico brillante final.
Durante el periodo nazarí, entre los siglos XIII y XV, en las piezas de reflejo metálico veremos todo el repertorio ornamental de la cerámica hispanomusulmana: mano de Fátima, “ohm”, nudo, ataurique, epigrafía, motivos vegetales, escamas, decoraciones imbricadas, etc., siempre con composiciones que llenan todo el espacio, con un cierto carácter de “horror vacui”. Como vemos en esta pieza, en los siglos siguientes el estilo continuará ya en territorio cristiano, manteniéndose las composiciones densas y los motivos lineales, vegetales y geométricos, si bien se añadirán elementos figurativos que no existían en el arte islámico, como es el caso del pájaro que aquí ocupa el centro del asiento.

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BUSQUETS I JANÉ, Joan (Barcelona, 1874 – 1949). Conjunto de comedor. Lote 34002784

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BUSQUETS I JANÉ, Joan (Barcelona, 1874 – 1949).
Conjunto de comedor. Las sillas se entregan tapizadas en blanco, porque sólo hay dos tapizadas.
Medidas: 96,5 x 43 x 52 cm (sillas); 280 x 207 x 61 cm (aparador grande); 77 x 132 x 55 cm (aparador pequeño); 79 x 170 x 115 cm (mesa).

Creado por uno de los grandes del modernismo catalán, este juego de comedor se caracteriza por sus líneas fluidas y orgánicas y por las delicadas y preciosistas tallas florales. Consta de una mesa de comedor con seis sillas, más dos aparadores, uno más pequeño y otro mayor. La mesa presenta un diseño sobrio, que no recarga el conjunto, caracterizado por las líneas típicamente orgánicas del modernismo catalán, fluidas, que unifican visualmente su estructura. Consta de un tablero rectangular de ángulos curvos, cubierto por un chapeado de madera clara con los bordes biselados. Las patas son levemente curvadas, y terminan en pies lobulados que recuerdan a un tallo. La cintura de la mesa está decorada con tallas de poco relieve, representando líneas sinuosas inspiradas en las ondas del agua.
Las sillas siguen un lenguaje similar al de la mesa, a base de expresivas líneas sinuosas y molduras que recuerdan al mundo natural. Constan de cintura trapezoidal, patas traseras de sable y frontales inspiradas en la cabriolé, aunque de formas más depuradas. El respaldo cuenta con pala tapizada y laterales abiertos.
El aparador de menor tamaño consta de un cuerpo de volúmenes rotundos, con las esquinas frontales decoradas con volúmenes en relieve que remiten directamente a la pata cabriolé, reinterpretada en clave modernista, con tallas florales y formas que insinúan tallos sinuosos. La zona inferior queda abierta, con un tablero de mármol, y la superior se organiza en dos registros, con puertas abajo y cajones arriba.las puertas están decoradas con tallas florales de gran naturalismo, siempre dentro del gusto por lo orgánico propio del modernismo, en una composición que juega con la sutil asimetría. Los cajones superiores son más desornamentados, y muestran sólo un cajeado que perfila su perímetro siguiendo el acento en la sinuosidad propio de todo el conjunto. Sobre el tablero superior, también de mármol, se sitúa un fondo de espejo rematado por un copete tallado que aúna la inspiración rococó con el gusto modernista. Delante del espejo vemos dos estantes, uno menor volado, sobre ménsulas, y otro superior más grande con patas talladas, de nuevo aprovechando la sinuosidad de la cabriolé para trazar formas netamente orgánicas.
El aparador más grande consta de dos cuerpos, el inferior con tres calles, la central destacada en planta, y la superior a modo de vitrina, con un hueco inferior de expresivo perfil curvo. El cuerpo inferior consta de dos puertas laterales y una central, esta última con un cajón en la parte superior, y su diseño se basa en el mismo esquema que veíamos en el aparador pequeño, aunque con un mayor desarrollo ornamental.

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DUMAIGE, Henry Étienne (Francia, 1830 – 1888). Lote

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DUMAIGE, Henry Étienne (Francia, 1830 – 1888).
Guarnición Napoleón III, 1880.
Bronce y mármol.
Reloj firmado y fechado.
Falta la maquinaria del reloj.
El mismo modelo se remató en 35.235$ en Christie’s en marzo de 2012.
Medidas: 75 x 55 x 28 cm (reloj); 96 cm de altura de los candelabros.

Guarnición de chimenea de estilo Napoleón III, realizada enteramente en bronce y mármol, con esculturas clásicas de Henry Étienne Dumaige. Las figuras, representaciones de ninfas de gran clasicismo, aparecen sobre basamentos escalonados que combinan el mármol y el bronce, y que en el caso de la pieza central alberga la caja del reloj, que queda flanqueada por aletones de inspiración palladiana. El reloj presenta numeración romana en bronce, aplicada, y agujas caladas de inspiración barroca, típicas de la época. Los candelabros toman la forma de las figuras sosteniendo el cuerpo de luces; no se trata de una figura que se adapta a la estructura, sino que ella misma la compone, un rasgo estético anticlásico que también veíamos en el manierismo, y que en este caso obedece a la fantasía y el gusto por la representación realista propios del historicismo del siglo XIX. Así, las ninfas sostienen en alto el cuerpo de luces, formado por seis brazos sinuosos, en forma de tornapunta de la que parten ramales vegetales, rematados por mecheros en forma de vaso clásico con decoraciones vegetales en la subcopa, y situados en torno a un fuste central terminado en un complejo remate.
Activo desde mediados del siglo XIX, el escultor francés Henry Étienne Dumaige realizó principalmente esculturas de pequeño y mediano formato, la mayor parte de ellas en bronce, tanto exentas como formando parte de piezas ornamentales (relojes, vasos, candelabros, etc.). Sus temas abordan un amplio abanico, si bien prefirió siempre los tomados de la mitología grecolatina. También realizó retratos de personajes de la época e históricos, temas de costumbres, etc. Considerado entre los más importantes escultores de su época, Dumaige expuso su obra en el Salón de París entre 1863 y 1886, y actualmente está representado en el Museo de la Revolución Francesa, el Bonaparte y otras colecciones, tanto públicas como privadas.

 

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Reloj ROGER DUBUIS. Horloger Genevois para caballero, n. 05/28. Lote 34002630

LOTE EN SUBASTA

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Reloj ROGER DUBUIS. Horloger Genevois para caballero, n. 05/28.
Caja en oro de 18 kts. Esfera cuadrada en color blanco con numeración arábiga y agujas tipo luminous en azul cobalto. Caja rectangular con corona estriada a las 3h. Maquinaria vista al dorso. Correa de piel en color negro con cierre de hebilla. Movimiento automático. En estado de marcha. Se acompaña de estuche.
Medidas: 51 x 45 mm (caja).

La compañía de relojes Roger Dubuis fue fundada en 1995, a partir de la asociación del maestro relojero Roger Dubuis y el diseñador Carlos Dias. En pocos años esta marca de relojes ha alcanzado la cima en la alta relojería con diseños innovadores, vanguardistas y de gran calidad.

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