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Subasta benéfica a favor de los afectados por el volcán de La Palma.

Setdart acoge en su sede este gran gesto altruista, organizando esta subasta benéfica de la mano de la artista Teresa Unsain el 30 de Noviembre en nuestro portal web.

“El impacto que me produjo la destrucción de las casas y los campos de cultivo por la mole de lava bajando como un río hacia el mar, fue demoledora.Esa fuerza destructiva de la naturaleza determina la pequeñez del ser humano y hace recolocarte como un ser ínfimo en el universo”. Son palabras de la pintora Teresa Unsain, a quien el escalofriante desastre ecológico y humano ha motivado no sólo una inmensa serie pictórica sino también, la generosa iniciativa de organizar una subasta benéfica a favor de los afectados por le volcán de La Palma.

 

Setdart acoge en su sede este gran gesto altruista, organizando esta subasta benéfica online. Muchas de las obras de esta pintora barcelonesa (que actualmente reside en Valencia) han sido realizadas a raíz de la erupción volcánica. Muestran cielos atravesados por descargas eléctricas, o bien horizontes irisándose en inquietantes pero bellas atmósferas ambarinas. Otras, representan al volcán regurgitando lava que avanza como un monstruo informe y silencioso sobre la ciudad dormida. Todas ellas están realizadas con la técnica de la encáustica sobre madera.

 

Completan la subasta otras pinturas de la misma artista que, aunque tratan otros temas urbanos y paisajísticos, comparten ese estilo suyo tan característico e inimitable, con el que nos hace ingresar en un mundo azotado por fuerzas indomables.

Los beneficios de las ventas se destinarán al Cabildo de La Palma, que han habilitado una cuenta específica para los damnificados por el volcán.

Lote: 35278306. TERE UNSAIN (Barcelona, 1952). "Volcan". Encáustica sobre madera.
La artista pintando a Juan de Borbón.

Setdart agradece la confianza depositada por Teresa Unsain, y siente una enorme satisfacción por haber sido la casa de subastas elegida por esta gran artista y no menor persona.

Unsain cuenta en su haber con numerosos reconocimientos y exposiciones internacionales, habiendo mostrado su obra en el MEAM de Barcelona, en la Feria Art Tentationde Mónaco, enel Museum Galerie Rosmolen, en Miami. Ha sido galardonada con Primer premio La Mujer en el realismo del siglo XXI, con el Premio Ynglada Guillot, entre muchos otros.

 

Es ésta una oportunidad especial para los amantes del arte y de las buenas causas.

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El poderoso lirismo de los artistas cubanos Leyva y Mendive.

El poderoso lirismo de los artistas cubanos Leyva y Mendive.

Obra de dos de los artistas cubanos actualmente en activo con mayor prestigio internacional coinciden en la próxima subasta de contemporáneo en Setdart.

De generaciones distintas pero unidos por un franco sentir militante, Alexis Leyva, más conocido como “Kcho” (1970) y Manuel Mendive Hoyo (1944) comparten similar compromiso con sus raíces culturales y con problemáticas candentes en su país, pero también un vivo interés por reactualizar lenguajes y experimentar con materiales y técnicas, lo que los sitúa en la vanguardia del arte. Lo local y lo global se entrelazan en su plástica.

Lote: 35148833. MANUEL MENDIVE HOYO (La Habana, 1944). “El dialogo”, 2003.
Los artsitas Mendive y Leyva (de izq a dcha.)

A Manuel Mendive, su abuelo lo introdujo en el conocimiento de los yorubas, cuya cultura tiene continuidad en Cuba. Continuador del espíritu étnico colectivo, crea un universo con la poesía emanada de las deidades afrocubanas. Tradición y sincretismo le abren mecanismos expresivos que arraigan en la experiencia vital. En “El diálogo” (2003), la pintura que Setdart licita estos días (véase lote 35148833), los referentes autóctonos se funden con el lenguaje formal aprendido en Europa. En ella, siguen apareciendo los personajes del panteón yoruba que inspiraron gran parte de su carrera. Las formas curvas dominan toda la composición, denotando una actividad artística basada en las raíces de un pueblo que, en opinión del pintor, debía recuperar su dignidad. Observamos un juego de perspectivas que se entremezclan con el estilo onírico y surrealista del artista.

Mendive recibió el Premio Internacional en la II Bienal de La Habana, en 1986. En 2001 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Ese año se inscribió dentro de su carrera ascendente como un hito. El jurado acordó por unanimidad concederle tal distinción, lo cual insertaba al artista dentro del grupo de creadores cubanos más relevantes. Mendivecuenta también con la Medalla Alejo Carpentier, y es Caballero de las Artes y las Letras de Francia. Actualmente se conserva obra suya en museos y galerías de Latinoamérica, Rusia, África, Estados Unidos y Europa.

La escuela cubana del siglo XX se caracterizó por acoger las vanguardias europeas y desarrollar, partiendo de esa base, un lenguaje propio. Esta corriente generalizada de artistas formados en Europa, que volvían a Cuba, supuso para el país un gran impulso artístico. Gracias a pintores que fusionaron sus raíces y experiencias, creando así un nuevo lenguaje personal e independiente.

En cuanto a Kcho, fue a partir de la Bienal de la Habana de 1994, y de la Bienal de Venecia de 1999, cuando su obra alcanzó una proyección notable. Por entonces, trabajaba con materiales pobres, reanudando el legado del “povera” italiano pero con un mensaje claramente político.

El mar y los balseros están siempre presentes en la obra de Kcho. La pintura sobre lino que Setdart licita de Kcho(lote 35217597) pertenece a la serie “Bola de Churre”, realizada en 2019.En este óleo de grandes dimensiones, como en sus esculturas e instalaciones, se refiere de modo poético a la topografía cubana y alude al elemento más decisivo de la vida en la isla, el aislamiento marcado por el límite geográfico de la frontera del agua. Su trabajo evoca el viaje marítimo como territorio idóneo para la rememoración y la nostalgia. Kcho reflexiona sobre el fenómeno de la migración, tema a partir del cual realiza sus escenografías sobre el viaje y que hablan sobre la imposibilidad de la huida de nuestra memoria, de nuestro destino y de nuestras raíces.

Conciencia existencial, poesía y militancia sin retórica ni demagogia, como aseveró el célebre crítico francés Pierre Restany, caracterizan la obra de Kcho. Los mismos calificativos podríamos aplicar a Mendive. Dos artistas que han contribuido a dar visibilidad a la realidad cubana y a colocar la producción artística de la isla a primera línea de la plástica internacional.

Lote: 35217597. "KCHO", ALEXIS LEYVA (Isla de Pinos, Nueva Gerona, Cuba, 1970). Perteneciente a la Serie "Bola de Churre", 2019.
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Max Bill y Gottfried Honegger: el legado de la Bauhaus y el arte concreto

Max Bill y Gottfried Honegger: el legado de la Bauhaus y el arte concreto

El arte concreto encuentra en nuestra próxima subasta del día 16 de noviembre una magnifica representación de la mano de dos de sus máximos exponentes: Max Bill y Gotffried Honegger

En el desarrollo de las segundas vanguardias europeas, la fundación de la Escuela de la Bauhaus en el año 1919 marcó un punto de inflexión que transformó el arte moderno de manera definitiva. Considerado un auténtico visionario de la época, el arquitecto alemán Walter Gropius sentó las bases a partir de las cuales nacerían un sinfín de movimientos artísticos que, como el arte concreto, orbitaron entorno a los preceptos del manifiesto fundacional de la Bauhaus.

La idea central bajo la que vertebró su programa se relaciona con el concepto de arte total, en el que las fronteras que hasta el momento habían separado las distintas disciplinas creativas, debían ser abolidas por completo con el fin de alcanzar un arte universal al servicio de la sociedad. La propuesta de Gropius de entregarse a un arte enteramente racional, libre de ideologías y únicamente vinculado a las sólidas leyes matemáticas y geométricas, es también, fruto del terrible contexto histórico de entreguerras en el que se gestó. De este modo, la concepción del arte promulgada por  la Bauhaus está intrínsicamente ligada a una función social  como medio a través del cual sanar una sociedad enferma.

El legado de la Bauhaus que con solo 14 años de vida se convirtió en la mayor escuela de arte del mundo, ha pervivido hasta nuestros dias a través de artistas que, como Max Bill o Gottfried Honegger encontraron en sus postulados el germen de sus creaciones

Max Bill: el gran impulsor del arte concreto

Arquitecto, diseñador, escultor, pintor, teórico, publicista y educador, podríamos decir que el artista suizo Max Bill, encarna el concepto de genio universal del Renacimiento. Su trayectoria iniciada en la escuela de la Bauhaus quedó ligada inevitablemente a las enseñanzas que recibió durante su etapa de formación hasta convertirse en un firme defensor del funcionalismo y el formalismo geométrico. De hecho, a mediados de los años 30, el artista se sumerge de lleno en sus investigaciones entorno a la forma abstracta, basadas en las inexorables leyes que rigen las matemáticas y la geometría como único medio para alcanzar la universalidad del arte a la que se debía aspirar.

En el ámbito escultórico, Max Bill se interesó especialmente en la figura esférica y sus distintas secciones, las cuales, como en el caso que nos ocupa, combinaba para dar luz a múltiples variaciones de la misma figura geométrica. Asimismo, este cuarto de esfera en forma de cuña simboliza, además de la idea de infinito, una disyuntiva entre el arte espiritual y el arte funcional, considerando que el objeto creado primero debe cumplir su cometido para posteriormente poder alimentar el alma a través de la estética.

"Sin título"

Gottfried Honegger: la pureza del arte concreto

Siguiendo la estela de Max Bill, el también artista suizo Gottfried Honegger fue a lo largo de su vasta trayectoria, un fiel defensor del arte concreto y de la máxima acuñada por Theo van Doesburg en 1930 según la cual, la universalidad del arte solo podía ser alcanzada mediante la claridad y pureza. Siguiendo esta concepción artística de raigambre racionalista, Honegger da luz a una obra libre de implicaciones emocionales. La obra que nos ocupa pertenece a una de las series más representativas del artista, conocida como cuadros-relieve donde los rojos monocromos cubren la totalidad de una superficie compuesta por elementos geométricos repetitivos. En ellas, Honegger reafirma su convicción según la cual el arte debe construirse valiéndose únicamente de sus elementos fundamentales en una abstracción geométrica  desprovista por completo de cualquier asociación simbólica vinculada con la realidad.

Protagonista de los grandes debates entorno a la práctica artística abstracta acontecidos entre el siglo XX y XXI, Honegger mantuvo hasta su muerte, la idea de que el arte podía cambiar el mundo.

 

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Antoni Tàpies, Dau al Set y el influjo surrealista

Antoni Tàpies, Dau al Set y el influjo surrealista

Antoni Tapies protagoniza nuestra subasta del próximo día 16 de noviembre con uno de los inconfundibles dibujos que realizó durante su adscripción al icónico grupo vanguardista, Dau al Set. Las escasas ocasiones en las que la vertiente más surrealista de Tàpies irrumpe en el mercado del arte, convierten las obras de esta etapa en una de las más apreciadas y buscadas del artista en el sector.

Posiblemente, Antoni Tapies sea uno de los artistas contemporáneos más estudiados y admirados de nuestra historiografía, alcanzando el reconocimiento unánime como figura esencial en el desarrollo y evolución de las vanguardias artísticas en España.

Con una de las trayectorias creativas más ricas e influyentes del arte del siglo XX, Tàpies forjó su obra bajo el signo de un acérrimo compromiso político y social, donde el verdadero arte, como él mismo afirmó, “debe aspirar a cambiar el mundo”.   

Antoni Tàpies "Sin título" 1950

Corrían los años cuarenta cuando en una España sometida por el régimen franquista, se produjo una radical reacción respaldada bajo la órbita surrealista en contra del arte conservador que imperaba por aquel entonces. El surrealismo, que como último movimiento de las vanguardias anterior a la guerra civil, se erigió en un poderoso símbolo de libertad y transgresión, se extendió a partir de los años 30 entre las minorías inquietas de Barcelona, gracias, no solo a la influencia que el movimiento había tenido en toda Europa, sino también gracias a los grandes referentes que constituyeron figuras como Salvador Dalí y Joan Miró.

De este contexto nace en 1948 el germen del grupo Dau al Set donde Tapies, junto a Modest Cuixart, Joan Ponç, J. J. Tharrats, el poeta Joan Brossa –verdadero inspirador de su estética– y Arnau Puig, sentaron las bases del carácter subversivo que de forma crucial marcó su identidad.

El prestigio que ha tenido y sigue teniend‘Dau al Set’ se debe, además de a la altura de sus representantes, al revulsivo que supuso para la escena artística española. Por otra parte, es indudable también, que la notoriedad alcanzada por Antoni Tàpies ha contribuido significativamente al reconocimiento unánime del grupo.

Como hemos apuntado anteriormente este determinante periodo en la trayectoria de Tàpies estará marcado por una obra que, como la que aquí nos ocupa, estará dominada por un figurativismo magicista de raigambre surrealista vinculada a la literatura del inconsciente. La magnifica tinta sobre papel que os presentamos, pone de manifiesto todos los elementos que definieron la producción dausatiana de Tàpies, así como la influencia determinante que ejerció la obra de Paul Klee y  Max Ernst en paisajes oníricos y fantásticos que como este,  poblará con multitud de objetos, criaturas y símbolos  llenos de sugerentes ecos herméticos que  anticipan ya  la carga mística que caracterizará la pintura de Tàpies.

Lote adjudicado en 18.000€
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Obra gráfica de Joan Miró en nuestra subasta de Arte Contemporáneo.

Obra gráfica de Joan Miró en nuestra subasta de Arte Contemporáneo.

La simplicidad formal que Joan Miró siempre reivindicó como principio rector de su arte, esconde tras de sí una extensa constelación de referencias, homenajes y sinergias con otros artistas, poetas y místicos.

De la rica variedad de influencias e intereses extrapictóricos que impregnan el universo mironiano destaca su fascinación por la poesía de San Francisco de Asís. No sorprende su amor por los versos del religioso, pues ambos compartieron un amor de índole panteísta por la naturaleza y sus criaturas: pájaros, astros, elementos terrenales y cósmicos entrelazándose sin descanso.

Setdart pone en subasta uno de los grabados en aguatinta de “Cántico al Sol”, serie inspirada en el poema homónimo de San Francisco de Asís (lote 35221980).

Junto a éste, coinciden en la próxima subasta de arte contemporáneo de Setdart, grabados y litografías de Miró en las que queda patente varias de las pasiones mironianas a las que hacíamos referencia. Así, junto a la poesía mística, Miró dedicó varias series al personaje de Ubú Rey, creado por el dramaturgo Alfred Jarry (véanse los lotes 35221981 y 35221997). Miró compartía con Jarry el interés por lo popular, así como el sesgo surreal y humorístico de su visión del mundo. El pintor catalán amaba asimismo la osadía de Jarry en la confección de aquel personaje tiránico, Ubú, prototipo de dictador vulgar y tiránico, que para Miró se convertirá en metáfora de Franco.

Otra obra singular en la bitácora íntima de Miró es “Montroig 4” (lote 35221983), litografía de pocos ejemplares, emblemática en tanto que su título hace referencia a Montroig del Camp, el pueblo vinculado a la infancia de Miró y paisaje emocional imprescindible para la gestación de su obra.

Por último, cabe hacer mención a “Mujer, pájaros, estrella” (lote 35221982), una litografía derivada del cuadro homónimo conservado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que Miró realizó en 1949 y donde se dan cita las evocaciones más recurrentes del artista. La mujer alude en la simbología mironiana al vínculo del ser humano con las raíces de la tierra, mientras que el pájaro y la estrella simbolizan la atracción espiritual y el enigma cósmico respectivamente.

En resumen, la esencia de Miró podría ilustrarse con este muestrario escogido de obra gráfica que ahora ustedes tienen la ocasión de adquirir.

Lote: 35221980. JOAN MIRÓ I FERRÀ "Càntic del Sol, Franz von Assisi",
Lote: 35221982. JOAN MIRÓ I FERRÀ ). "Mujer, pájaros, estrella", ca.1953.
Lote: 35221983. JOAN MIRÓ I FERRÀ "Montroig 4", 1974.
Lote: 35221981. JOAN MIRÓ I FERRÀ "Ubu Roi 4", 1966.
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Bronces de Richard MacDonald en subasta

Bronces de Richard MacDonald en subasta

Video explicativo sobre las obras en subasta.

El teatro y la danza, el mimo y el balé, son los mundos en los que el prestigioso escultor Richard MacDonald viene sumergiéndose durante décadas para extraer de ellos una idea renovada de la belleza en movimiento, de la expresión contenida y el pathos apresado.

Estrechamente vinculado al Cirque du Soleil y al Royal Ballet de Londres, MacDonald dedica largas sesiones a la contemplación de acróbatas y bailarines en directo. De su estudio riguroso y de su fe en que la verdad del alma reside en el cuerpo en movimiento, se deriva una obra que es digna heredera de la mejor tradición de la escultura occidental. En sus bronces, parece aunarse la flexible agilidad de las figuras de Donatello y la hondura existencial de August Rodin.

Pero su mirada no es nostálgica: si restituye el pasado es para forjar el futuro habitando a conciencia el presente.

Setdart ha reunido en sus subastas cinco importantes bronces del autor, alguno de los cuales pudieron verse en la antológica que el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona) le dedicó en 2014. Es el caso del bailarín adolescente, concentrado en su “Primera posición” (1994), cuya estilizada y elástica figura nos recuerda modelos de Donatello, pero que sobre todo transmite el resultado de una visión en vivo, sumamente vitalista (véase lote 35221993).

También fue incluida en la retrospectiva barcelonesa la misteriosa mujer velada de “Nightfall Heroic” de 1972 (lote 35221994). Ambas piezas aparecen reproducidas en el catálogo del MEAM.

Otras de las esculturas licitadas en Setdart Subastas pertenecen a la Serie Ballet Royal de Londres, como “Doves” (lote 35221996), una joven con el torso arqueado, manteniéndose en perfecto equilibrio sobre la punta del pie. Similar dominio de la plasmación anatómica y del hálito vital que anima los cuerpos se expresa también en la pareja “Season” (35221992).

Finalmente, no podía faltar la figura del mimo entre las figuras reunidas en esta ocasión (véase lote 35221995). La mímica ha interesado sobremanera a MacDonald como forma artística antigua, casi primigenia. A través del histrión congela las cualidades expresivas del gesto y la emoción.

Una ocasión única para adquirir piezas de calidad incomparable de un escultor en alza.

El artsita en su estudio con un integrante del Cirque Du Soleil.
Lote: 35221995 "Mimo".
Lote: 35221993. "First position".1994.
Lote: 35221996. "Season". Serie Ballet Real, Londres.

Próximamente en subasta

"Doves". y "Fases de la luna", próximamente en subasta.
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Vela Zanetti: El alma y la dignidad del mundo rural

Vela Zanetti: El alma y la dignidad del mundo rural

La vertiente más social y comprometida del arte, encuentra en la obra de Vela Zanetti uno de sus máximos valedores. El lienzo que se licitó el día 27 es sin duda, una magnifica representación de la maestría con la que Zanetti reivindicó la vida de la gente humilde  

A menudo, el arte ha sido un arma de reivindicación y lucha social a través del cual se han reflejado las problemáticas propias de una determinada época y enclave geográfico. En este sentido existe en España una larga tradición de artistas que, como Goya, Solana, o Zabaleta quisieron plasmar bajo sus pinceles, la realidad de quienes a lo largo de la historia han sido denostados y marginados.

En este aspecto, uno de los casos más notables es el del pintor de origen burgalés Vela Zanetti cuya obra y compromiso sociopolítico forman un todo indivisible latente en todas y cada una de sus etapas creativas. Con su estilo inconfundible fruto del mestizaje entre un realismo tamizado por la estremecedora fuerza del expresionismo, y la herencia de los grandes clásicos a los que admiró, Zanetti abordó diversidad de temáticas cuyo denominador común recae en el protagonismo de la figura humana.

En obras como “Campesinos descansando después de la siega”, el pintor da luz a una verdadera epopeya del mundo rural, cuyas costumbres, gentes y trabajo, representa con un profundo sentido de la dignidad humana. Huyendo de la idealización, Zanetti apuesta por los rostros del pueblo, de aquellos que llevan grabado en sus manos, en su piel y en su mirada, la dignidad de los hombres sencillos, humildes y esforzados que poblaban los infinitos campos de su Castilla natal. El carácter monumental que otorga a sus campesinos, así como la rotundidad de sus formas, encierran el retrato individualizado de un pueblo, cuyo trabajo y sacrificio lo reivindican aquí, como dueño absoluto de la tierra que siembra. La crítica implícita cobra aún mas sentido si tenemos en cuenta la situación deplorable en las que por aquel entonces estaba sumido el país, y muy especialmente el mundo rural.

José Vela Zanetti

Su trazo, de una contundencia y precisión magistral, unido a un cromatismo que, aunque austero y contenido es también tan cálido y rico en matices como lo son los ocres, rojos y naranjas de su tierra, nos brindan una obra sin ambigüedades ni dobleces, tan sincera, directa y franca como los protagonistas a los que rindió tributo en su obra.

En definitiva, la pintura de Zanetti representa el relato de una parte de nuestra historia que, aunque pertenezca al pasado, permanece en nosotros a pesar de los tiempos, a pesar de los cambios. Porque por mucho que los tractores y cosechadoras hayan sustituido a las mulas y guadañas, los sueños, deseos, sacrificios y arraigo a la tierra de los hombres pervive a lo largo de la historia (y muy a pesar de ella). Y es de esta realidad universal e imperecedera de la que precisamente nos habla Vela Zanetti.

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Rafael Canogar VS Luis Feito

Luis Feito fue el penúltimo testigo del legado artístico que nos brindó el grupo El Paso. Con su reciente pérdida, Rafael Canogar se convierte en el único representante vivo de un tiempo en el que el informalismo transformó y renovó el anquilosado arte español para dar luz a nuevas formas de entender y experimentar con la práctica artística. Ambos artistas comparten protagonismo el próximo día 19 de octubre en nuestra subasta de arte contemporáneo.  

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Rafael Canogar VS Luis Feito

Rafael Canogar VS Luis Feito

Luis Feito fue el penúltimo testigo del legado artístico que nos brindó el grupo El Paso. Con su reciente pérdida, Rafael Canogar se convierte en el único representante vivo de un tiempo en el que el informalismo transformó y renovó el anquilosado arte español para dar luz a nuevas formas de entender y experimentar con la práctica artística. Ambos artistas comparten protagonismo en nuestra subasta de arte contemporáneo del día 19 de octubre

Tras unos inicios ligados entorno a las galerías de arte Bucholz y Fernando Fe de Madrid, los jóvenes artistas pronto tomaron consciencia de la necesidad de viajar a Paris para conocer de primera mano las nuevas tendencias que dominaban el panorama artístico internacional. El contacto directo con el informalismo de Dubuffet y Fautrier, así como el acercamiento a los expresionistas abstractos norteamericanos resultaron sin duda, el caldo de cultivo bajo el que se gestó el grupo El Paso y su acérrima defensa a una nueva libertad creativa. Unidos por el mismo espíritu de transformación y renovación, Feito, Canogar, Saura y compañía proclamaron tal y como dejaron constancia en su manifiesto fundacional, la necesidad de expresar “una nueva realidad” desde la responsabilidad social y espiritual.

 «Pretendemos presentar una obra auténtica y libre y luchamos por un arte hacia la salvación de la individualidad, dentro del signo de nuestra época.»  Manifiesto “El Paso”

A pesar de ser miembros fundacionales de El Paso, Feito y Canogar desarrollaron de forma independiente su propio carácter plástico demostrando así su personal forma de asimilar y reinterpretar las diversas influencias que marcaron su corpus creativo. Las obras que presentamos ejemplifican magníficamente esta independencia creativa, así como la evolución que ambos experimentaron a lo largo de sus trayectorias, sometiendo su obra a una constante investigación y experimentación. De este modo, mientras la pareja de obras de Feíto refleja la tendencia y la simplificación geométrica iniciada en la década de los años 70, la de Canogar transfiere esa fragmentación y materialidad que imprimió a sus obras de los años 2000.

Luis Feito

La evolución de Luis Feito es de aquellas que transcurren sin grandes sobresaltos y con la coherencia y cohesión de aquellos artistas plenamente comprometidos con el acto creativo. Toda su obra aborda desde la más pura abstracción, las tensiones y dualidades entre conceptos radicalmente opuestos. Bajo esta premisa, el lienzo se convierte en un espacio de confrontación, que gravita entre el equilibrio estructural y la tensión dinámica que surge de la interacción de los colores y las formas. “1195” refleja un momento clave de la carrera de Luis Feíto cuando a partir de 1963 inicia una tendencia expresiva cada vez más pausada y contenida que lo encaminan hacia una creciente depuración formal y material. En la década de los setenta terminará por imponerse la plenitud del color y una tendencia a la geometrización, donde los elementos de la composición se simplificarán a lo esencial.

Rafael Canogar

En las últimas décadas, las investigaciones de Canogar superan el concepto de pintura para crear una serie de imágenes que, como la que aquí nos atañe, se basa en la manipulación del soporte y la puesta en valor de la materia. Canogar rasga y fragmenta un material hecho de planchas de pasta de celulosa, lino y aglomerante, para posteriormente recomponer cada una de las partes en una composición en la que predomina el color, la estructura y la materia. El resultado son unas imágenes de gran potencia plástica con contornos irregulares y fragmentos superpuestos a manera de collages, que, según el propio Canogar, ”son el reflejo de las fuerzas de oposición constructivo destructivas consustanciales a la condición humana”.

Vemos en ambos casos como el juego entre opuestos o contrarios será una idea imperecedera a lo largo de toda su trayectoria, hecho que no debe sorprendernos si tenemos en cuenta que,

tanto para ellos como para sus compañeros de grupo, el lienzo se convirtió en un verdadero campo de batalla a través del que romper con la total atonía en la que estaban sumidos el arte y la sociedad española.

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Cristo portando la cruz, símbolo de redención en el Renacimiento tardío

Cristo portando la cruz, símbolo de redención en el Renacimiento tardío

El 20 de octubre Setdart presentó 170 piezas en la subasta de Alta Época donde destacaron obras tan excepcionales como este trabajo del renacimiento español procedente de la Colección Milá de Barcelona.

Estamos ante un Cristo sereno, que entabla un diálogo silencioso con el espectador. Sus rasgos no traslucen dolor físico, quedando éste reflejado en las gotas de sangre que van cayendo desde su cabeza y recorren su espalda desnuda. El arduo trabajo de veladuras produce una sensación realista hasta el punto de que las lágrimas deslizantes y las gotas de sangre parecen adquirir volumen. Las espinas de la corona se insertan en la carne de Jesús atravesándola con tanta agresividad que al hundirse marcan el relieve bajo la piel e incluso la rasgan como es en el caso de la ceja. La precisión con la que ha ejecutado muchos detalles le aportan un alto grado de realismo, como en el caso de los cabellos pintados de manera casi individual o en las vetas de la madera.La cruz, de la que sólo vemos parte de los dos leños, se presenta con rotundidad casi arquitectónica y así explicitan la pesadez simbólica de la carga.

El mensaje de este pasaje es la propia aceptación de la Pasión. El sufrimiento de Cristo tiene un fin y con plena consciencia abraza el dolor materializado en la cruz.

La pintura que nos ocupa recuerda a los modelos de los grandes seguidores leordanescos localizados en las ciudades del norte de Italia. Optando por una paleta contrastada entre los fondos oscuros y los contornos difuminados de la figura, al tiempo que en las carnaciones y los drapeados (en la túnica roja que envuelve el torso) usa colores brillantes y extrae bellas calidades aterciopeladas. Estamos ante una pintura plenamente inscrita en el Renacimiento tardío.

La iconografía de Cristo cargando con la pesada cruz en su ascensión al Monte Calvario conoció un desarrollo propio a lo largo de la historia del arte, fruto de su adaptación a las peculiaridades expresivas o a los hábitos comunicativos de la plástica en cada época. Ya en el arte paleocristiano se representaba el tema para aludir al papel simbólico de la cruz como instrumento de redención y consecución de la vida eterna.

Un importante punto de inflexión en los hábitos representativos de este episodio de la Pasión tuvo lugar durante el Renacimiento tardío y el Barroco, tanto en el norte de Italia como en el arte español. La Vía Dolorosa y la anecdótica descripción de las vicisitudes que Jesús encuentra durante su ascenso desaparecen para poner el foco en el semblante sufriente y redentor, en el busto cubierto con túnica roja y los brazos lastimados sujetando la cruz. Recordemos que había sido habitual la representación de todo un séquito de curiosos, burladores y amigos: los episodios más frecuentes eran el de Simón el Cireneo ayudándole a cargar la cruz o a Verónica ofreciéndole un paño para limpiar el sudor y la sangre de su rostro.

A partir de mediados del siglo XVI, en el norte de Italia, emerge este otro modelo: la plasmación de un momento de gran intensidad dramática de Cristo en el Via Crucis pero del que se sustrae todo anecdotismo. Pintores que contribuirán a definir las variaciones plásticas de este modelo serán Sebastiano del Piombo, Correggio o Tiziano (en el caso italiano) y Luis de Morales o el Greco (en España).

En estas obras se intensifica el carácter devocional y alegórico. En la pintura que Setdart licita estos días, “Cristo portando la cruz” (ca.1550, de escuela italiana septentrional, procedente de la Colección Milá de Barcelona), el acercamiento a la figura a nivel de busto procura al lienzo un singular carácter táctil. Por otra parte, Jesús no esquiva nuestra mirada. Por el contrario, su mirada penetrante parece querer involucrarnos en su decisión por asum

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La representación del “Ecce Homo” en la historia del arte

La representación del “Ecce Homo” en la historia del arte

La contundencia de las palabras “He aquí el hombre” que Pilatos pronunció al presentar a Cristo ante la multitud, mofándose y dando a entender que su poder era insignificante frente a los que allí le juzgaban, llamó la atención de múltiples pintores, que vieron en este tema una potente manera de representar el sufrimiento de Cristo.

La escena, sucedida tras la flagelación de Cristo atado a la columna y la coronación de espinas, conmovía a todo fiel que escuchara o viera una imagen del tema, en cuanto mostraba la cara más indefensa de Cristo, solo y malherido frente a una muchedumbre hostil a la que sometía su destino final.

En la gran mayoría de obras destinadas a la devoción privada, lo usual era resumir la escena en una única figura, la de Cristo, que normalmente se representaba de medio cuerpo, sobre un fondo oscuro que realzaba su corporeidad y sin más elementos narrativos que los que exigía la iconografía. De este modo, se concentraba la expresividad y el dramatismo de la imagen, conmoviendo el alma del fiel que oraba ante ella y evitando que su atención se dispersara en los detalles.

La importancia que el “Ecce Homo” tuvo para la historia del arte queda demostrada en nuestra subasta del día 20, en la que se recopilaron hasta cinco obras de esta temática, pertenecientes a diferentes escuelas y periodos. Tanto la escuela flamenca fechada en torno al año 1500 (35233470), como las escuelas españolas del siglo XVII (35121388, 35272006), responden a la iconografía de Cristo sobre un fondo negro, sin más elementos narrativos que la corona de espinas; el seguidor de Luis de Morales (35148635), sin embargo, introduce a la figura de Pilatos, si bien también sitúa a ambos personajes sobre un fondo negro que realza su corporeidad. La última de las obras, una talla en madera del siglo XVII atribuida a los Hermanos García (35244644), pone de manifiesto el patetismo y el dramatismo que encerraba este recurrente tema.

Escuela española; segundo tercio del siglo XVII.“Ecce Homo”.
Escuela castellana de la segunda mitad del siglo XVI. Siguiendo modelos de LUIS DE MORALES (Badajoz, 1509 - Alcántara, 1586).“Ecce Homo”.
Escuela española; siglo XVII.“Ecce homo”.
Escuela granadina de la segunda mitad del siglo XVII. Atribuido a los Hermanos García: MIGUEL FRANCISCO GARCÍA Y JERÓNIMO FRANCISCO GARCÍA (Granada, siglos XVI y XVII).“Ecce Homo”.
Escuela flamenca, ca. 1520.“Ecce Homo”.
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Agustín Cárdenas, escultura en los lindes de la abstracción

La importante escultura que Setdart Subastas pone estos días a la venta fue realizada en este periodo especialmente excitante para Agustin Cárdenas. El artista había sido becado por el gobierno cubano para estudiar en París. En esta década, mediados de los años cincuenta, se redefine su genealogía formativa, estableciéndose como claro heredero del biomorfismo abstracto de Jean Arp, pero sin desatender sus propias raíces y el énfasis de Wilfredo Lam en la espiritualidad de la forma arcaizante.

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El pueblo gitano, más allá del estereotipo. José Mongrell y Joaquín Sorolla.

El pueblo gitano, más allá del estereotipo. José Mongrell y Joaquín Sorolla

La fascinación de los artistas con la vida errante del pueblo gitano viene de antiguo, pero fue sobre todo desde época romántica cuando esa atracción trascendió la mera búsqueda de temas pintorescos o exóticos. La imagen que el artista romántico empezó a granjearse de sí mismo (y que se intensificaría con los pintores de las primeras vanguardias) encontró en la figura del gitano un modelo con el que ilustrar suapuesta por la bohemia y su compromiso antiburgués.

Recordemos las pinturas de caravanas y campamentos gitanos asentados en las cercanías de Arlés que pintara Van Gogh, o los numerosos retratos de gitanas que realizó KeesVan Dongen o, en el ámbito español, Isidre Nonell, Ignacio Zuloaga o Joaquín Sorolla.

Sorolla, en paralelo a su temática de mar y playa, desarrolló una importante producción de tema gitano, inmortalizó sus bailes y fiestas, así comola belleza de sus mujeres. Un alumno destacado del maestro valenciano, José Mongrell (Valencia, 1870 – Barcelona, 1937), no sólo heredó la técnica colorista del maestro, también sus intereses temáticos. La pintura que Setdart subastó tiene la peculiaridad de mostrar el tema mitificado por tantos artistas (un campamento gitano) junto al retrato del propio Sorolla.

Vincent Van Gogh. 'Las Caravanas, campamento gitano cerca de Arlés", CAMPAMENTO GITANO CERCA DE ARLE
Lote: 35227233"Sorolla con gitana" de José Mongrell.

El tema es singular: Sorolla se encuentra frente a una mujer gitana que parece estar leyéndole la mano. Se establece entre ambos un diálogo mudo a través del cruce de miradas. Sorolla baja la cabeza quedándose en actitud reflexiva, quizás tras escuchar las palabras admonitorias de la gitana. El curtido rostro de ella, envuelto en un pañuelo, se muestra endurecido pero al mismo tiempo bondadoso.

Mongrell se revela un auténtico maestro en la captación psicológica de sus personajes: aquí, el diálogo silencioso nos atrapa por el magnetismo misterioso de las expresiones, que siempre preservan una dignidad impenetrable. Mongrell va más allá de los géneros, pues aquí se mezcla el tema social con el costumbrismo y con el homenaje a su amigo mentor. Domina la escena una paleta cálida que refleja el sol mediterráneo: un intenso azul cerúleo repercute en la variedad de ocres, pardos y rojizos contrastados, aunque entonados y equilibrados, con los luminosos blancos y amarillos de los atuendos.

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Julio Romero Torres pintor por excelencia del flamenco.

Julio Romero Torres pintor por excelencia del flamenco

La obra de Julio Romero de Torres ocupa en la historia de la pintura andaluza un lugar similar al que ocupa García Lorca en el arte poético, pues en ambos lo vernáculo alcanzó una hondura de resonancia universal. Comparables ambos, en sus respectivos lenguajes artísticos, con los efectos del cante jondo en el ánimo del oyente, elevan la aparente banalidad de las costumbres y peculiaridades regionales a una expresión sublime de las inquietudes compartidas en cualquier tiempo y lugar: amor y muerte, deseo pasional e instinto, encauzados por la magia de la creación.

Así, vanguardia y tradición, sabor local y trascendencia universal, se entrelazan en la obra de Romero de Torres. Sólo él tuvo el secreto de la fórmula magistral cuyos ingredientes (simbolismo, decadentismo, pintura de género…), hábilmente recombinados, daban lugar a escenografías misteriosas donde el tema costumbrista quedaba velado tras tupidas urdimbres en cuyas redes la mirada embelesada del espectador quedaba atrapada.

Retrato de Julio Romero de Torres
A la izquierda "Malagueña" a la derecha retrato de Rafael Romero, lote en subasta.

Véase, por ejemplo, el cuadro “Malagueña” (1917, expuesto en la sala Majestic Hall en 1919), donde un joven tocado con sombrero cordobés se reclina sobre Amalia “La gitana”, cuya guitarra reposa sobre su regazo. El joven parece querer consolar el dolor de la mujer, sufrimiento que se expresa en el pliegue del entrecejo y la mirada huidiza. Detrás de ellos, es descrito un crimen pasional (como perteneciente a un episodio ya ocurrido, o quizás aún por llegar). El ciprés anuncia la muerte y el luto. El tema flamenco y sus estereotipos (amor pasional, celos, guitarra, cruz cristiana, rito fúnebre…) han sido tratados de tal modo que se elevan más allá del folclore local. Responden más bien a una transposición plástica de sentimientos eternos.

Para caracterizar al personaje masculino del citado lienzo, el pintor se sirvió de su hijo Rafael Romero. El mismo rostro y vestimenta, el mismo ademán y una expresión muy similar, es la que adopta el personaje retratado en la pintura que Setdart pone en subasta en esta ocasión (lote 35201692): se trata de un retrato de Rafael Romero en el que queda encuadrado sólo el rostro y los hombros, y donde el apunte de paisaje insinuado al fondo también coincide con ese fragmento de la Malagueña.

Queda patente, por dichos paralelismos, que este retrato debió servir como estudio de expresión del artista para el cuadro “Malagueña”, tal como ha señalado la historiadora Mercedes Valverde Candil. Sea como fuere, este retrato de Rafael tocado con sombrero cordobés adquiere valor por sí mimo, dada la hondura psíquica que se reviste su expresión. Una mirada y unas facciones que, a pesar de su expresividad, preservan el secreto de sus emociones, como era usual en los personajes de Romero de Torres.

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Colección cartográfica: grabados iluminados del siglo XVIII

Colección cartográfica: grabados iluminados del siglo XVIII

No es exagerado afirmar que los mapas geopolíticos traducen los mapas mentales de una sociedad determinada, de cierto momento histórico. La cartografía condensa una imagen del mundo que va mucho más allá de meros estudios topográficos.

Si atendemos a la cartografía de la época ilustrada, observaremos que el auge de la erudición en todos los campos del saber y la emergencia de instituciones científicas en el sentido moderno del término afectarán sobremanera a la confección de los mapas. En primer lugar, porque los reyes franceses (en colaboración con la corona española y otros poderes europeos) promoverán expediciones al nuevo mundo a fin de reconfigurar los mapas a partir de observaciones astronómicas y mediciones físicas.

Setdart Subastas ha reunido una importante colección de mapas de este periodo floreciente, el siglo XVIII, tanto para las ciencias en general como para la ciencia cartográfica en particular. Concretamente, gran parte de los documentos cartográficos licitados en nuestra subasta en curso pertenecen al Atlas Universal de 1757 (“Atlas Universel, dressé sur les meilleurescartes modernes”). Consistió en un ambicioso proyecto que acabaría involucrando a cartógrafos y grabadores de toda Europa. Se trató de una iniciativa de Gilles Robert de Vaugondy y su hijo Didier, geógrafos de Luis XV, que contaban con el taller de fabricación de globos terráqueos más reconocido de Francia.

Los grabados iluminados agrupados en la presente colección dan cuenta del alcance de este singular proyecto: un mapa muy preciso de la por entonces aún no conflictiva Tierra Santa (“dividida en sus doce Tribus”); un espléndido mapa de Las Indias Orientales (a destacar las figuras alegóricas, los putti y caballos al galope que adornan las cartelas), el Mapa de La Patagonia y el Estrecho de Magallanes (ilustrado con carabelas surcando los mares); el Estrecho de Bering…

Aparte de los mapas que resultaron de las expediciones a las colonias del Nuevo Mundo y a las Indias Orientales, este mismo Atlas de origen francés y edición veneciana (los hermanos Santini adquirieron las planchas de los Vaugondy), también incluyó numerosos mapas de Europa: delas Islas Británicas (BritannicaeInsulae), del Imperio alemán (bajo el mandato de Guillermo I), el Flandes Francés…

En nuestra colección cartográfica, junto a los citados mapas del Atlas Universel, incluimos también grabados pertenecientes a la insigne Enciclopedia de Diderot y d’Alembert. La edición de la Encyclopédieraisonné des sciences, des arts et des métiers, fue fruto del mismo espíritu ilustrado que comentábamos acerca de las cartografías. Los grabados licitados en Setdart corresponden a la sección de Arquitectura, en la que se pretendía difundir el saber acumulado en arquitectura hasta el momento, a través de plantas, alzados, tipologías, artilugios y últimos avances técnicos.

Los mapas antiguos suponen una de las tipologías documentales más completas, por su doble naturaleza, cartográfica e histórica. La rareza de algunas de las ediciones, sumada a la longevidad de muchos de los ejemplares, hacen de la posesión y disfrute de la cartografía antigua un valor en auge. El trabajo meticuloso y ambicioso de grabadores, ilustradores y cartógrafos convierten estas piezas en auténticas obras de arte.

Lote: 35251587. “ITALIA ANTIQUA”
Lote: 35251579. “ISLAS ANTILLAS
Lote: 35251586-. “TIERRA SANTA Y LA TIERRA PROMETIDA
Lote: 35251615. “MALLORCA, MENORCA E IBIZA
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La creatividad visceral de Miquel Barceló

Miquel Barceló se alza en el año 2011 como el artista español vivo mejor cotizado en subasta. De hecho, el rotundo éxito que alcanzó desde sus inicios, lo llevó a ser comparado con artistas consagrados como Dalí, Miró o Picasso en parte, gracias al impacto y repercusión que su obra despertó entre las nuevas generaciones de artistas.

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Nuevo espacio SetdartMadrid

Setdart presenta su nuevo espacio en Madrid ubicado en el corazón cultural de la capital, en la calle Velázquez 7. Se encuentra posicionado estratégicamente dentro de la conocida como «Milla de Oro», así como junto a museos y galerías nacionales, principales puntos de interés artístico de la ciudad. La concepción de la nueva sala aspira a romper todos los esquemas convencionales de salas de subastas y venta de obras de arte.

Espacios abiertos y conectados entre sí se muestran como un lienzo en blanco del que emanan las obras, cobrando protagonismo por sí mismas. A la vista de todos, sus grandes y visibles escaparates dejan ver con claridad un ambiente puro y en calma en el que la brillante sencillez y luminosidad actúa como perfecto soporte para cualquier tipo de pieza. La distribución se ha planificado con la idea de crear distintos ambientes expositivos para, de esta manera, crear un discurso coherente y visualmente atractivo sobre las distintas subastas temáticas.

Si bien Setdart ha optado siempre por el formato online, siendo pionero y referente fundamental en este medio, la nueva sede ofrece un punto adicional. La combinación entre la tecnología y la sala de exposiciones acerca aún más al público y las obras, de esta forma agrupándolas en un contexto adecuado y poniéndolas más que nunca al alcance de expertos y curadores, permitiendo servir como un puente entre el mercado, los coleccionistas y los investigadores.

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Picasso, el retrato como un diario personal

Si hay un género en el que Picasso volcó su lado más íntimo, fue sin duda el retrato. Pues fueron siempre las personas más cercanas a él las que conformarían una galería de retratos que, vista por el retrovisor de su historia, nos revelan mucho de las vicisitudes o alegrías por las que en ese momento estaba transitando el pintor malagueño.

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Picasso, el retrato como un diario personal

Picasso, el retrato como un diario personal

Si hay un género en el que Picasso volcó su lado más íntimo, fue sin duda el retrato. Pues fueron siempre las personas más cercanas a él las que conformarían una galería de retratos que, vista por el retrovisor de su historia, nos revelan mucho de las vicisitudes o alegrías por las que en ese momento estaba transitando el pintor malagueño.

 

A diferencia de tantos otros artistas, Picasso nunca cedió a la retratística oficial. No dejó que el encargo de retratos contaminara la franqueza de su visión, pues este género era para él como un diario visual. Así, serían siempre amigos y amigas, amantes y esposas, los que posarían para el pintor, y a través de esos rasgos (en ocasiones, pasados por el tamiz de la desfiguración cubista; otras veces, caricaturizados con tierna ironía) nos delatarían el tipo de batalla íntima que entre ambos se estaba librando en la tumultuosa vida del artista.

 

La evolución de su obra, sus distintas etapas, quedaron plasmadas en retratos emblemáticos: véase los de Carlos Casagemas y el de Jaume Sabartés en su melancólica época azul, o las experimentaciones cubistas con el rostro de Jacqueline, los desdoblamientos expresionistas de Dora Maar (en los que se ha querido leer un presagio de demencia)… Rodeado siempre de poetas, músicos y literatos, figuras como Jean Cocteau, Erik Satie, Igor Stravinski, Guillaume Apollinaire… serían también radiografiados por la aguda mirada de Picasso.

Picasso durante sus años en Vallauirs, pintando cerámica. 1949,
Lote: 35028653. “Retrato de Huguette“, 21.2.1953.

La figura representada en el dibujo que Setdart licitó, es la joven Huguette, sobrina de Suzanne Douli, quien junto a Georges Ramié habían fundado en Vallauris el taller de Madoura. Desde que Picasso descubriera en 1946 la cerámica con su genial estilo en Vallauris, esta villa se convirtió en un auténtico lugar de culto para el malagueño. Aquí fue donde conoció el taller de Ramié y Suzanne, donde en los años cincuenta se entregó a una frenética producción que dio a luz a más de dos mil piezas cerámicas en un año.

 

Las largas temporadas que pasó en la ciudad francesa, en la que residió hasta 1955, le llevaron a establecer una estrecha relación con los herederos de tan importante saga de ceramistas: Jean Ramié, hijo del matrimonio Ramié-Douli, que se incorporó al equipo de Madoura en 1951, y Huguette, quien colaboraba regularmente en el esmaltado y acabado de las piezas. Los lazos entre Picasso y la generación más joven de los Madoura fueron estrechándose. De hecho, Jaqueline Roque, amiga íntima de Huguette, se convertiría en la última esposa del artista, en 1961.

 

 Testigo de las felices estancias de Picasso de Vallauris son los dibujos que realizó de los Ramié. En el que nos ocupa, resuelto con el trazo ágil y esbozado característico de Picasso, Huguette es retratada de cuerpo entero y de perfil, abombándose su vientre. Se encontraba embarazada de Domenique. En esta imagen cándida y franca de la amiga gestante, Picasso se entrega, sin presiones externas, tal cual siente.

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El rotundo éxito de Fernando Zóbel

El reconocimiento de Zóbel ha traspasado nuestras fronteras posicionándose como uno de los artistas en auge dentro del mercado internacional y muy especialmente en el mercado asiático. Gracias al momento de expansión que vive la economía asiática, el continente se ha posicionado como primera potencia dentro del mercado artístico, hasta llegar a romper con la hegemonía estadounidense.

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Arte, flores y simbolismo

Desde la antigüedad el arte se ha servido del simbolismo  para expresar infinitud de conceptos y sentimientos ocultos bajo la apariencia física de todo y cuanto nos  rodea. En este sentido, la carga simbólica del mundo floral adquirirá en el arte una especial relevancia, siendo objeto de las más profundas reflexiones morales, religiosas,políticas y sociales. Su propia naturaleza, bella, fugaz, delicada y alegre, cautivó la mirada de incontables  artistas que, fuera cual fuera su  época y estilo, hallaron  en ellas, la imagen metafórica con la que transmitir mensajes de índole muy diversa. La riqueza de su significación evolucionará y oscilará  a lo largo del tiempo en función del contexto  histórico,  pero también de la intencionalidad del propio  artista.

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EXCEPCIONAL COLECCIÓN DE ICONOS RUSOS EN SETDART

EXCEPCIONAL COLECCIÓN DE ICONOS RUSOS EN SETDART

Setdart licitó el 23 de septiembre, una exclusiva colección de iconos rusos, jamás vista en España. Un conjunto formado por más de setenta piezas, que ha atoserado un único coleccionista, y que es testigo  de épocas que han traspasado fronteras para llegar finalmente a nuestra sala haciendo historia.

Henri Matisse, gran amigo del coleccionista ruso Sergei Schukin, visitó Rusia en 1911. El objetivo de aquel viaje era ver el arte religioso ruso. La sencillez sublime, gran profundidad espiritual, e, incluso las técnicas artísticas que el francés absorbió visitando las iglesias ortodoxas regionales, se traspasaron a su serie marroquí y al resto de su obra posterior.

Durante esta frenética década y media antes de la Revolución, Rusia ha conseguido descubrir, poner en valor y convertir su arte religioso en una tarjeta de visita que, hasta hoy en día, de una forma casi mística, atrae al público extranjero y despierta su interés por el patrimonio ruso.

Es la primera vez que una subasta española acerca al gran público una colección de iconos tan importantes procedentes de las diferentes escuelas y regiones de Rusia. El formato online de la subasta permitirá a coleccionistas e interesados de todo el mundo acceder a esta licitación, la cual se complementa con la exposición de las piezas en la sala de SetdartMadrid y con un catálogo físico con interesantes textos de expertos reconocidos a nivel mundial y que ponen en valor estas piezas inéditas. Mediante sus herramientas digitales, Setdart revela la minuciosidad y la espiritualidad que aplicaron los pintores de iconos en la creación de estas obras maestras.

El icono ortodoxo, como objeto de valor artístico, aparece en el escenario histórico-artístico ruso a principios del siglo XX, coincidiendo con las excavaciones de las iglesias medievales, con el descubrimiento de iconos antiguos y su consecutiva restauración. Debajo de las capas de suciedad centenal aparecieron imágenes, que desvelaron capítulos desconocidos hasta entonces de la historia nacional rusa. A partir de este momento se formaron las primeras colecciones privadas de estas obras. En 1906 Sergei Diaguilev organizó una pomposa y revolucionaria exposición “Dos siglos del arte ruso”, que ocupó diez salas del Salón de Otoño parisino. Ahí por vez primera se presentaron treinta y cinco antiquísimos iconos rusos, despertando el interés del público europeo por Rusia, el arte ruso y, en particular, los iconos.

Lote: 35185661. Es­cue­la rusa, Ta­lle­res de los An­ti­guos Cre­yen­tes, ca.1800. “Ico­nos­ta­sio por­tá­til de cinco ni­ve­les”. Tem­pe­ra, pan de oro sobre tabla.

Esta pionera subasta de más de setenta iconos rusos inéditos en el mercado, se acompañara por las exposiciones itinerantes entre las sedes de Madrid y Barcelona, las herramientas digitales, el formato de subasta online y el catálogo con publicaciones de los expertos en el arte ruso, con la finalidad de despertar el interés de los coleccionistas, amantes del arte e investigadores profesionales por las piezas que se crearon a miles de kilómetros de nuestras tierras, en capillas y talleres impregnados de olor del incienso y bajo el rezo de los monjes pintores.

Expuestas al público en nuestras salas durante el mes de septiembre, estas misteriosas piezas están contando el relato de un pueblo que,posiblemente, tiene más cosas en común con nuestra cultura de que uno puede imaginar.

En definitiva, con esta subasta de iconos rusos, sin precedentes en España, que se celebrará el jueves 23 de septiembre, Setdart inicia un nuevo capítulo en el escenario de coleccionismo español, poniendo en valor el papel de mecenas y coleccionista a la hora de construir puentes históricos.

Lote: 35244494. Escuela rusa, talleres de los viejos creyentes, ss. XVIII-XIX. “Santo Venerable Macario de Zheltovodsk”
Lote: 35244506. Escuela rusa, s.XVIII-XIX. “La Virgen de Kazan”. Tempera, pan de oro, sobre tabla.
Lote: 35244532. Escuela rusa, talleres de los antiguos creyentes, ss. XVIII-XIX. “San Jorge matando al dragón y doce escenas hagiográficas”.
Lote: 35244546. Escuela rusa, talleres de los viejos creyentes, s. XVII. “La Virgen de todos los dolorosos”.
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El retrato-fotografía Ante-tempore?

El retrato-fotografía Ante-tempore?

Durante siglos, los retratos han fascinado a generaciones de amantes del arte, transmitiendo rostros que, de otro modo, se habrían borrado inexorablemente con el paso del tiempo. 

Por definición, el retrato es la representación de los rasgos fisonómicos de una persona, creada a través de diferentes medios de expresión como la pintura, la escultura, la fotografía y la literatura. ¿Significa esto que cuando miramos un retrato, estamos viendo la efigie real de los rasgos de la persona? ¿Hasta qué punto un retrato es una interpretación libre acordada entre el sujeto y el artista de la realidad a retratar?

En la Edad Media, los retratos se utilizaban con fines oficiales o simplemente con la esperanza de obtener el reconocimiento divino. Retratar a un hombre con otros fines habría sido una voluntad individualista escandalosa, condenada enérgicamente por la iglesia cristiana; habrá que esperar a las primeras representaciones encargadas a los artistas, retratando a sus comitentes (Giotto).

Fue durante el Renacimiento cuando el retrato, fortalecido por el resurgir del clasicismo y el ascenso de la clase media, se convirtió en el género más popular y extendido entre las clases acomodadas. Sin embargo, el retrato seguía siendo un elemento simbólico, casi idealizado, al que los atributos presentes (pieles, animales, joyas, armas, etc.) conferían un doble significado más profundo; la atención a la fidelidad de los rasgos no era el objetivo principal del pintor.

La transmisión de la imagen a la posteridad se convirtió en sinónimo de grandeza, una oportunidad de afirmación social al alcance de las nuevas clases emergentes, ya no un mero legado aristocrático. De los primeros retratos de perfil (evocadores de la numismática romana), los grandes maestros pasaron a una representación menos majestuosa, más íntima, aunque todavía vinculada a las alegorías y a las celebraciones del estatus social.

Leonardo fue el primero en inculcar en sus temas una nueva atención, no sólo a la fidelidad de los rasgos, sino a la caracterización psicológica: una pista del alma de los sujetos representados.

En el siglo XVII se imponen las figuras macizas, que ocupan casi toda la superficie pictórica y aparecen en el mismo plano que el espectador. Pronto dejan paso al “retrato político”: pose de tres cuartos, armadura o atributos de guerra, en la representación de una imagen majestuosa y estatuaria de personajes casi atemporales.

No fue hasta el siglo XIX cuando los artistas dieron mayor prioridad a la expresividad y al mundo interior que a la apariencia física: las pinceladas dramáticas contribuyeron a resaltar los impulsos emocionales y la intimidad de los sujetos; más tarde, con las vanguardias, la descomposición y los extremos afectaron también a los retratos, presentándonos obras con perspectivas cada vez menos naturalistas.

El retrato es, sin duda, uno de los géneros artísticos más complejos y variados de la historia del arte, un enfoque dinámico del contexto en el que se practica y con innumerables resultados, nunca idénticos entre sí. 

PABLO PICASSO “Retrato”. Vendido en Setdart.
JUAN PANTOJA DE LA CRUZ (Valladolid, h. 1553 – Madrid, 1608). “Retrato de Felipe III".. Vendido en Setdart.
OSWALDO GUAYASAMÍN (Quito, Ecuador, 1919 – Baltimore, E.E.U.U., 1999). “Retrato de Atahualpa”, 1945. Vendido en Setdart.
JULIO ROMERO DE TORRES (Córdoba, 1874 – 1930). "Retrato de dama con jarrón de cristal". Vendido en Setdart.
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Arte, flores y simbolismo

Arte, flores y simbolismo

Desde la antigüedad el arte se ha servido del simbolismo para expresar infinitud de conceptos y sentimientos ocultos bajo la apariencia física de todo y cuanto nos  rodea. En este sentido, la carga simbólica del mundo floral adquirirá en el arte una especial relevancia, siendo objeto de las más profundas reflexiones morales, religiosas,políticas y sociales. Su propia naturaleza, bella, fugaz, delicada y alegre, cautivó la mirada de incontables artistas que, fuera cual fuera su época y estilo, hallaron en ellas, la imagen metafórica con la que transmitir mensajes de índole muy diversa. La riqueza de su significación evolucionará y oscilará  a lo largo del tiempo en función del contexto  histórico,  pero también de la intencionalidad del propio  artista.

De hecho ya en las antiguas civilizaciones encontramos las primeras manifestaciones de su carácter simbólico. En Egipto la  flor del loto, representaba el Sol  y por tanto fue considerada símbolo de luz y vida. La importancia que alcanzó se refleja en los múltiples objetos encontrados en la tumba del faraón Tutankamón  en los que aparece esta flor que,  por aquel entonces se convirtió en un verdadero amuleto.

Difunto metamorfoseado en loto. Capítulo 81 del Libro de los Muertos
Escuela flamenca, siglo XVII. “Anunciación”. Lote vendido en Setdart.

Con la llegada del cristianismo, las flores ocuparan un lugar privilegiado como símbolos de una verdad  espiritual. El significado de muchas de ellas se transformó para expresar los dogmas y creencias propias de la nueva  religión cuya importancia se hará  especialmente evidente en la iconografía de los temas marianos  y de  la Pasión de Cristo. De este modo, el clavel asociado hasta el momento al erotismo y a la fertilidad de la diosa Hera,  se convertirá en símbolo de los clavos de Cristo pero también, del amor divino de la Virgen Maria hacia el Niño. Asimismo, durante el Renacimiento será muy común la representación del arcángel Gabriel  tendiéndole un lirio a la Virgen Maria,  como símbolo por antonomasia  de su  pureza castidad y devoción.  Por otro lado, y debido a los 3 pétalos que lo forman, el lirio se asociará también al dogma de la Santísima Trinidad. Otra de las flores más vinculadas al cristianismo y por tanto al arte religioso será la rosa, flor que  acompañó  a Maria desde los primeros tiempos de la Iglesia como expresión de su pureza, sufrimiento y gloria. Junto al lirio y las rosas, las aguileñas tendrán una especial significación dentro de la iconografía cristiana cuya forma de paloma se asociará a la presencia del  Espíritu Santo.

Por otro lado las flores también fueron  un elemento recurrente a la hora de indicar las virtudes o valores del retratado así como su linaje . La mujer a menudo era representada con la flor del cardo o el clavel  como símbolo de amor conyugal y fidelidad. Por su parte la figura masculina aparecía acompañada del lirio cárdeno, la violeta, la vinca o la camomila, todas ellas asociadas a las virtudes del buen caballero cristiano.

Hasta el momento hemos visto como las flores aparecen representadas en el arte imbuidas mayoritariamente en connotaciones religiosas. Sin embargo,  esta tendencia empezará a cambiar con la irrupción de las naturalezas muertas en la pintura holandesa del siglo XVII, siendo ahora cuando  su representación se emancipará del cristianismo, para expresar inquietudes y emociones más “terrenales”. A menudo, estos bodegones descritos con la minuciosidad y el detallismo que caracterizó el arte de los Países Bajos, contienen un mensaje vinculado a  la fragilidad humana y la fugacidad de la vida.  La introducción de flores marchitas se convirtió en un  símbolo de la muerte que hasta entonces se había representado a través de las calaveras y relojes de arena. Por el contrario,  las flores frescas  fueron emblema de poder y del resurgir continuo de la naturaleza.

Uno más de los infinitos significados ocultos tras  las flores se relaciona con la idea de poder, dominio y posición social.En este sentido fue de vital importancia la llegada de especies como los tulipanes o los narcisos que provenientes del antiguo Imperio Otomano tenían un altísimo coste debido a su exotismo. Por esta razón los monarcas y personajes nobles  muy a menudo se hacían representar junto a estas preciadas y distinguidas flores.

Con la llegada del realismo y el impresionismo,  el significado de las flores se torna más personal, siendo fruto de las emociones y vivencias  propias del artista.  Solo debemos  pensar en los nenúfares de Monet ,  los Girasoles de Van Gogh o los ramos de Matisse para darnos cuenta que ahora, las flores serán el vehículo a través del que proyectar las impresiones más subjetivos.

De la mano de artistas tan destacados como Andy Warhol o Georgia O’keeffe,  el arte contemporáneo siguió encontrando en el mundo floral una fuente de inspiración perpetua  que ha permanecido intacta hasta llegar a nuestros días.

"Los nenúfares" de Monet.
Los girasoles de Van Gogh.
"Ramo de flores" Matisse.
Georgia O’Keeffe – White Flower on Red Earth I, 1943
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Vamos a la playa… con los luministas levantinos

A menudo, encontramos definiciones simplistas del luminismo levantino, interpretándolo como una traducción hispana del impresionismo francés. Una mirada más en profundidad del fenómeno paisajístico valenciano y de distintos puntos del litoral peninsular, tal como se desarrolla en las postrimerías del siglo XIX y principios del XX, nos ofrece un panorama algo más complejo.

Si bien es cierto que la luz mediterránea y las playas levantinas imprimieron a la pintura a plain air de valencianos y barceloneses (la Escuela de Sitges sería el segundo gran foco de pintores luministas) un cariz propio, marcado por una paleta de blancos intensos, brillos dorados y refulgentes azules, el luminismo español no es una mera adaptación local del impresionismo del país vecino.

De hecho, el luminismo valenciano y la escuela luminista de Sitges arraigan, por un lado, en la tradición realista de Ramón Martí Alsina y Carlos de Haes, y por otro, abrevan en el paisajismo de la escuela de Barbizon, siendo también la figura de Mariano Fortuny un referente clave

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Vamos a la playa… con los luministas levantinos

Vamos a la playa… con los luministas levantinos

A menudo, encontramos definiciones simplistas del luminismo levantino, interpretándolo como una traducción hispana del impresionismo francés. Una mirada más en profundidad del fenómeno paisajístico valenciano y de distintos puntos del litoral peninsular, tal como se desarrolla en las postrimerías del siglo XIX y principios del XX, nos ofrece un panorama algo más complejo.

Si bien es cierto que la luz mediterránea y las playas levantinas imprimieron a la pintura a plain air de valencianos y barceloneses (la Escuela de Sitges sería el segundo gran foco de pintores luministas) un cariz propio, marcado por una paleta de blancos intensos, brillos dorados y refulgentes azules, el luminismo español no es una mera adaptación local del impresionismo del país vecino.

De hecho, el luminismo valenciano y la escuela luminista de Sitges arraigan, por un lado, en la tradición realista de Ramón Martí Alsina y Carlos de Haes, y por otro, abrevan en el paisajismo de la escuela de Barbizon, siendo también la figura de Mariano Fortuny un referente clave.

El gran acierto del luminismo, un acierto involuntario e inesperado, fue transgredir el academicismo finisecular reinante en el territorio español, pero al mismo tiempo, gozando de una aceptación plena, incluso de los círculos más conservadores.

"Haciendo labores ante el mar" de Sorolla, vendido en Setdart.
A la izq. "Playa de la Malvarrosa" de Segrelles y a la derecha "mujes ne la playa" de Pinazo. Ambos vendidos en Setdart.

La pincelada vibrante, el juego de texturas, la captación instantánea, las abstracciones perceptivas… quedaban de tal modo integradas en los temas costumbristas de Joaquín Sorolla y Alberto Pla Rubio, que el género folclorista de factura decimonónica es radicalmente superado.

Las playas eran para estos pintores lugares donde el goce espontáneo se expresaba en rostros, gestos, baños y colores, en gentes de distinta clase social y de todas las edades. Niños dejándose lamer por las olas en la orilla del mar, elegantes madres vigilándolos, jóvenes divirtiéndose e intercambiando confidencias… Pues la playa era también como un palco de teatro, donde la gente contempla el espectáculo (en este caso, el mar infinito) pero también se observan unos a otros, y les gusta verse socialmente representados. Ropajes blancos y livianos

Las damas de Sorolla visten ropajes blancos y livianos, agitados por la brisa. Cubren sus cabezas con sofisticados sombreros que velan sus facciones. En cada cuadro de Sorolla, el dibujo desaparece bajo el ímpetu de una pincelada que apresa en miríadas de reflejos, transparencias y salpicaduras los diálogos entre el mar, el cielo, la arena y su gente.

Las escenas de costa de los valencianos, con sus deslumbrantes irisaciones tonales, influirían a un grupo de pintores instalados en Sitges, entre ellos, Arcadi Mas, Joaquim de Miró i Roig Soler, quienes se embriagaron de las luces estivales que bañaban al pintoresco (a la par que cosmopolita) pueblo. Pintaron el paseo de la Ribera y la playa desde infinitos ángulos, plantando el caballete en aquella costa privilegiada, siluetada de casas blancas.

El luminismo levantino supuso una valiosa bisagra entre la tradición realista y la modernidad plena, haciendo de eslabón entre el legado de Mariano Fortuny y la generación de Hermenegildo Anglada Camarasa.

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La publicidad y los mass media: del arte pop al neo-pop

El auge del consumo de masas transformaría para siempre el concepto del arte. Hasta los años cuarenta, el arte de vanguardia se había asociado con la hondura conceptual o expresiva, y estaba destinado al deleite de una élite de cultivados. A pesar de querer ser antiburgueses, muchos movimientos rupturistas acaban siendo sumamente elitistas, un arte para iniciados.

El Arte Pop, aunque nació en Inglaterra (el pistoletazo de salida lo dio Richard Hamilton con su humorístico collage“¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”), fue en EUA donde encontró su hábitat idóneo para crecer.

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La publicidad y los mass media: del arte pop al neo-pop.

La publicidad y los mass media: del arte pop al neo-pop.

El auge del consumo de masas transformaría para siempre el concepto del arte. Hasta los años cuarenta, el arte de vanguardia se había asociado con la hondura conceptual o expresiva, y estaba destinado al deleite de una élite de cultivados. A pesar de querer ser antiburgueses, muchos movimientos rupturistas acaban siendo sumamente elitistas, un arte para iniciados.

El Arte Pop, aunque nació en Inglaterra (el pistoletazo de salida lo dio Richard Hamilton con su humorístico collage“¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”), fue en EUA donde encontró su hábitat idóneo para crecer.

La entrada de los televisores en los hogares, la bonanza económica que hizo prosperar a la clase media, los mundos hedonistas que el cine de Hollywood y la publicidad inoculaban a toda hora para dejar atrás las secuelas de la Segunda Guerra Mundial…, fueron el caldo de cultivo para que una nueva corriente artística triunfara como ninguna otra lo había hecho: a lo profundo, el Pop Art opondría lo banal, frente a lo artesanal reivindicaría la producción en serie, y frente a la seriedad filosófica optaría por el humor desenfadado.

Muchas de las figuras claves de esta corriente se habían formado en el mundo de la publicidad: Warhol era ilustrador de la revista Glamour y diseñador de zapatos, James Rosenquist pintaba vallas publicitarias…La estética del cómic ocuparía un lugar estelar (como en la pintura de Lichtenstein), Marilyn y Jackie Kennedy sustituirían a las vírgenes y mártires de la pintura de antaño, las estaciones de servicio y los supermercados serían los nuevos templos, y sus latas en conserva, sus iconos sagrados.

Se disolvieron las fronteras entre la alta y la baja cultura, y desde entonces la ruptura de jerarquías entre lo elevado y lo popular sigue completamente vigente, como tantos otros conceptos introducidos en los años cincuenta del siglo pasado. El neo-pop actual, sin embargo, tiene lógicamente unas connotaciones propias porque la época es otra: la globalización, los problemas con la inmigración, el hipercapitalismo… han dotado a la estética pop de un tono más comprometido. El ejemplo paradigmático de ello es Banksy, quien usa el lenguaje publicitario para criticar los estereotipos que la propia publicidad impone, pero también para reírse del mundo del arte y para poner sobre la mesa la violencia institucional o el drama de los refugiados.

Otros artistas neo-pop, en cambio, se caracterizan por explorar con ironía los límites del buen gusto y el kitsch, como Jeff Koons y sus emblemáticos “Balloon”: una serie escultórica representando perros y corazones que simulan globos de fiesta de cumpleaños. Su afán es meramente celebratorio, dice el artista, rehuyendo siempre cualquier tipo de segunda lectura de sus obras.

Por las galerías online de Setdart se pueden adquirir obras pop y neo-pop de los artistas citados. En estas semanas, Setdart Subastas licita obras de un artista valenciano, Antonio de Felipe, digno seguidor de estas corrientes. Véase, por ejemplo, “Vaca Harley-Davidson” o “Vaca Coca-Cola” (lotes 35296117 y 35196116, entre otros).

 

“Ingenioso, sexy, glamouroso, siempre joven…, así será el arte de mañana”, decía Richard Hamilton en los años cincuenta. Promesas cumplidas.

Lote: 35296117 y 35196116. ANTONIO DE FELIPE. “Vaca Coca-Cola” y “Vaca Harley-Davidson”
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Los Masriera, referentes en la joyería modernista internacional.

Los Masriera, referentes en la joyería modernista internacional.

La creación de la firma Masriera a mediados del siglo XIX supuso un antes y un después en el campo de la joyería artística. Detrás de sus exquisitos resultados, materializados en excepcionales joyas, existió un largo recorrido llevado a cabo por su fundador, Luis Masriera, quien centró su intensa formación en investigar las nuevas posibilidades técnicas de los materiales, así como en explorar nuevos canales creativos para trasladar el movimiento modernista a la joyería.

Tras formarse como aprendiz en el taller familiar y ampliar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, donde se especializó en el esmaltado de metales, Masriera conoció al orfebre René Lalique, una potente fuente de inspiración que le llevo a ensamblar el modernismo con el coetáneo Art Nouveau francés. Así fue cómo el talento del catalán, sumado a las oportunidades que brindaba la Barcelona de finales de siglo, convergió en la creación de una de las firmas de joyería más icónicas a nivel mundial.

Las delicadas y magistrales joyas Masriera reflejaron el mundo de la fantasía y el color del modernismo. Sus diseños, inspirados en el Mediterráneo, en la figura femenina y en el mundo de los sueños, abarcaron desde las formas florales, hasta las mitológicas o las animales. La figura de la libélula, la ninfa o los animales fantásticos se convirtieron en inagotables fuentes de inspiración, claves en el imaginario artístico de la casa, siempre trabajados con excepcionales técnicas como el “pliqué a jour” o el “basse taille”.

En esta exquisita línea se contextualizan las dos piezas Masriera que Setdart subastará el próximo 3 de agosto. Ambas firmadas y realizadas en oro y brillantes, la pulsera (lote 35241448) presenta un delicado diseño calado, mientras que el colgante (lote 35251449)refleja un frontis modernista de marcado simbolismo romántico, decorado con la figura de una hermosa ninfa trabajada con el característico “basse taille” de la firma catalana.

LOTES EN SUBASTA

Lote: 35251449. Colgante MASRIERA en oro amarillo de 18kts, esmaltes al fuego, “basse taille” y un diamante, talla brillante antigu
Lote: 35251448. Pulsera esclava MASRIERA en oro amarillo de 18kts, finales el siglo XIX. Frontis con dibujo vegetal calado decorado con palmas y roleos salpicados de diamantes
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