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Iconografía de los santos – Pequeña guía

Guía iconográfica de los santos

La iconografía es, sin duda, una de las ramas más interesantes de la historia del arte: etimológicamente referida al lenguaje de los iconos, sin ella no podríamos distinguir quién está representado en una obra, especialmente cuando se trata de obras medievales, renacentistas o barrocas. A menudo las figuras son reconocibles por los atributos u objetos que las acompañan, que para el ojo atento indican inequívocamente quiénes son.

Con el fin de ayudar a nuestros clientes y aficionados a comprender mejor a los personajes de nuestras obras, le facilitamos esta pequeña guía para construir una opinión crítica.

 

 

San Esteban fue un diácono y protomártir de la iglesia cristiana, condenado a morir apedreado por blasfemia. Su iconografía lo representa en el transcurso de su condena. En ocasiones, simplemente lo retrata sosteniendo piedras o con una palma, ambas alusiones al martirio.

Para la iglesia cristiana, Santa Cecilia es la patrona de la música, los instrumentistas y los cantantes, curiosamente, por un error de traducción del latín. Sus atributos suelen ser las partituras y los pequeños instrumentos musicales, siendo el órgano el más representado.

 

San Lorenzo fue de los santos “favoritos” en las representaciones pictóricas. Según la tradición cristiana, fue condenado a un martirio atroz: el joven fue quemado lentamente en la parrilla.

Así que sus atributos infalibles son las brasas, la parrilla y sus rasgos juveniles imberbes. También suele ir acompañado de un monedero, ya que se dice que distribuía el tesoro de la iglesia a los pobres. Es famosa la frase que se dice que pronunció sobre las brasas, inamovible por el sufrimiento: “Por aquí me han asado, dadme la vuelta”.

San Jerónimo puede presumir de ser uno de los temas sagrados más populares para los artistas, cuyos innumerables atributos lo hacen extremadamente fácil de reconocer. Llevó su vida como anacoreta (y por eso se le retrata en el desierto) dedicándose a la traducción y transcripción de las Escrituras Sagradas (los libros son imprescindibles en las representaciones). El león es, probablemente, su atributo más conocido. Generalmente se le representa como “San Jerónimo penitente”: delgado, con una larga barba y sólo un paño puesto. Otras veces es inmortalizado golpeándose el pecho con piedras. A menudo se le ve acompañado de una calavera -símbolo del memento mori- y del hábito cardenalicio (aunque decididamente anacrónico).

 

 

 

San Francisco, de origen noble, optó por renunciar a todas sus riquezas terrenales para dárselas a los más necesitados. Tiene muchos atributos: el hábito franciscano, que alude a la orden monástica que fundó; el crucifijo y el cordón del hábito (a menudo representado con tres nudos, como los tres votos emitidos por el santo) o los estigmas en las manos y los pies. Su actitud, humilde y penitente, también es un rasgo identificativo.

San Juan Bautista, tras un periodo de anacoresis, comiendo sólo miel y langostas, abrazó el camino de la predicación e instituyó el sacramento del bautismo a orillas del río Jordán. Su atributo más recurrente es una cruz muy delgada hecha de varas y cañas y, a veces, se le representa vestido con pieles. A su lado hay siempre un cordero, en alusión alegórica a la pasión de Cristo, al sacrificio del agnus Dei.

 

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Algunas facetas de Dalí: pulsión erótica, el Quijote y la física cuántica.

Algunas facetas de Salvador Dalí: pulsión erótica, el Quijote y la física cuántica

En numerosas ocasiones, Salvador Dalí declaró que el erotismo era cosa divina, indisociable del misticismo, dado que Eros era un dios. El genio del Ampurdán se sumergió sin miedo en el reino de las pulsiones eróticas y en los traumas edípicos en ellas implicados.

Uno de los dibujos de Dalí que Setdart reúne en sus subastas en curso contiene varios bocetos de contenido erótico, mostrando secciones anatómicas, masturbaciones, figuras masculinas emparentadas con los sátiros griegos y formas femeninas metamorfoseándose en gallinas. En el mismo papel, el lugar central lo ocupa un estudio preparatorio del cuadro “Naturaleza muerta viviente” (1956, conservado en el Museo Salvador Dalí de Florida). Aparecen ya en este boceto muchos elementos que estarán presentes en la tela definitiva: una serie de objetos (botellas, cuchillos, frutas o esferas) levitando sobre una mesa, moviéndose a su antojo o según la interpretación de Dalí de las leyes atómicas según estaban siendo formuladas por la física cuántica, que tanto fascinaron al pintor surrealista. Dalí denominó “misticismo nuclear” a esta investigación plástica

Dalí, en una de sus "performances",
dali

Esta obra (lote 35148668, “Etudeper le tableau Nature morte vivante et croquis éroques”, ca.1956) adjunta certificado expedido por Archives Descharnes, y presenta el sello de la colección Perrot-More, cuyo propietario John Peter Moore, fue el secretario personal de Salvador Dalí, que trabajó junto al artista desde 1960 hasta 1974.

Otro tema que apasionó a Dalí fue la figura del Quijote, con cuya locura hasta cierto punto quiso identificarse. Su fascinación con el Ingenioso Hidalgo quedó materializada en los abundantes dibujos, ilustraciones, grabados y esculturas que el artista dedicó al personaje de Cervantes.

Los otros dos lotes que Setdart licita de Dalí en próximas subastas son, precisamente, dibujos que realizó del Caballero de la Triste Figura: uno de ellos es un dibujo original de Dalí, firmado y dedicado, en la portada de una edición neoyorquina de El Quijote, publicada en 1949 e ilustrada por el genio ampurdanés (núm. 35251422). El otro, es un dibujo a tinta (“Pour la verité”, 1972, núm. 35266235), certificado por Descharnes en 1983, en el que, como es común en muchas caracterizaciones dalinianas del Caballero Andante, la figura es un remolino de formas ágiles y agitadas.

Según declaraciones del propio Dalí, cuando en 1945 emprendió el cuerpo formado por 38 dibujos y acuarelas para ilustrar la primera parte del texto de Cervantes, lo hizo influido por el consejo de su padre, quien le había asegurado que “el Quijote era una obra en la que las facultades podrán sobresalir fácilmente”. El original de aquel primer ejemplar se conserva en el Teatro-Museo Dalí de Figueras.

Del idilio de Dalí con el Quijote nació una obra singular que fue un sincero homenaje, pero también un auténtico revulsivo para el legado de Cervantes, invitándonos a releerlo con otros ojos, contando para ello con un Quijote que ya no se paseaba por áridos paisajes manchegos sino por húmedas costas ampurdanesas.

LOTES EN SUBASTA

Lote: 35251422. SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 – 1989).
"Don Quijote de la Mancha
Lote: 35251422. SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 – 1989). "Don Quijote de la Mancha
Lote: 35266235.  SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 – 1989).
“Pour la verité”, 1972.
Lote: 35266235. SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 – 1989). “Pour la verité”, 1972.
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Antoni Clavé: un hito en la historia de los carteles cinematográficos

Durante el periodo de la Segunda República el cartelismo vivió una época dorada de la mano de Antoni Clavé. Los carteles cinematográficos que el artista catalan realizó ente 1833 y 1835 representan uno de los mayores hitos  de las vanguardias nacionales e internacionales en este ámbito. Prueba de ello, es el cartel original realizado para la película ” La ninfa constante”. El mismísimo  gouache  de más de dos metros que lució hace ya más de 80 años en el vestíbulo del  mítico cine Capitol de la ciudad condal anunciando el estreno del film, será licitado en nuestra subasta de arte contemporáneo del próximo día 27 de julio

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Grandes formatos en la pintura de Javier Mariscal

Javier Mariscal entró a formar parte de nuestro imaginario cultural y popular gracias a Cobi, la icónica mascota que nos acompañó en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Sin embargo, la dimensión artística del que es  uno de los personajes más carismáticos de la cultura contemporánea española, va mucho más allá de este simpático perro cuyo diseño se convirtió en el más rentable de la historia de las Olimpiadas. Despojados de esta visión simplista, descubrimos una obra sorprendente en la que, entre múltiples disciplinas, técnicas y soportes Mariscal ha construido una identidad artística  tan singular como reconocible.

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Andy Warhol y su inseparable Polaroid

“Lo mejor de una foto es que nunca cambia, incluso cuando la gente que aparece en ella lo hace” Andy Warhol.

El rey de pop art por antonomasia, Andy Warhol, se anticipó varias décadas con sus célebres polaroids al estallido de las redes sociales, que, como Instagram, se han convertido en un verdadero  símbolo de nuestra era. Del mismo modo, Warhol convirtió sus icónicos retratos en un valioso relato  del  entorno social que le acompañó a lo largo de su trayectoria, inmortalizando con su inseparable cámara Polaroid a las estrellas más rutilantes del momento. Este es el caso de la fotografía (35175118) que el próximo día 5 de julio  presentamos en nuestra subasta, donde Warhol logra capturar la esencia de la madurez de una de las  grandes leyendas de la pantalla del cine clásico de Hollywood como fue Lana Turner

La relevancia de la faceta como fotógrafo de Warhol dentro del desarrollo de su personalidad artística es del todo indudable tal y como demuestran las más de 100.000 instantáneas  que realizó a lo largo de su trayectoria. Su idilio con la fotografía se inicia hacia 1962 cuando el artista  adquiere su primera cámara Polaroid Big Shot. Fascinado por  las ventajas que la fotografía al instante le ofrecía, Warhol empezó a registrar casi de forma obsesiva todo aquello que le rodeaba, ya fueran objetos cotidianos, disturbios raciales, o los rostros de los  personajes más célebres del momento. Desde entonces, utilizó su cámara como si de un trabajo preparatorio se tratara, siendo, como el mismo afirmó, su particular lápiz y papel con el que dio luz a  gran parte de su corpus artístico. De este modo, su Polaroid pasó a ser una herramienta fundamental en el proceso de realización de una obra posterior que a menudo convertía en serigrafia. De hecho, algunas de ellas, como la de Marilyn Monroe, han pasado a la historia del arte contemporáneo como  verdaderos iconos  que ya forman parte de nuestro  imaginario cultural  .

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Curiosidades sobre José Guerrero.

José Guerrero se ha consolidado como  uno de los referentes fundamentales  de la pintura contemporánea española. Su trayectoria, tan intensa como personal, nos demuestra la incesante experimentación y  continua evoluciónde  un artista  que, incluso poco tiempo antes de su muerte, siguió creando con la misma entrega, con la que logró alcanzar un  éxito y reconocimiento rotundo en los Estados Unidos.

Su tierra de origen  , su vínculo con Federico García Lorca o su  aventura estadounidense, son solo algunos de los hechos que marcaron  profundamente el devenir  de una trayectoria profesional, íntimamente ligada a sus experiencias vitales. Tras más de seis décadas dedicadas al arte, son incontables los acontecimientos, curiosidades y anécdotas a través de las cuales podemos descubrir la verdadera dimensión artística de José Guerrero

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Las meninas de Velázquez protagonistas del Arte Urban

El Ayuntamiento de Madrid ha ubicado 80 meninas en algunos de los lugares públicos más importantes de la ciudad y de mayor afluencia. Estas meninas fueron ideadas por el diseñador y pionero del arte urbano, el venezolano Antonio Azzato en color blanco lavable para que puedan ser repintadas con libertad creativa. Miden 1,80 metros de alto, 1,60 de fondo, pesan 30 kilos y se posan sobre peanas de 200 kilos.

“Nuestro Velázquez tenía que estar más en la calle”, argumentó recientemente la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena.

Hablamos con el impulsor de la iniciativa Antonio Azzato, artista multidisciplinar y con piezas en subasta en Setdart.com, sobre la acción cultural y en la que Setdart tendrá presencia subastando algunas de las meninas una vez finalice la exposición. 

 

El cantante español Alejandro Sanz, los diseñadores de moda Lorenzo Caprile, Agatha Ruiz de la Prada y Vicky Martín Berrocal, el actor Jordi Mollá, el torero Enrique Ponce y el cantante venezolano Carlos Baute son algunos de los que han “reinventado” de forma desinteresada las meninas a partir de una pregunta: “¿Qué es Madrid para ti?”
Algunas de sus creaciones se subastarán en nuestro portal web al término de la exposición, en el mes de julio, y los beneficios se entregarán a organizaciones sin ánimo de lucro como las fundaciones Aladina (niños con cáncer), Creáte (educación) y Alenta (discapacitados intelectuales)

 

 Setdart Madrid con el artista Antonio Azzato

Dirección de Setdart Madrid con los artistas Antonio Azzato, impulsor de la inciativa, y amigo de la casa, igual que Rafael Canogar.

Pedro Sandoval ,artista colaborador con piezas en subasta actualmente, acompañado de Blanca Thyssen, entre otras, escoltadas por dos de las meninas.

Pedro Sandoval ,artista colaborador con piezas en subasta actualmente, acompañado de Blanca Thyssen, entre otras, escoltadas por dos de las meninas.

La actriz Marta Haza

La actriz Marta Hazas, creadora de una de las meninas expuestas, atendiendo a los medios.

arte contemporaneo
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Setdart subasta “Bachcantata” de Victor Mira.

Durante este mes de Abril hasta el día 9  de abril, Setdart presenta en subasta en su portal web www.setdart.com una obra del escultor, pintor, grabador y escritor, Víctor Mira.

 

arte contemporaneo

Su formación fue básicamente autodidacta. Fue un artista de tormentosa agitación existencial, lo que dio a sus pinturas una gran intensidad . Son célebres sus estilitas solitarios y sus crucifixiones, fruto del tormento que vivió. Huyó de la felicidad por considerarla estéril, que hizo del dolor una filosofía de vida y una fuente de inspiración. Se emocionan al contemplar su obra porque es su propia alma la que están viendo: la soledad, el calvario interior, el dolor y la muerte como lo único cierto e inevitable.

Considerado por la crítica internacional como uno de los grandes creadores del arte español de las últimas décadas del siglo XX en sus distintas facetas como pintor, escultor, fotógrafo, ceramista o escritor, fue galardonado en 2003 como Mejor Artista español vivo en la Feria de Arco.

Se conservan obras de Mira en museos y colecciones privadas de todo el mundo, destacando el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, los de Bellas Artes de Vitoria y Zaragoza, la Fundación Beulas, en Huesca, y el Museo Colecciones ICO, en Madrid, entre otros.

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¿Podemos considerar como arte una partida de billar? Equipo Crónica contesta.

El Equipo Crónica realiza en 1977 una serie de obras con las técnicas del “assemblage” y encolado, agrupadas bajo el título “La partida de billar”, que responden a la voluntad de elevar a la categoría de arte los objetos más simples y cotidianos. Se trata de obras que reflexionan, justamente, sobre si el objeto artístico tiene o no alguna característica intrínseca que lo hace especial y lo diferencia de los objetos de la vida diaria, en consonancia con las investigaciones de artistas como el americano Joseph Kosuthque en 1965 había creado la emblemática pieza “One and threechairs”. La serie fue expuesta en Barcelona, en la galería Maeght, y supuso la resolución de la crisis creativa en la que el Equipo había entrado en 1973, reforzando su personalidad artística.

equipo cronica, arte contemporaneo

EQUIPO CRÓNICA (Valencia, 1964 – 1981).“Gris campeón”

 

 

A mediados de los años 60 empiezan  a despuntar en el gris panorama cultural de la España franquista algunas iniciativas artísticas que luchan contra las restricciones impuestas por la dictadura y conectan con el contexto creativo europeo, reintroduciendo al país en el ámbito internacional. En 1964 se celebra en Rímini la exposición España libre, que se convierte en punto de encuentro entre artistas como Manolo Valdés, Rafael Solbes, Eduardo Arroyo, Rafael Canogar, Antoni Clavé, Antonio Saura o Antoni Tàpies, todos ellos miembros de la vanguardia más radical. De aquel punto de confluencia surgirían dos grupos de artistas: “Estampa popular”primero, decididamente antifranquista, con un marcado ideario político y reivindicativo, y,derivado de él, “El Equipo Crónica o Crónicas de la Realidad”. Sería el historiador y crítico de arte Tomás Llorens Serra quien dotaría de trasfondo teórico al grupo en “La distanciación de la Distanciación”. El Equipo Crónica estaría integrado en un principio por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo, que en 1965 firman un manifiesto donde afirman trabajar con “métodos colectivos y fines supraindividuales”. Aunque Juan Antonio Toledo abandonaría El Equipo muy pronto, en 1966, Valdés y Solbes continuarían trabajando de forma conjunta, acabando con la noción romántica de artista individualista y genial, surgida en el siglo XIX.

 

Su voluntad de lucha política y social hará que renuncien al informalismo imperante en el contexto artístico español de posguerra a favor de un lenguaje claro, figurativo y directo, inspirado en el Pop Art y en los mass-media. Se trata de hacer llegar al público un mensaje claro, crítico, ácido, irónico, casi siempre con un toque de humor… aunque sea de humor negro. Se trata, en definitiva, de denunciar la situación política, de criticar el supuesto aperturismo social que ha llenado nuestras playas de turistas ligeros de ropa y la supuesta transformación económica de España. El Equipo busca también revisar y desmitificar la “grandiosa” historia de España, tanto política como artística, y lo harán revisitando a los “clásicos”. Las Meninas de Velázquez, El caballero de la mano en el pecho de El Greco o La duquesa de Alba de Goya viajan desde tiempos pasados para introducirse en la cotidianeidad del momento, y aparecen así rodeadas de tumbonas y flotadores en forma de patito, cortando una cinta ante el sol del Imperio, tras un escritorio a modo de juez o entre lavadoras y ollas exprés.

 

 

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El Maresme de Gina Portera en subasta

Dejar la ciudad e instalarse en un pueblo costero, en el Maresme, dejó mella en la pintura de Gina Pórtera. Paisajes abiertos, la luz mediterránea, el reencuentro con uno mismo en contacto con la naturaleza, eso sí, una naturaleza transmutada por la fuerza el subconsciente, son aspectos comunes a su imaginario artístico. De ello nos habla en este video. Escuchémosla:

En subasta una de sus obras más recientes;

Lote: 35149356  (Acceso directo a subasta)

PÓRTERA, Gina (Barcelona, 1963).
“Arenas blancas”.

gina portera
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Los lenguajes artísticos de Andrea Revesz

Para Andrea Domenech Revesz su estadía en residencia artística en Asia suposo un antes y un después en su obra creativa. De ello nos habla en este video, en el que explica su interés por reivindicar la corporeidad, lo corporal como leitmotiv, como interficie entre lo íntimo y lo social, lo corpóreo explorado desde las sombras, situándose en la bisagra entre la quietud y el movimiento.
Escuchémosla:

Los lenguajes artísticos de Andrea Revesz from Setdart Subastas on Vimeo.

Este diciembre podemos encontrar en subasta una de sus obras más actuales;

Lote: 35125042

DOMENECH REVESZ, Andrea (Olot, 1983).
Sombra XX.2016.
Acrílicos sobre madera.
Medidas: 100 X 100 X 3,5 cm.

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El poso de la barrica de roble en los bastidores de Nora López

Nora López Millán descubrió por azar una técnica que marcó un punto de inflexión en su pintura, a partir de una mancha de vino caída accidentalmente sobre un lienzo. En este video nos explica sus inicios en la investigación de los sedimentos de la barrica, el estudio de la variedad de tonos, densidades, granos… que podía extraer de los distintos posos. Ha averiguado asimismo el modo de encriptar los colores para que se conserven sin cambios a lo largo del tiempo. Pintar con vino le permite experimentar con la búsqueda de atmósferas, estratos de historias apenas esbozadas.

Para más detalles biográficos enlace directo aquí

 

En subasta encontramos un lote de sus obras más actuales;

35125006

LÓPEZ MILLÁN, Nora (Argentina, 1960). ACCESO DIRECTO A SUBASTA
“Can somebody answer me?”.
Sedimento de vino y acrílico sobre tela.
Medidas: 100 x 73 cm.

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La imagen del recuerdo por Canen García.

En la obra de Canen García (Colombia 1975) se mezclan evocaciones de infancia en su Colombia natal con las reiteradas visitas que sigue dedicando a esas tierras de donde extrae unas luces, unos colores, unos oficios condenados a desaparecer…, unas personas (pescadores, campesinos, vendedores de mazorca…) cuyos rostros acaban abstrayéndose hasta devenir iconos de un tiempo, de un lugar en la memoria, la suya y la compartida. El resultado son composiciones que simulan vitrales, tracerías, bellos craquelados que descomponen y recomponen la imagen del recuerdo.

En el siguiente link (ACCESO DIRECTO AQUÍ) podréis encontrar datos completos biográficos.

Como todas las semanas Setdart es invitado a entrar del taller de unos de los artistas con más proyección en la actualidad para hablar con él sobre su inspiración e inquietudes.

Setdart presenta en subasta parte de su obra.

 

 

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GARCÍA, Canen (Colombia, 1975).
“La vecina”,2014. (LINK DIRECTO A SUBASTA)

canen 34988

 

 

¡Suerte en sus pujas!

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El “Topographic fine art” como denuncia social. Stefanie Herr

Stefanie Herr (Alemania, 1974) recibe a Setdart en su estudio para explicarnos el transfondo de su obra basada en el “Topographic fine art“, del que es pionera, y el relieve fotográfico en sus piezas únicas. Stefanie Herr es licenciada en Arquitectura Superior por la Technische Universität Berlín. Afincada en Barcelona desde 2002, inicia su carrera profesional como arquitecta en los estudios de Alfredo Arribas y Juli Capella. A mediados del 2007 decide entregarse a la creación artística.

 

Sus obras se caracterizan por ser un reflejo del mundo actual, a partir de fotografías reinterpreta datos reales del mercado de valores, como es el caso de su nuevo proyecto, en el que el escultor es el propio mercado ya que trabaja según las fluctuaciones diarias de la bolsa, siendo así una incógnita hasta la última pieza.

Otro de los proyectos por los que más se la reconoce es su manera de interpretar las bandejas de comida típicas de las grandes superficies. En esta hace una denuncia de como la sociedad actual se dirige hacia la mercantilización del mundo tal y como lo conocemos actualmente. Un alto en el camino en el que la artista nos invita a reflexionar hacia donde vamos, para Herr éstas simbolizan una miniatura de como vemos a los animales y la naturaleza bajo el control del ser humano.

 

LOTE  35124770 (ENLACE DIRECTO)

HERR, Stefanie (Alemania, 1974).
Alcampo · Grassy Patch (2012)
Relieve fotografico, pieza única, cortada y ensamblada a mano.
Impresión tintas pigmentadas sobre Hahnemühle Photo Rag Pearl, cartón de conservación 2mm, adhesivos.

polloEscribe Elina Norandi, comisaria, crítica de arte y profesora de Historia del Arte, sobre la obra de Stefanie Herr: “original propuesta técnica y de hibridización de medios artísticos que la dotan de gran fuerza visual, al tiempo que elabora un discurso donde se cuestionan y subvierten géneros tradicionales de nuestra historia del arte como la naturaleza muerta o el desnudo, para proponernos una interesante reflexión crítica sobre la sociedad de consumo y la mercantilización de los cuerpos”.

En subasta hasta el 20 de Julio. ¡Hagan sus pujas!

 

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SETDART EN IBIZA

Setdart Subastas anuncia su presencia en ibiza a través de la colaboración con Jorge Alcolea en su galería de arte Jorge Alcolea Ibiza.

Con una consolidada trayectoria artística que se extiende desde 1989 hasta el presente, la galería Jorge Alcolea ha estado siempre al servicio de la mejor pintura contemporánea y esto es una razón de más para entender la relación que empieza entre Jorge Alcolea y Setdart Subastas.El tándem Jorge Alcolea/Setdart ofrece grandes posibilidades a coleccionistas e interesados en el apasionante mundo del Arte y el coleccionismo, complementándose y abriendo nuevas posibilidades para el cliente comprador y vendedor.

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En la galería  la mejor pintura y fotografía contemporánea se reúne en este espacio que promete convertirse en un punto de referencia en la isla pitiusa y además ofrecerá como agente de Setdart un servicio de asesoramiento si está interesado en vender alguna pieza de su colección. Nuestros expertos le guiarán en todo el proceso siempre de la manera más profesional y clara.

Conózcanos en Jorge Alcolea Ibiza, Ctra. Del Aeropuerto 46-48, Sant Jordi,  y en www.setdart.com

La inauguración se celebró el pasado 11 de Octubre en Ibiza donde prestigiosos artistas de pintura y fotografía, entre otras corrientes artísticas,  se acercaron a conocer este nuevo espacio que fue todo un éxito gracias, entre otras cosas, a Global Radio Ibiza, que se encargó de amenizar la velada.

 

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Ibiza Global Radio entrevistando en directo a Jorge Alcolea y al prestigioso fotógrafo, Toni Riera.

 

ibizaCuriosos y amigos de Jorge Alcolea Ibiza y Setdart Subastas se acercaron a la inauguración.

 

 

¡Os esperamos a todos en Setdart.com y en Jorge Alcolea Ibiza!

 

Luis Gordillo
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Luis Gordillo en Artium, Vitoria-Gasteiz

Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
presenta la exposición Luis Gordillo XXL/XXI

 

Luis Gordillo

Parque Jurásico. Luis Gordillo 2009

  • Gordillo es una figura esencial de la pintura española y uno de los artistas de mayor proyección internacional.
  • El título de la muestra hace referencia tanto a las dimensiones de las obras presentadas como al hecho de que sean de producción reciente, del siglo XXI.
  • La exposición de Gordillo forma parte, junto con Xuxurlaka, de Juan Mieg, del programa En Paralelo, con el que Artium se rinde al poder de la pintura contemporánea.

 

Luis Gordillo XXL/XXI Pinturas recientes
Director del proyecto: Enrique Martínez Goikoetxea
Desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014
Más información

Luis Gordillo

No te miro no te veo. Luis Gordillo 2010

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo presenta la exposiciónLuis Gordillo XXL/XXI (Sala Norte, desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014), en la que el artista sevillano, figura esencial de la pintura española contemporánea, presenta una selección de las obras en las que ha trabajado en los últimos años. El título de la exposición hace referencia tanto a la dimensión de las pinturas, en general de gran formato, como al hecho de que todas ellas hayan sido realizadas en los últimos años, dentro del siglo XXI.

En total se trata de cerca de 40 obras –algunas de ellas constituyen series que se presentan como una unidad- que, unidas al montaje de la exposición, tratan de trasladar al museo la imagen caleidoscópica del taller de Gordillo. Luis Gordillo XXL/XXI forma parte junto con la exposición Juan Mieg. Xuxurlaka del programa En Paralelo, con el que el Centro-Museo trata de hacer coincidir en el tiempo y en el espacio a dos autores que han desarrollado un significativo trabajo en el “paraíso perdido” de la pintura. Es una producción de Artium y cuenta con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava y del Gobierno Vasco.

La exposición Luis Gordillo XXL/XXI muestra en las salas de Artium la copiosa fecundidad creativa del autor sevillano. La exposición, cuya selección de obra y articulación ha estado planteada por el propio artista, se gestó un año y medio antes de la fecha de inauguración, durante una visita al estudio del artista. En ese lugar se conformó la estructura básica del proyecto, cuya pretensión podría resumirse en la idea de trasladar la imagen caleidoscópica de su taller al espacio de exposición, es decir, en presentar el trabajo del Gordillo menos mediatizado o influenciado por otros intereses que no sean los propios de la experiencia estética, de su realidad creativa actual. En líneas generales, la selección de obra se ha realizado entre aquellas piezas de su última producción, incidiendo en grandes formatos y aquellas series en las que se encuentra investigando actualmente, dos tipos de obras con una fuerte presencia en su proceso de trabajo.

 


Además…

Juan Mieg. Xuxurlaka
Pinturas recientes
Director del proyecto: Enrique Martínez Goikoetxea
Sala Norte, desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014
Catálogo de la exposición, con textos de Jaime Cuenca, Santiago Arcediano y Enrique Martínez Goikoetxea
Más información

Jaume PLENSA
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Jaume PLENSA (Barcelona, 1955)

Jaume PLENSALote en subasta:

PLENSA, Jaume (Barcelona, 1955).
Sin título.
Pintura y papel de seda sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior izquierdo.
Adjunta certificado de autenticidad, emitido por el artista.
Medidas: 100 x 50 cm; 124 x 75 cm (marco).

 
En esta obra Plensa parece ilustrar su idea de buscar lo complejo, no lo complicado. La estructura no podría ser más sencilla, y se organiza de forma clara y ordenada, unitaria, como un todo compuesto por muchas pequeñas cosas. Sobre este esquema, sin enmascararlo u ocultarlo, el color, el trazo y las arrugas propias del papel de seda –tratadas en sí mismas como pinceladas-, construyen un universo puramente pictórico de emoción contenida, de vida bullente pero a la vez silenciosa, un espacio autónomo, con sus luces y sus sombras imposibles, en el que incluso aparecen las letras que tan presentes están en el discurso artístico de Plensa.

Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en la Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambas en Barcelona. Destacó en la escultura, el dibujo y el grabado. Su obra tiene como eje central la relación del hombre con su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente reside en París, y recientemente ha sido distinguido con el título de Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.  Plensa inició su carrera trabajando el hierro forjado mezclado con poliéster.  Entre 1983 y 1984 empezó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó paulatinamente, llegando a ser considerado actualmente precursor del neoexpresionismo español.

En los noventa introdujo modificaciones en su obra tanto en lo material como en lo formal, y empezó a utilizar materias diversas como los desechos metálicos, el poliéster o las resinas. En estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dotar al espacio de un absoluto protagonismo. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, al reinterpretar junto a “La Fura dels Baus” cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario un montaje teatral contemporáneo, “La pareti della solitudine”, de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas por todo el mundo, entre las que destaca la retrospectiva celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en el año 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra “Breathing”, monumento dedicado a los periodistas muertos en el ejercicio de su profesión.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, otorgada por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, además de en los principales museos de Europa y estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti en Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

 

ACCEDE A LA SUBASTA
Oscar SECO
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Oscar SECO (Madrid, 1964). “I need a new job 4”.

Oscar SECO

Lote en subasta:

SECO, Oscar (Madrid, 1964).
“I need a new job 4”, 2003 (serie: “The Earth Remains”).
Acrílico sobre tela.
Se emitirá certificado de autenticidad a petición del comprador. 
Medidas: 81 x 100 cm.

 

Oscar Seco se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Inició su meteórica carrera expositiva en 1984, exponiendo aquel año en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, en el Círculo de Bellas Artes, Sala Amadís y Galería Aldaba. Desde 1998 ha participado en las ediciones anuales de ARCO, con la galería Seiquer de Madrid. Ha expuesto por todo el mundo y se han editado numerosos catálogos de su obra. Está representado en importantes colecciones. Entre sus últimas individuales citamos las celebradas en 2013 (Galeria Vuelapluma y Galería Blanca Soto de Madrid, Galeria Trinta de Santiago De Compostela), 2012 (Galeria La lisa de Albacete, Centro Cultural de las cigarreras de Alicante), 2011 (Galeria Matthias Hauser.La Coruña), 2010 (Galeria Cmtv. Barcelona), galería Ferran Cano (2000-2008)… Ha participado en numerosas colectivas, entre las últimas: Museo Lazaro Galdiano.Madrid (2013); Matadero y Twin Gallery de Madrid, Crypt Gallery de Londres (2012); Instituto Cervantes De Chicago; Biblioteca Navional De Portugal.Lisboa; Galeria Fernando Pradilla.Madrid; Palacio De Don Manuel.Evora; Freies Museum.Berlin (2011); Art Chicago.Galeria Ferran Cano 2010… Ha sido premiado en reiteradas ocasiones: I Premio Caja España (por “The Earth Remains”), Premio de Pintura Jesús Bárcenas (2010); Fundación Wellington (2002), II Bienal Rafael Boti… Está representado en colecciones públicas y privadas de toda España: Museo Reina Sofía, Colección Arte y Patrimonio, Ayuntamiento de Madrid, Caja España, La Caixa… Oscar Seco sintetiza en imágenes la morbosidad mediática por predicar hecatombes. La lectura intertextual se apoya en la convivencia de estéticas dispares, desde el cartelismo propagandista de entreguerras hasta los carteles de cine de serie B, desde las historietas de Winsor McCay hasta alusiones al cine de animación más sofisticado. Estructuras moleculares y circuitos electrónicos apuntan a rizomas narrativos a favor de la confluencia de memorias artificiales, biológicas, históricas y míticas. La historia del arte se imbrica con la cultura popular en todos sus géneros. Lemas de gran carga connotativa puntean las series, como la queja “I need a new job” expresada por superhéroes ante empresas fallidas.

 

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SANZ, Ricardo (San Sebastián, 1957). Lote 33003386

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SANZ, Ricardo (San Sebastián, 1957).
“Flamencas al alba”.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior izquierdo.
Medidas: 130 x 162 cm; 160,5 x 192 cm (marco).

Ricardo Sanz es uno de los pintores contemporáneos de lenguaje figurativo de tradición realista más reconocidos. Su obra abarca diversas temáticas, desde el retrato (incluyendo algunos realizados a la familia real española) hasta el paisaje, pasando por todo tipo de temas de figura.
Es considerado un exponente del luminismo en la tradición de Sorolla, si bien su obra refleja también influencias de los maestros clásicos, así como de retratistas de renombre como John Singer Sargent. A lo largo de su carrera ha sido galardonado con importantes premios, como el Nacional de Cultura Viva, el de la Fundación Goya o la Medalla Paul Harris de la Fundación Rotary International.
Sanz procede de una familia estrechamente ligada al mundo del arte; su abuelo fue galerista, propietario de la sala La Perfecta, y amigo de destacados artistas de la época como Sorolla, Zuloaga o Vázquez Díaz. Inició su formación con José Camps a los catorce años, y seguidamente se licenció en Historia en la Universidad de Deusto y también estudió Historia del Arte. Posteriormente amplió su formación en París e Italia, teniendo como maestros a destacados pintores de la época. Finalmente fija su residencia en Madrid, donde vive y tiene su estudio desde 1980. Mantuvo siempre, no obstante, su vinculación con su San Sebastián natal, donde pasa largas temporadas.
Durante la década de los 80 su obra irá siendo cada vez más reconocida, especialmente entre destacados personajes del mundo de la cultura, la política y la aristocracia. De hecho, fue el primer pintor oficial de los Príncipes de Asturias. A día de hoy trabaja con las galerías Echeberria (Madrid y San Sebastián) y Sokoa (Madrid). El Ricardo Sanz de los ochenta y los noventa, el pintor que se instala en Madrid, se nutre de clásicos como Velázquez, Van Dyck o Rembrandt, además de la pintura del siglo XIX y la escuela española. Al mismo tiempo, conoce a los grandes pintores figurativos y retratistas del momento, como Félix Revello de Toro, Ricardo Macarrón, Joaquim Torrents Lladó o Vicente Maeso, lo que le sirvió para enriquecer su espíritu artístico y sus conocimientos al más alto nivel de la pintura figurativa.
Su paleta se hace más fuerte y colorista, y su obra madura con un aire moderno y renovador, con un lenguaje en el que se combinan composiciones exquisitas, muy pensadas, con una técnica depurada y un sensible dominio del color y de la luz. Imprime a sus obras una pincelada moderna y personal, que consigue reflejar con maestría los efectos lumínicos, que gozan de gran protagonismo en sus pinturas. En su faceta como retratista, Sanz demuestra intuición psicológica y una pincelada precisa y elegante que dota a su obra de una atmósfera de gran naturalidad.

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Pelayo ZURRÓN (Oviedo, 1982), Lote 33005977

ZURRÓN, Pelayo (Oviedo, 1982).
Serie “El paraíso desnudo”. 2001
Fotografía.
Tintas pigmentadas Vivera Hp aplicadas mediante Plotter Hp Z 3200 sobre papel algodón Canson Raw Photographique 310.
Montada sobre Dibond con bastidor de aluminio para separarla 3 cm del fondo.
Medidas: 100 x 70 cm.

Pelayo Zurrón se formó como técnico superior de Imagen (IES Rodríguez Fabrés, Salamanca, 2006) y Sonido (CIDISI, 2004), así como en la realización de documentales de naturaleza.
Entre sus exposiciones individuales destacamos las celebradas en la Sala de Exposiciones Edificio Asturias de Madrid (2011); en la galería Mediadvanced, Gijón (2010), y en la Sala Espacio Joven de Salamanca (2009). Entre las muestras colectivas destacamos su participación en las Ferias de arte contemporáneo: Arteando, Irún (2012); Art Laren (Holanda, 2012); Subimagen’05 y ’06, Zamora. Próximamente: New Art Paris (2013). Ha sido seleccionado para exponer en EnTijuanArte (México, 2012). Ha sido galardonado con 2º premio “mejor retrato” revista Digital Camera (2007), 1er premio fotografía digital y 1er premio fotografía analógica Subimagen’06. Obra suya figura en las colecciones de la galería Mediadvanced y en la galería “El arte de lo imposible”, Gijón.
“El paraíso desnudo” es un proyecto que se gestó en 2007 y sigue evolucionando con nuevas fotografías que aportan nueva personalidad al proyecto. En palabras del autor, “gira en torno a la realidad y la fantasía, la vida y la muerte, lo temporal y lo infinito”. El artista se pregunta si sabemos reconocer el paraíso cuando esporádicamente lo alcanzamos, si sabemos avanzar hacia él o sólo es capaz de evocar el sentido de pérdida e imposibilidad. En sus fotografías, de gran belleza formal, reconocemos su afinidad con fotógrafos que han aunado con virtuosismo desnudo y naturaleza. Como en la obra de estos maestros, lo onírico confluye con lo somático.

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