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La imagen del recuerdo por Canen García.

En la obra de Canen García (Colombia 1975) se mezclan evocaciones de infancia en su Colombia natal con las reiteradas visitas que sigue dedicando a esas tierras de donde extrae unas luces, unos colores, unos oficios condenados a desaparecer…, unas personas (pescadores, campesinos, vendedores de mazorca…) cuyos rostros acaban abstrayéndose hasta devenir iconos de un tiempo, de un lugar en la memoria, la suya y la compartida. El resultado son composiciones que simulan vitrales, tracerías, bellos craquelados que descomponen y recomponen la imagen del recuerdo.

En el siguiente link (ACCESO DIRECTO AQUÍ) podréis encontrar datos completos biográficos.

Como todas las semanas Setdart es invitado a entrar del taller de unos de los artistas con más proyección en la actualidad para hablar con él sobre su inspiración e inquietudes.

Setdart presenta en subasta parte de su obra.

 

 

35034988

GARCÍA, Canen (Colombia, 1975).
“La vecina”,2014. (LINK DIRECTO A SUBASTA)

canen 34988

 

 

¡Suerte en sus pujas!

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El proyecto pictórico y muralista que Jupiterfab

From black and white to color in the city es el proyecto pictórico y muralista que Jupiterfab viene llevando a cabo en paralelo a sus proyectos sociales, con los que colabora con comunidades marginales de distintos países. Con técnica hiperreal “inmortalizo momentos comunes de la vida en las calles”, “subrayo la expresión, los sentimientos que se ocultan tras las máscaras”, nos dice, y en esos rostros resueltos con trazo severo y honda captación nos reconocemos, nos vemos interpelados por el otro anónimo, por su modo de actuar, como espejo del nuestro propio. De todo ello nos habla en el siguiente video:

En Setdart podemos encontrar en subasta una muestra del proyecto que Jupiterfab esta desarrollando en la acutalidad.

 

Lote: 35035026

JUPITERFAB (Italia, 1979).
“One day”,2013.
Acrílico sobre lienzo.  (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

jupiterlab

 

A partir de hoy ya pueden realizar sus pujas. ¡Suerte!

 

 

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Nicolas Rico y sus particulares retratos de ciudades.

Nicolas Rico (Santiago de Chile, 1979) es un flaneur con costumbres peculiares. Deambula las calles para “auscultar la ciudad”, sobre todo a través de las tapas de alcantarillado. Ha desarrollado una técnica propia de grabado y dibujo con tinta china para extraer diferentes impresiones del tejido urbano, al tiempo que como viajero empedernido propone mestizajes curiosos entre símbolos culturales y legados iconográficos.

ENLACE DIRECTO AQUI para acceder a más información y datos biográficos.

 

Podemos encontrar en subasta en los próximos días el siguiente lote;

 

LOTE: 35008458

RICO, Nicolas (Santiago de Chile, 1979).
“Ajuntament de Barcelona, Clavegueram”, 2010.
Grafito, dibujo y frottage sobre papel.

rico

 

A partir de hoy ya pueden pujar ¡Mucha suerte en sus pujas!

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Karenina Fabrizzi; la dualidad poética del dolor.

Influenciada por el arte italiano, algo que lleva en la sangre, Karenina Fabrizzi (Italia, 1970) abre las puertas de su taller y nos explica sus proyectos, el trasfondo de sus obras y su manera de trabajar para reflejar la dualidad de la que todos estamos hechos.

Fabrizzi, tras acabar la formación en Bellas Artes en su Italia natal e influenciada por el arte italiano, mayormente del Quatrocentto y del Renacimiento, en general, se inicia en la elaboración de frescos. De Italia viaja a Londres donde trabaja para una importante empresa dedicada a la pintura de murales, después se traslada a Nueva York y allí desarrolla su trabajo en diferentes talleres y acaba como asistente de Jeff Koons.

 

Una vez instalada en Barcelona  decide centrar su obra en la dualidad con imágenes espejadas que reflejan la duplicidad. En su obra puede verse la influencia del arte mural y del Pop Art, vestigio de la época que pasó con Jeff Koons.

Actualmente está desarrollando un nuevo proyecto, una nueva serie en la que el protagonista es el dolor. Fabrizzi pretende expresar la parte poética del desconsuelo. Infinitas capas de pintura se superponen sutilmente, con flores y plantas que se cruzan entre sí como claro reflejo de los pensamiento contradictorios y de nuestro subconsciente más interno: “Mi obra tiene un evidente lado oscuro pero también encarna una sensación de fragilidad y vulnerabilidad que es constante en mi trabajo” El dolor bien entendido y bien expresado puede ser algo muy bello y positivo y contemplando su obra, como la que podemos encontrar en subasta el 21 de Julio, entendemos ese enfoque tan personal que Fabrizzi quiere explicar al observador.

 

35125899 (ACCESO DIRECTO AL LOTE)

FABRIZZI, Karenina (Italia, 1970).
Poupette.2016.
Óleo y tinta sobre tela.
No nescesita marco. Listo para colgar.
Medidas: 120 x 120 cm

Karenina Fabrizzi realizó estudios y talleres de arte en distintas ciudades: School Of Visual Arts New York; City Lit College, Londres; Fine Art & Graphic Design, Escuela superior de Creativos Publicitarios, Buenos Aires; Murals, frescos, Oil paintings and preparation of surfaces and walls, Milán; Fine Art Workshop, Life Drawing and Painting, Boter Santaló, Barcelona. Exposiciones: 2015- 2015 ARTZU Gallery Manchester,UK; Bushwick Open studios Brooklyn, NY: individual en Blair Clark Art consultant, New York; Glasgow Art Fair Arusha gallery; Liverpool Art Fair Arusha gallery; AAF, London Battersea; Villa del ArteAAF Brussels; Villa del arte, Maison & Object Paris, Ici et la. 2014- AAF, Singapore, Villa del arte, Arusha Gallery, Edinburgh Art Fair; Arusha Gallery Edinburgo, UK; “It’s just a quick walk to the future from here” AAF Hamburg, Villa del arte AAF Amsterdam; AAF Stockholm

AAF London; Affordable Art Fair Battersea, Villa del arte Gallerie. 2013-AAF Hamburg, Villa del Arte, Barcelona; AAF Seattle, Villa del Arte, Barcelona, AAF Amsterdam, AAF New York, La Plataforma, AAF London Battersea Park, UK; 2012-“Kaleidoskop oder die Lust an der Kunst”; Connex & Salve Art Gallery Halle, Germany; Swiss Art Space, Lausanne Switzerland; Salve Art Gallery Leipzig, Germany; muestra individual La Plataforma Art Gallery, Barcelona.

¡Podéis pujar por esta obra hasta el 1 de Diciembre!

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Monique van Steen (Holanda, 1976). “Reina”.

Lote en subasta:

Monique VAN STEEN

VAN STEEN, Monique (Holanda, 1976).
“Reina”.
Acrílico y esmalte sintético sobre lienzo.
Firmado.
Se adjuntará certificado de autenticidad a petición del comprador.
Medidas: 81 x 130 cm.

 

Monique van Steen estudió bellas artes, licenciándose en 1999 en Hogeschool voor Kunst en Vormgeving´s, Hertogenbosch. Con la beca Erasmus, estudió en la Politécnica de Valencia. Complementó su formación en la asociación de amigos del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina y en el Cercle Artístic de Sant Lluc de Barcelona (dibujo con modelo vivo, 2007). En sus inicios se especializó en cerámica escultórica, pero con el tiempo cobraron urgencia la necesidad del color y la expresión directa. Viró del dibujo hacia la pintura de forma natural para satisfacer su búsqueda plástica. Se centra en la figura humana y el retrato, estando muy presente el elemento narrativo y, sobre todo, el potencial emotivo. Monique siente que la luz mediterránea ha marcado la evolución reciente de su trabajo.

Ha celebrado individuales en la galería Artevistas de Barcelona (2010, 2012) y la galería Km5 de Sant José de Sa Talaia (2006), entre otras. Ha participado en numerosas ferias y colectivas: Artbrusellas, Art Toronto, Sunny Art fair de Jordania, 19Karen Mermaid beach de Australia, Museo de Lalín (Galicia), AAF (Nueva York, Londres, París)… En 2005 obtuvo Mención de honor en el III premio de pintura joven Menarini. Monique van Steen explora las potencialidades expresivas de primeros planos de rostros femeninos y logra registrar las minúsculas reverberaciones íntimas que subyacen a la imagen exterior de uno mismo. Sus pinturas están hechas por capas: sobre los retratos de contornos limpios que realzan la belleza armónica de los rasgos despliega una orquesta de trazos serpentinos y drippings que convulsionan las expresiones. Esos trazos desestabilizan la apariencia sosegada del semblante e introducen el elemento temporal que convierte la imagen fija en secuencia de acontecimientos que se repliegan en sí mismos, haciendo aflorar lo subjetivo. Los grandes formatos intensifican esos efectos.
 

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Luis Gordillo
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Luis Gordillo en Artium, Vitoria-Gasteiz

Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
presenta la exposición Luis Gordillo XXL/XXI

 

Luis Gordillo

Parque Jurásico. Luis Gordillo 2009

  • Gordillo es una figura esencial de la pintura española y uno de los artistas de mayor proyección internacional.
  • El título de la muestra hace referencia tanto a las dimensiones de las obras presentadas como al hecho de que sean de producción reciente, del siglo XXI.
  • La exposición de Gordillo forma parte, junto con Xuxurlaka, de Juan Mieg, del programa En Paralelo, con el que Artium se rinde al poder de la pintura contemporánea.

 

Luis Gordillo XXL/XXI Pinturas recientes
Director del proyecto: Enrique Martínez Goikoetxea
Desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014
Más información

Luis Gordillo

No te miro no te veo. Luis Gordillo 2010

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo presenta la exposiciónLuis Gordillo XXL/XXI (Sala Norte, desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014), en la que el artista sevillano, figura esencial de la pintura española contemporánea, presenta una selección de las obras en las que ha trabajado en los últimos años. El título de la exposición hace referencia tanto a la dimensión de las pinturas, en general de gran formato, como al hecho de que todas ellas hayan sido realizadas en los últimos años, dentro del siglo XXI.

En total se trata de cerca de 40 obras –algunas de ellas constituyen series que se presentan como una unidad- que, unidas al montaje de la exposición, tratan de trasladar al museo la imagen caleidoscópica del taller de Gordillo. Luis Gordillo XXL/XXI forma parte junto con la exposición Juan Mieg. Xuxurlaka del programa En Paralelo, con el que el Centro-Museo trata de hacer coincidir en el tiempo y en el espacio a dos autores que han desarrollado un significativo trabajo en el “paraíso perdido” de la pintura. Es una producción de Artium y cuenta con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava y del Gobierno Vasco.

La exposición Luis Gordillo XXL/XXI muestra en las salas de Artium la copiosa fecundidad creativa del autor sevillano. La exposición, cuya selección de obra y articulación ha estado planteada por el propio artista, se gestó un año y medio antes de la fecha de inauguración, durante una visita al estudio del artista. En ese lugar se conformó la estructura básica del proyecto, cuya pretensión podría resumirse en la idea de trasladar la imagen caleidoscópica de su taller al espacio de exposición, es decir, en presentar el trabajo del Gordillo menos mediatizado o influenciado por otros intereses que no sean los propios de la experiencia estética, de su realidad creativa actual. En líneas generales, la selección de obra se ha realizado entre aquellas piezas de su última producción, incidiendo en grandes formatos y aquellas series en las que se encuentra investigando actualmente, dos tipos de obras con una fuerte presencia en su proceso de trabajo.

 


Además…

Juan Mieg. Xuxurlaka
Pinturas recientes
Director del proyecto: Enrique Martínez Goikoetxea
Sala Norte, desde el 9 de abril hasta el 24 de agosto de 2014
Catálogo de la exposición, con textos de Jaime Cuenca, Santiago Arcediano y Enrique Martínez Goikoetxea
Más información

Marie-France VEYRAT
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Marie-France VEYRAT (Lyon, 1951). “Intents de recuperació”.

Marie-France VEYRAT

Lote en subasta:

VEYRAT, Marie-France (Lyon, 1951). 
“Intents de recuperació”, 2003.
Técnica mixta sobre madera.
Firmado en el ángulo inferior a la derecha.
Se emitirá certificado de autenticidad a petición del comprador.
Medidas: 68 x 98 cm.

 

Artista plástica multidisciplinaria, con preferencia por la investigación pictórica de carácter matérico, destaca su constante interés por la experimentación. Realiza incursiones en diferentes lenguajes plásticos como el tapiz, la pintura, la escultura, la instalación , el arte digital y el land art. Se inicia en el arte textil en los años setenta y más tarde se decanta por la pintura informalista, centrando su interés en la técnica del collage e integrando elementos textiles y materia orgánica en sus obras. Hacia 1996, aunque había realizado ya obras textiles escultóricas, se acerca cada vez más hacia la tridimensionalidad. Desde 1982 participa en numerosos certámenes y realiza exposiciones tanto a nivel nacional como internacional. Después derivará hacia los objetos geométricos de tendencia monocroma.

Exposiciones colectivas (selección): 2013 ExPortArt–ImPortArt, 1a Biennal d’Art Contemporani, Tinglado 4 del Port de Tarragona; AAF Feria. Londres, Inglaterra, Alicia Rey Gallery, Madrid; Album Amicorum. Tom Maddock Gallery, Barcelona; 2012 Finalista Premio Escultura Fundació Vila Casas Palafrugell 2012. Can Mario, Girona; 2011 Art Madrid’11 VI Feria de Arte Contemporáneo. Madrid, Galeria Atelier; 2010 Budapest Art Fair. Hungría, Colors Art Gallery, Bucarest; 2009 3r Premio de Pintura Torres García. Sala Caixa Laietana, Mataró, Barcelona; 2008 Bienal XXXIV Premio Julio Antonio Escultura. Museu d’Art Modern de Tarragona; UrSmile. Work in progress. Net Art. ARCO, Madrid…

Ha celebrado individuales en Galeria Atelier, Barcelona 2013; Hotel Catalonia Berna 13; Galeria Pilar Riberaygua Andorra 2012; Galeria Pou d’Art, Sant Cugat del Vallès 2008; Galeria d’Art Torre Baró, La Selva del Camp 2006; Espai Artloft, Reus… Recibió, entre otros galardones, primer premio de escultura Modest Gené. Fundació Reddis, y finalista 3er premio de Pintura Torres García, Mataró 2009.

Está representada en colecciones públicas y privadas: Fons d’Art Contemporani de la Torre Vella de Salou, Fondo de arte del WTC Eurostars Grand Marina Hotel, Barcelona; de la Universitat Rovira i Virgili, Tarragona, Activa Mutua 2008, Reus; Tecnol, Reus; Fundació “Caixa Penedès”, Vilafranca del Penedès, Barcelona; HP. Madrid; Ticnova; Lisboa Penta Hotel; Galeria Display Departamento, New York; ayuntamientos de Cambrils, Reus…

 

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OFFICIAL RULES PHOTO CONTEST

Español     

Facebook

 

SETDART ONLINE S.L., with registered office at 346 Aragon Street, Barcelona, and tax identification number B-63637953, through the bases posted below, establishes the rules by which to govern this photography contest.

 

1. PURPOSE

The SETDART BARCELONA PHOTO CONTEST intends to see the city of Barcelona through the eyes of its visitors. The aim is to analyze how people from other countries see our city and what makes Barcelona the third most photographed city in the world (according to Google and Sightmaps).

The aim is that participants provide their personal and unique view of Barcelona, including any feature they may consider representative of the city.

The contest consists of the publication of photographs on the Facebook group created for this purpose. Twenty-five pictures will be shortlisted and a jury will select a winning photo among them.

 

2. TERM

The contest begins February 17, 2014 and ends May 19, 2014, 10 p.m. (UCT +1).

Photographs submitted after the deadline will not enter the contest.

 

3. HOW TO ENTER

Notice and rules for this contest will be announced on the website http://setdart.com, both in English and Spanish. In order to take part in the contest, a Facebook account will be required, as well as complying with the conditions of this network.

Participants must:

  • Assign a title to the picture.
  • Tag the picture with the at least one of the suggested hashtag/s: #SetdartBarcelona, #SetdartPhotoContest, #Barcelona, #art, notwithstanding any other tags that the author might want to include .
  • Post the picture on the Facebook group ‘Setdart Barcelona Photo Contest’ (https://www.facebook.com/groups/setdartbarcelona/).

By submitting an entry, each entrant agrees to the Official Rules and warrants that his or her entry complies with all requirements set out in the Official Rules.

Each participant may submit up to 2 photographs.

Photographs taken prior to the publication of these rules are eligible, provided they meet all conditions of participation.

Setdart may publish on its website https://www.setdart.com/, Facebook page https://www.facebook.com/setdartauction, https://www.facebook.com/setdartsubastas, Twitter page https://twitter.com/setdart and blog http://setdart.org/ any photographs it deems useful to promote competition during the contest. After the contest, Setdart may publish the winning photo, always crediting its author.

 

4. FEATURES OF PHOTOS

Submitting a picture to the contest implies the confirmation that the photograph:

  • Has been taken in the city of Barcelona.
  • Has been taken ​​by the contest entrant and is an original work.
  • Does not contain references to third-party trademarks.
  • Has no obscene, sexually explicit, violent, offensive, inflammatory or defamatory content.
  • The participant has obtained the necessary authorizations from the people that may appear in it.

By entering the Contest, entrant acknowledges and warrants that the submitted photograph is an original work created solely by the entrant, that the photograph does not infringe on the copyrights, trademarks, moral rights, rights of privacy/publicity or intellectual property rights of any person or entity, and that no other party has any right, title, claim, or interest in the photograph. The photograph must not contain obscene, provocative, defamatory, sexually explicit, or otherwise objectionable or inappropriate content.

The organizing committee is entitled to reject any photographs that comply with the above features, damage the image of Barcelona, ​​as well as those which discriminate on grounds of birth, race, sex, religion, opinion or any other personal condition.

 

5. PRIZE

The prize consists of a two-night stay for two people at a hotel selected by Setdart, in the city of Barcelona. Availability needs to be checked before booking.

The prize is valid for 2014.

Under no circumstances the prize may be exchanged for money.

 

6. PARTICIPATION TERMS

  • Individuals:

Contest is open to individuals of legal age who are not involved in the preparation of this contest.

Setdart especially encourages amateurs to participate, since this is not a competition aimed at professional photographers.

  • Content:

Participants assume responsibility for the contents of the proposal and shall be liable to third parties. If the photograph contains any material or elements that are not owned by the entrant and/or which are subject to the rights of third parties, and/or if any persons appear in the photograph, the entrant is responsible for obtaining, prior to submission of the photograph, any and all consents necessary to permit the exhibition and use of the photograph in the manner set forth in these Official Rules without additional compensation.

  • Acceptance of conditions:

Participation in the contest implies full acceptance of all the rules and involves submission to interpretative decisions of the jury.

 

7. SELECTION PROCESS

Contest consists of two rounds of evaluation. In Round One, photographs will be displayed on the Facebook group created for this purpose, and susceptible of being “liked” and “shared” by any Facebook user. The entries considered most popular will proceed to Round Two. In Round Two, the Judges will collectively select a winner from among the photographs selected in Round One.

  • ROUND ONE:

Among all the photographs that meet the eligibility requirements described in these rules, the 10 most popular photos on Facebook will be selected. Popularity criteria to be considered are the number of “likes” and the number of “shares” on the Facebook network.

  • ROUND TWO:

The shortlisted photographs will be passed to the jury, who will meet on May 20, 2014. The jury will then select a winning photograph. Starting on May 22, 2014, Setdart will contact the winner through their Facebook profile and by the means available and considered appropriate.

Setdart will instruct the winner to facilitate their name, phone number and mailing address. In the event of failure to contact the author of the winning photograph, a second picture will be chosen.

The outcome will be published on Setdart’s website http://setdart.com and Facebook pages https://www.facebook.com/setdartauction, https://www.facebook.com/setdartsubastas.

 

8. JURY

The jury will be composed by members of Setdart staff and professionals selected for this purpose.

The jury members are:

 

The judging criteria will be:

• The originality of the image.

• The image’s representativeness of the city of Barcelona.

Decisions made by the jury will be final.

 

9. LICENSE

By entering the contest, all entrants grant an irrevocable, perpetual, worldwide non-exclusive license to Setdart, in accordance with current copyright law.

These rights include license for Setdart to reproduce, distribute, display and create derivative works of the entries (along with a name credit) in connection with the contest, in any media now or hereafter known.

 

10. DATA PRIVACY

Setdart will comply with current legislation regarding the protection of personal data, set by Law 15/1999 and Royal Decree 1720/2007 of 21 December, by which the Regulation Act is approved.

Entrants agree that personal data may be processed and used for the purposes and within the context of the contest. The data may also be used by Setdart in order to share information about new contests and other commercial and promotional information via e-mail or other delivery channels.

Participants have the right to access, review, rectify, or cancel any personal data held by Setdart. Personal data will be used by Setdart exclusively for the purposes stated herein.

In any litigation that might arise from this promotion and the interpretation and application of these rules, both Setdart and the participants expressly waive any privilege that may apply to them, and are subject to the courts and tribunals of the city of Barcelona and the Spanish State law.

 

Post your pictures on our Facebook group Setdart Barcelona Photo Contest

 

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Rosemarie Allers

Rosemarie Allers es una autora sin fin, para la que la búsqueda es su medio de vida y la introspección personal su quehacer. Como artista, tiene un compromiso con la sociedad y así lo muestra en cada una de sus obras, en un constante conflicto de diálogo de sexos, en el que el hombre y la mujer salen a escena enfrentados mostrando la auténtica verdad que nos enseña intrínsecamente la humanidad más trivial.

Energía es su pasión, que nos exhibe de forma tenaz con la transformación de la mujer a través de la ironía y el individualismo que nos sumerge en una confusión universal y subjetiva. Su personalidad se ve reflejada en sus gestos improvisados y transparentes que endulza tan solo con el color justo y necesario.

La obra de Rosemarie no tiene intereses establecidos, la artista pinta mientras habla, y camina hacía la autenticidad de un horizonte ensalzador de la mujer, culto de nuestra mejor naturaleza.

Juan Carlos Piqueras

 

 

 

 

Biografía

Rosemarie Allers nace en Buenos Aires, Argentina. En su juventud estudia dibujo, pintura y escultura con el artista Horacio Suárez en Córdoba, Argentina. Posteriormente se introduce unos años en el Teatro. Estudia con destacados profesores en el Conservatorio Nacional de Arte Escénico de Buenos Aires. Realiza una gira de Teatro por Latinoamérica durante un año. Posteriormente continúa representando obras de teatro en español y en alemán, su lengua materna, en Buenos Aires. 

Esta etapa dedicada al teatro marca significativamente la imagen en su pintura, a la cual se dedica posteriormente de forma definitiva. Asiste largos años a talleres de prestigiosos pintores como Jorge Demirjian y Clelia Speroni. Realiza estudios de Teoría e Historia del Arte. Desde 1988 expone en importantes Galerías y Centros Culturales en Buenos Aires como el Palaise de Glace  y Centro Cultural Recoleta.

En 1996 inicia un recorrido de exposiciones por Europa y Asia: participa como artista invitada por Marlbourough Gallery en el “Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Montecarlo” en Mónaco, en representación de la Argentina.  Luego en 1997 continúa con una gran muestra individual de sus pinturas en Tokio, Japón. Desde 1998 prosigue su gira por Sudamérica. Expone en Chile, Brasil y posteriormente en los Estados Unidos. Desde 1999 expone en importantes museos de las Provincias Argentinas.

En el año 2001 es invitada a exponer en Roma, en la Galería L´Indicatore d’Arte Contemporánea, y en Utrecht, Holanda. En el 2003 es invitada por la “Societé Imaginère” a exponer en el Kulturhaus “Altes Rathaus” en Potsdam, Alemania, y en 2004 es invitada nuevamente a Alemania, esta vez por la Intendencia de Potsdam, con tal de obsequiar su cuadro denominado “HALCÓN“ a dicha ciudad. Este cuadro de Rosemarie representó para ellos una Imagen del “Águila Prusiano” que representa el Escudo de Alemania desde el siglo VII.

En el año 2007 participa en la muestra denominada “Fuerza Argentinos” en la SOHO20 CHELSEA GALLERY de Nueva York, junto a grandes artistas como Marta Minujin, Diana Dowek y Erik Adrian Van der Grihn. Desde 2008 hasta 2013 realiza exposiciones en Buenos Aires y diferentes provincias de la Argentina: Galería de Erik Adriaan Van der Grijn,  Museo Caraffa, Rosa Galisteo de Rodriguez, Museo de Arte Contemporáneo de Salta y Casa de Cultura Argañaraz Alcorta. En 2013 presenta una gran muestra de sus obras en ART FUSION BCN, en Barcelona, España.

Poseen obras suyas coleccionistas en Argentina, Uruguay, Japón, Francia, USA, Italia, Chile, Colombia, Bélgica, Rusia, España y Canadá.

Bibliografía:

FÈVRE, Fermín: Treinta años de arte argentino (Una visión parcial). Fundación Pettoruti: Buenos Aires, 1997.
SANCHÍS MUÑOZ, José R. Japón y la Argentina. Historia de sus relaciones. Sudamericana, Buenos Aires, 1997.
SVANASCINI, Osvaldo. ABC de las artes visuales en la Argentina. Artotal, Buenos Aires, 2006.

 

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Federico Eguía

Basta con situarse durante unos breves minutos ante una obra de Federico Eguía para comprobar que esta se mueve bajo nuestra mirada, construyéndose una pieza nueva ante cada nuevo espectador: el artista rechaza la pasividad de la percepción y propone que obra de arte y público receptor se construyan mutuamente. Para ello, Federico Eguía envuelve todo su quehacer pictórico de una neblina poética que desarrolla un idioma particular y penetrante que imanta al espectador.

En su obra, de cuidado planteamiento intelectual y pictórico, lleva a cabo un inteligente juego que oscila entre la abstracción más lírica y una geometría poética, en el que la distribución del espacio, los planos cromáticos y una clara voluntad integradora de materiales e investigaciones estéticas constituyen características fundamentales de su personal y riguroso discurso. Su lenguaje plástico se encuentra lleno de reveladores hallazgos conseguidos a base de transitar por la precisión poética y el rigor técnico, estético y compositivo. La obra de Federico Eguía es, por tanto, fundamentalmente reflexiva en ella podemos descubrir la verdad que caracteriza lo autentico y lo meditado, lejano a cualquier retoricismo.

Cada cuadro presente en la exposición que presenta en la galería Catarsis es una sentencia bien construida. En ellos introduce frecuentemente textos escritos con intención plástica, intelectual, simbólica e incluso irónica, ya que las palabras casi ilegibles, como levemente susurradas al espectador, acaban configurando una dramática dialéctica en torno a la comunicación incomunicación. En ese proceso incluso el soporte se abre para mostrarnos con absoluta naturalidad los materiales escondidos o bien, en determinadas ocasiones, se sobrepasa la bidimensionalidad propia de la pintura para indagar en el objeto tridimensional por medio de piezas de madera superpuestas o incisiones realizadas en el mismo soporte de la obra.

La minuciosa técnica que descubrimos en la obra de Federico Eguía no ahoga el sentimiento que transmite a sus composiciones, sino más bien ayuda a potenciar la fuerza comunicativa de una obra plena, armónica y sabiamente equilibrada. Cada pieza de Federico Eguía supone una condensación de experiencia, convirtiendo el soporte de su obra en el receptáculo perfecto de toda la sabiduría que su trayectoria artística le ha proporcionado, demostrando siempre una portentosa capacidad de pensar la pintura.

CARLOS DELGADO

 

 

 

Federico Eguia

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

1988
– Aula de cultura Caja Madrid – Alcalá de Henares, Madrid.
1990
– Biblioteca de Buitrago de Lozoya – Buitrago de Lozoya, Madrid.
1997
– Casa de la entrevista, Fundación Colegio del Rey – Alcalá de Henares, Madrid.
1998
– Royal – Alcalá de Henares, Madrid.Federico Eguia
1999
– Galería EXPOARTE – Madrid.
– Semana Cultural Casa de Andalucía – Alcalá de Henares, Madrid.
– Sala Picasso, Lido Degli Estensi – Ferrara (Italia).
– Galería Albaquercus – Madrid.
– Eclectismo do Terceiro Milenio, Quinta das Cruzadas – Sintra (Portugal).
2000
– Casa de Cultura – Alcobendas, Madrid.
– Galería de Arte Madrid-2000 – Madrid.
– Galería de Arte Pintor Agustín Alegre – Teruel.
– Espais D’ ART ACEA’S – Barcelona.
2001
– VITULANO – Campaña (Italia).
– Galería de Arte Madrid-2000 – Madrid.
– Galería de Arte AMAT – Lleida.
– Ralb&Co Fine Arts Gallery.
– Miami Art Center – U.S.A.
2002
– Galería de Arte International Tarrasa, Art Promotion – Barcelona.
– Galería Catarsis – Madrid.
– Sala de Exposición Ayto. de Cambrils – Tarragona.
– Galería de Arte Per-For ART – Espai, Barcelona.
2003
– Galería de D’ ART LEBASI – Palma de Mallorca.
– Sala municipal de exposiciones – Torrejón de Ardoz, Madrid.
– Sala Gamonal, Caja Burgos – Burgos.
– Sala Ambits Cambris – Tarragona.
2004
– Galería Catarsis – Madrid.
– Centro Cultural LA DESPERADA – Villanueva, Madrid.
– Galería Espacio Tres – Málaga.
2005
– Galería de Arte ARS – Madrid.
– Galería Soledad Arroyo Gil – Toledo.
– Galería de Arte ANAGMA – Valencia.
2006
– Galería Catarsis – Madrid.
– Galería de Alba – Ferrara (Italia).
– Torreón de Lozoya – Segovia.
– Sala Aulencia – Villanueva de la Cañada, Madrid.
2007
– Galería d’ART Nuriart – Alcanar, Tarragona.
– Galería Amador de los Ríos – Madrid.
– Galería Soledad Arroyo Gil – Toledo.
2008
– Galería Catarsis – Madrid.
2009
– Agnama Roma – Valencia.
2010
– Maison d`Espagne de la región parisienne – Paris (Francia).
– Galería El Cuarto Simpático – Madrid.
2012
– Galería El Cuarto Simpático – Madrid.
– Art Fusion Bcn – Barcelona.

 

Federico Eguia

PREMIOS

– 1º Premio de 5ª Bienal de Artes Plasticas “Rafael Alberola”. En la modalidad de pintura.
– 1º Premio de Escultura Contemporánea de 6º Salo Internacional d’artes Plástique ACEA.
– 2º Premio del XXXIV, Salon Int. Du Val d-Or.
– 2º Premio ART HOWARD – Ferrara, (Italia).
– 2º Premio de Triennale del Minicuadro. Galleria de arte Moderno ALBA – Ferrara, (Italia).
– 2º Premio de Escultura conceptual del 4º Saló Internacional d’Artes Plástique, ACEA – Barcelona.
– Premio de Cámara de Comercio de Ferra – (Italia).
– Premio del Ayuntamiento de Vitulano Campana – (Italia).
– Premio Manzana de Bronce, Bienal.
– Mención de Honor del 5º Saló Internacional. D’Artes Plástiques ACEA – Barcelona.
– Seleccionado II Premio Castellana de Pintura – Madrid.
– Seleccionado XXXI Concurso Internacional de Pintura “Rafael Zabaleta” – Quesada, Jaén.
– Seleccionado en el XVIII Premio Ciudad de Alcalá de Pintura.
– Seleccionado LVIII Premio Centelles – Barcelona.
– Seleccionado XVI Premi de pintura “Antoni Mir”. Cercle Belels Arts de Lleida.
– Seleccionado en el Premio de Pintura Remo Brindizi, Europ Arts Groups – (Italia).
– Seleccionado en el IV Premio Villa de Coslada.
– Seleccionado en el XVII Premio Internacional de pintura Eugenio Hermoso – Fregenal de la Sierra, Badajoz.
– Seleccionado LIX Premi Centelles – Barcelona.
– Seleccionado IV Concurso Escultura Ciudad de Leganés – Leganés, Madrid.
– Parque Escultórico del Rincón de Ademuz.
– Seleccionado XXIII Concurso de Pintura Rafael Zabaleta – Quesada, Jaén.
– Seleccionado X Premio Ibérico de Escultura Ciudad de Punta Umbría – Punta Umbría, Huelva.
– Seleccionado en la IV Bienal de pintura Antogonza – Alicante.
– Seleccionado en el I concurso de Pintura de Torrejón de Ardoz – Torrejón de Ardoz, Madrid.
– Seleccionado en el LXII de Centelles – Barcelona.
– Seleccionado en el XI Premio Ibérico de Escultura – Punta Umbría, Huelva.
– Seleccionado en el XIV, Certamen de Villa de Rota.
– Seleccionado en el XX, Premio de Pintura Maria Vilaltella Roure – Lleida.
– Seleccionado en el concurso de Escultura del IV Centenario del Quijote – Leganés, Madrid.
– Seleccionado en XX, Premio de Pintura de Centelles, Bacerlona.
– Seleccionado en el concurso de Escultura – Sabiñanigo, Huesca.
– Seleccionado en el XIII Premio Internacional de escultura Ángel Orensanz – Huesca.

 

OBRA EN GALERIAS (OBRA EN PERMANENCIA)


– Maika Sánchez. Valencia
– Catarsis. Madrid
– Anagma Copenhaguen. Valencia
– Perforart. Barcelona.
(Obras en museos de España, Europa y Estados Unidos).

 

 

Ivana FLORES
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Ivana FLORES (Barcelona, 1974). “Face in colors”.

Ivana FLORESLote en subasta:

FLORES, Ivana (Barcelona, 1974).
“Face in colors”.
Óleo sobre lienzo.
Se emitirá certificado de autenticidad a petición del comprador.
Medidas: 130 x 97 x 3 cm.

 

La pintura y el dibujo son los lenguajes elegidos por Ivana Flores para sumergirnos en fantasías existenciales con trasunto real. Empezó su andadura expositiva participando en festivales de arte contemporáneo como el BAC (’01, ’02), organizado por La Santa, Barcelona; así como en J&B Party Project (Madrid); BarForum Bcn, y Barcelona Art District.

Entre sus exposiciones individuales citamos las celebradas en el Convent de Bagur, La Cova de les Cultures 2011, Bcn; Convent de Sant Agustí, Bcn (2012, 2013); Pati Manning de Barcelona, 2013; El Bigote del Señor Smith, Barcelona, 2013. Ha participado en muestras colectivas organizadas por La Santa, la galería Iguapop (Barcelona, 2012); Virgin-Arch, 2013; Tallers Oberts, 2013; Urban Art Secrets 2013; Festival Weart 2013; Contemporary art fair Swab 2011, Swab 2012, entre otras ferias y festivales.

Ivana combina lenguajes extraídos de fuentes diversas, desde el decorativismo art nouveau hasta el pop art, filtrado por su afinidad con el pop nipón y la estética kawaii. A través de ese sincretismo aborda temas relacionados con la construcción de la identidad en edades especialmente vulnerables, o la colisión entre una individualidad forjada como imagen pública y el yo más íntimo. En ocasiones despliega sobre el lienzo laberintos cartografiados por mentes fantasiosas que dan vida a pequeñas criaturas que se reproducen cuál esporas. En otras, mujeres adolescentes aparecen aprisionadas entre efervescencias moleculares o recostadas sobre lechos multicolor. O bellos rostros hechos de retales ocultan los rasgos personales en juegos de máscaras y evasión.

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PECA
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PECA (Argentina, 1965). “Fibonacci y la ecuación de los conejos”.

PECALote en subasta:

PECA (Argentina, 1965).
“Fibonacci y la ecuación de los conejos”.
Acrílico sobre lienzo.
Se emitirá certificado de autenticidad a petición del comprador. 
Medidas: 120 x 80 cm.

 

Peca se graduó en la Universidad Nacional de Bellas Artes de La Plata (Argentina). En Buenos Aires celebró exposiciones y recibió importantes premios: Mención Pintura Salón Provincial de arte joven Buenos Aires 1993; Primer premio grabado Salón nacional de la Mujer, entre otros. Colaboró como ilustradora en las revistas Sex humor y Rolling Stone.

En 2001 llegó a Barcelona. Realizó portadas de discos de Costo Rico. Ilustró revistas como Iguazú, Nativos, LooKdeBook. Sus cortometrajes en stop motion junto a Hernan Cieza han participado en festivales como Annency y Animamundi. En los últimos años, dedicándose de lleno a la pintura, ha sido invitada a exponer en galerías de todo el mundo. Destacamos las muestras más recientes: individuales en Fousion Gallery de Barcelona (2013); August Clown Gallery de Australia (2013); Convento de Sant Agustí de Bcn (2011); colectivas en Gristle Gallery de Nueva York (2013); en Arch Enemy Gallery de Philadelphia (2013). En 2010 ilustró el libro “No-Fábulas” con texto de Eduardo Rezzano. Las publicaciones Miroir Magazine, Usa; Catapult magazine, Usa; Churn Magazine, Usa; Franceville, Argentina, entre otras, han reseñado su obra.

A lo largo de su periplo artístico, Peca ha ido desarrollando una pintura singular forjada sobre mitos y creencias de propio cuño. Desde los personajes circenses y bufonescos de sus primeras series hasta las visiones galácticas de kachinas hopi, su obra se ha ido enriqueciendo con la espiritualidad de filosofías orientales y cosmologías amerindias, pero reinventándolas y remezclándolas sin cesar con sus propios sueños.

 

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Oscar SECO
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Oscar SECO (Madrid, 1964). “I need a new job 4”.

Oscar SECO

Lote en subasta:

SECO, Oscar (Madrid, 1964).
“I need a new job 4”, 2003 (serie: “The Earth Remains”).
Acrílico sobre tela.
Se emitirá certificado de autenticidad a petición del comprador. 
Medidas: 81 x 100 cm.

 

Oscar Seco se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Inició su meteórica carrera expositiva en 1984, exponiendo aquel año en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, en el Círculo de Bellas Artes, Sala Amadís y Galería Aldaba. Desde 1998 ha participado en las ediciones anuales de ARCO, con la galería Seiquer de Madrid. Ha expuesto por todo el mundo y se han editado numerosos catálogos de su obra. Está representado en importantes colecciones. Entre sus últimas individuales citamos las celebradas en 2013 (Galeria Vuelapluma y Galería Blanca Soto de Madrid, Galeria Trinta de Santiago De Compostela), 2012 (Galeria La lisa de Albacete, Centro Cultural de las cigarreras de Alicante), 2011 (Galeria Matthias Hauser.La Coruña), 2010 (Galeria Cmtv. Barcelona), galería Ferran Cano (2000-2008)… Ha participado en numerosas colectivas, entre las últimas: Museo Lazaro Galdiano.Madrid (2013); Matadero y Twin Gallery de Madrid, Crypt Gallery de Londres (2012); Instituto Cervantes De Chicago; Biblioteca Navional De Portugal.Lisboa; Galeria Fernando Pradilla.Madrid; Palacio De Don Manuel.Evora; Freies Museum.Berlin (2011); Art Chicago.Galeria Ferran Cano 2010… Ha sido premiado en reiteradas ocasiones: I Premio Caja España (por “The Earth Remains”), Premio de Pintura Jesús Bárcenas (2010); Fundación Wellington (2002), II Bienal Rafael Boti… Está representado en colecciones públicas y privadas de toda España: Museo Reina Sofía, Colección Arte y Patrimonio, Ayuntamiento de Madrid, Caja España, La Caixa… Oscar Seco sintetiza en imágenes la morbosidad mediática por predicar hecatombes. La lectura intertextual se apoya en la convivencia de estéticas dispares, desde el cartelismo propagandista de entreguerras hasta los carteles de cine de serie B, desde las historietas de Winsor McCay hasta alusiones al cine de animación más sofisticado. Estructuras moleculares y circuitos electrónicos apuntan a rizomas narrativos a favor de la confluencia de memorias artificiales, biológicas, históricas y míticas. La historia del arte se imbrica con la cultura popular en todos sus géneros. Lemas de gran carga connotativa puntean las series, como la queja “I need a new job” expresada por superhéroes ante empresas fallidas.

 

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VELA ZANETTI, José (Milagros, Burgos, 1913 – Burgos, 1999). Lote

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VELA ZANETTI, José (Milagros, Burgos, 1913 – Burgos, 1999).
“Bodegón la Virgen y la hogaza”, Milagros, 1973.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en la zona inferior izquierda. Fechado, localizado y titulado al dorso.
Medidas: 81 x 100 cm; 92,5 x 111,5 cm (marco).

Nacido en Milagros, provincia de Burgos, se traslada siendo niño a León con su familia. Allí realizó su primera exposición en 1931. Apoyado por su padre, tras finalizar los estudios de bachillerato viaja unos meses a Madrid, para ver exposiciones y visitar el Museo del Prado. Poco después obtiene una beca para visitar Italia, otorgada por la Diputación Provincial de León.
Como consecuencia de la Guerra Civil española se marcha a la República Dominicana, donde permaneció hasta 1960. En Santo Domingo inició, junto a otros artistas exiliados, la Escuela Nacional de Bellas Artes. Durante este periodo realizó exposiciones y proyectos en México, Colombia, Puerto Rico y Estados Unidos. En 1951 la Fundación John Simon Guggenheim de Nueva York le concedió una beca que llevaba aparejado un singular proyecto: la confección de un mural de grandes dimensiones para uno de los espacios nobles de la sede de las Naciones Unidas, en conmemoración del cincuentenario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Este proyecto catapultó definitivamente al maestro burgalés, y es a día de hoy considerada su obra más importante tanto por su relevancia simbólica como por su expresividad y calidad artística. Él mismo dijo de esta obra: “Aspiro a que aquellos que contemplen este mural se den cuenta de que la paz hay que ganarla, no una vez para siempre, sino todos los días, recordando los sufrimientos del pasado y haciendo realidad lo que los hombres aspiran para el futuro”. Vela Zanetti también realizó otros murales de importancia, como los de tema histórico para la Diputación Provincial de Burgos o los frescos del antiguo Teatro Ercilia, en Barahona, República Dominicana.
Fue académico de San Fernando, y Doctor Honoris Causa por la Universidad de Burgos. El Centro Cultural de la Villa de Madrid celebró en 2001, bajo el título de “Antológica”, una exposición retrospectiva sobre la obra de Vela Zanetti, la más importante hasta esa fecha. En 2009 se celebró una exposición conmemorativa del décimo aniversario de su muerte en la galería Ángeles Penche de Madrid. En breve, desde el 17 de mayo y hasta el 14 de julio, se podrá visitar en el Fórum Evolución de Burgos una importante exposición dedicada a la obra de Vela Zanetti, conmemorativa del centenario de su nacimiento y la más completa antológica de este pintor celebrada hasta la fecha. Vela Zanetti es considerado el pintor del alma de Castilla, ya que supo retratar magistralmente su tierra a través de sus heroicas gentes, de esos seres humanos esforzados, trabajadores de sol a sol. Es el pintor de la dignidad del hombre, y de hecho toda su obra gira en torno al ser humano, tanto la realizada en España como las obras que pintó en su largo exilio en la República Dominicana.

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NAVARRO, Iban (Barcelona, 1982). Lote 34000820

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NAVARRO, Iban (Barcelona, 1982).
“Embarcadero con bicicleta”.
Lápiz graso y acuarela sobre papel.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 60 x 33 cm; 86 x 60 cm (marco).

Hijo del pintor Jesús Navarro, Iban Navarro inició su formación en el taller paterno, especializándose ya muy joven en la acuarela, técnica en la que experimentará, combinándola con otros materiales como el pastel graso el acrílico, logrando así un mayor realismo. Uno de sus temas predilectos son las barcas, en el agua o en el puerto, así como figuras descansando frente al mar. También es un destacado dibujante, formado en esta disciplina en la academia Joso.
Inicia su carrera expositiva en el 2002, y desde entonces ha participado en varias muestras colectivas, celebradas en la galería Top Art de Barcelona (2003, 2004, 2005), Lance de Tokio (2004) y Howard de Manchester (2004), además de celebrar individuales en El Corte Inglés de Barcelona (2002, 2003), Madrid (2003, 2004, 2005), Valencia (2003, 2005) y Mallorca (2005). También ha expuesto individualmente en la galería Jorge Sorí de Miami (2008).
Actualmente está representado en diversas colecciones particulares.

 

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DUARTE JIMÉNEZ, Ángel (Aldeanueva del Camino, Cáceres, 1930 – Sion, Suiza 2007). Lote 35013666

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DUARTE JIMÉNEZ, Ángel (Aldeanueva del Camino, Cáceres, 1930 – Sion, Suiza 2007).
Sin título.
Escultura en metal plateado.
Medidas: 60,5 x 60,5 x 42 cm.

Artista multidisciplinar autor de pinturas, obra gráfica, esculturas y montajes luminosos, Ángel Duarte desarrolló una obra de vanguardia que supuso una inflexión en el acomodo y la abulia imperantes en el panorama artístico de la posguerra española. Por otro lado, la universalidad de su lenguaje le llevó a exponer en prestigiosas galerías de Francia, Austria, Suiza, Alemania, Italia, Bélgica, Japón, Estados Unidos y otros muchos países.
Nacido en el seno de una familia humilde, se trasladó a Madrid con su familia en 1934. No obstante, su padre fue movilizado al estallar la Guerra Civil, y su madre falleció en un bombardeo; tras la contienda se traslada con su padre a Ayora (Valencia), donde permanecerá cuatro años, para luego regresar a su Aldeanueva natal. Por estos años comienza a dibujar todo lo que encuentra a su alrededor. En 1944 la familia regresa a Madrid, y Duarte entra a trabajar en un taller de orfebrería, mientras asiste por la noche a la Escuela Provincial de Artes y Oficios y ocupa las madrugadas en las tertulias del Café Gijón. Asimismo, recibe clases de dibujo y modelado del extremeño Antonio Solís, y en sus ratos libres pinta en la Casa de Campo y realiza copias en el Museo del Prado. También asistió a los cursos del Círculo de Bellas Artes, donde conoció al artista Agustín Ibarrola.
Tras intentar en vano traspasar la frontera para viajar a París, el artista regresa a Aldeanuela a principios de los cincuenta. Ya por estos años pinta al óleo, principalmente paisajes y algún retrato, en un lenguaje figurativo expresionista. Tras cumplir el servicio militar, en 1954 logra por fin pasar a Francia y se encuentra en París con los exiliados españoles. En 1955 expuso en el XII Salón del Círculo de Bellas Artes, en el III Concurso de Primavera de Madrid y, con otros artistas, en la galería Alfil. En este tiempo Duarte se acercó a las nociones del Grupo Espacio, con el que colaboró en Córdoba, y recibió las influencias del informalismo, la abstracción geométrica y el expresionismo abstracto norteamericano.
En 1957 formará con otros artistas el Equipo 57, y redacta su comprometido manifiesto, si bien el grupo de disolverá en los sesenta. El Equipo 57 estaba compuesto por Ángel Duarte, Agustín Ibarrola, José Duarte y Juan Serrano, y se propuso como objetivo las “Bases constructivistas, tanto plásticas como sociales, con una base científica importante”, conjugando intuición y experimentación científica, apartándose del informalismo para trabajar la abstracción geométrica con un intenso cromatismo.
En 1961 Duarte se establece en Sion, ciudad suiza de montañosos paisajes de ensueño en la que desplegó todo el esplendor de su madurez creativa. En Sion creará el Grupo Y junto a Walter Fischer y Robert Tanner (1967), y por estos años Duarte se interesará en la investigación de las superficies y el ambiente lumínico que rodea las obras. Con los hallazgos en su experimentación contribuyó al movimiento denominado Nouvelle Tendance. En esta etapa desarrolla una obra basada en la proyección de estructuras espaciales basadas en la teoría de la interactividad del espacio, a través de materiales industriales. Por otro lado, en su escultura pública destaca la concepción estética de las rectas y las curvas, de la interacción con el vacío y la materialización de las piezas de gran tamaño, sobreponiendo ciencia y exactitud.
En su obra tiene esencial importancia el paraboloide hiperbólico, derivado posiblemente de los estudios de Oteiza, quien formó parte temporalmente del Grupo 57. La mayor parte de su obra pública se encuentra en Suiza: “E.16 A. I” (Fabrique de Tabacs Reúnes, 1970), “E. 4 A. I” (Ouverture au Mondel, Nouvelle Jetée d’Ouchy, Lausana, 1972-72) o “E. 8 A. I” (Hotel Europa, Sion). Aunque desarrolló su carrera siempre en el extranjero, a raíz del Premio Cáceres de Escultura en 1982 Duarte decide reencontrarse con la escena artística española. En 1992 se instaló en la Exposición Universal de Sevilla su escultura “E. 4 A. I”, y entre 1993 y 1997 se dedicó más a la pintura, destacando varias obras dedicadas a Zurbarán.
Actualmente está representado en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, el Museo de Cáceres y otros muchos de Europa y América, así como en destacadas colecciones particulares.

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BORES LÓPEZ, Francisco (Madrid, 1898 – París, 1972). Lote 35000122

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BORES LÓPEZ, Francisco (Madrid, 1898 – París, 1972).
“Tête”, 1970.
Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Titulado al dorso.
Medidas: 55 x 46 cm; 70 x 60,5 cm (marco).
Está fotografiado en la pag. 559 del Catálogo razonado de Francisco Bores,
editado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Historial:
– 1971: Expuesto por la Galería Theo, Madrid.
– 1990: Colección particular Edmund Peel y Asociados.

Francisco Bores se formó en la academia de pintura de Cecilio Pla, donde conoció a Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz y Joaquín Peinado, entre otros. Asimismo, frecuentó las tertulias literarias madrileñas afines al ultraísmo. En esta época realiza grabados para un gran número de revistas, como “Horizonte” o “Revista de Occidente”, y asiste a la Academia Libre de Julio Moisés, donde coincide con Dalí y Benjamín Palencia.
En 1922 participa por vez primera en la Exposición Nacional de Bellas Artes, y tres años más tarde mostrará su obra en la primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, pero la falta de interés del público madrileño por el arte joven le impulsa a marcharse a París. En la capital francesa entra en contacto con Picasso y Juan Gris, y debuta individualmente en 1927. Durante los años siguientes sigue realizando exposiciones individuales en destacadas galerías de París y Londres, entre las que destacan la Georges Petit y la Zwemmer.
Tras la Segunda Guerra Mundial reanuda su actividad expositiva, y en 1947 el Estado francés adquiere, por primera vez, una obra de Bores. En 1949 será el Museo de Arte Moderno de Nueva York el que compre sus cuadros. En 1969 expone en la Galería Theo de Madrid, lo que supone su aproximación al público español que, prácticamente, desconocía su obra salvo en los círculos profesionales donde, en cambio, era muy apreciada. En 1971 vuelve a exponer en esta misma Galería Theo, falleciendo en París en 1972.
El crítico Joaquín de la Puente señala varias etapas en la producción de Bores: clasicismo renovado (1923-25), neo cubismo (1925-29), pintura-fruta (1929-33), escenas de interior (1934-1949) y estilo en blanco (1949-69).
Francisco Bores está representado en los museos más destacados de todo el mundo, entre los que cabe señalar el Centro Georges Pompidou en París, los de Bellas Artes de Bilbao, Buenos Aires, Jerusalén, Gotemborg y Baltimore, el MOMA de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, las Galerías Nacionales de Atenas, Brno y Edimburgo, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, y los de Arte Moderno de Estocolmo, Turín y Madrid.

 

 

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CASTILLO CASALDERREY, Jorge (Pontevedra, 1933). Lote 34000005

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CASTILLO CASALDERREY, Jorge (Pontevedra, 1933).
“El búho sabio”, Madrid, 1996.
Acrílico sobre lienzo.
Firmado en el frente. Fechado, titulado y localizado al dorso.
Medidas: 97 x 130 cm; 120 x 153 cm (marco).

Desde niño, Jorge Castillo se apasiona por el dibujo, y con sólo diez años realiza, con lápices de colores, su primera copia de Rubens. Según Castillo, la pintura de Rubens le enseñó a entender el cubismo de Braque y Picasso. Ha vivido en Argentina, España, Francia, Italia, Alemania y los Estados Unidos, y desde 2008 reside en Ibiza. Se crió en Buenos Aires, donde pasaba largas horas en el puerto, además de dedicar su tiempo a pintar y escribir. Por estos años empieza a mostrar sus pinturas, llegando a exponer en el Salón de Mayo. También publicó poemas y relatos cortos en revistas. No obstante, a la edad de veintidós años decide dejar su ciudad y marchar a París. Sin embargo, por razones económicas se radicará en España, concretamente en Madrid, donde pasará seis años, entre 1957 y 1963, los tres primeros de ellos viviendo como vagabundo.
Su contacto con Viola y Jorge Cela, impresionados por sus dibujos, cambiaría el rumbo de su vida. Por estos años irá poco a poco decantándose por la técnica del grabado, que será desde entonces uno de sus principales medios de expresión. Empieza entonces a despuntar como artista, a vender sus primeras obras y a establecer algunos contactos importantes, protegido por Luis González Robles, quien en 1960 lo llevó a la Bienal de São Paulo. Allí sus obras sorprendieron y obtuvieron elogiosas críticas, y por estos años expondrá también en Madrid y Barcelona, así como en San Francisco, Lisboa, Pittshurgh y Tokio.
Fue en 1964, año de su participación en la Bienal de Venecia, cuando al fin se le abrieron las puertas de París, gracias al contrato que firmó con el marchante André Schoeller. En la capital francesa se establecerá durante casi cuatro años, hasta 1967, y allí visitará asiduamente el Museo del Louvre y continuará celebrando exposiciones, cada vez más exitosas. En 1967 Castillo abandona París y se traslada a Ginebra, dado que Schoeller había vendido su contrato al suizo Jan Krugier, por entonces uno de los galeristas más importantes de Europa. No obstante, no le gustó la ciudad, por lo que marchó a Boissano, en Italia. En este país se empapará de arte italiano clásico, especialmente del Trecento y el Quattrocento, y en 1969 es invitado por el gobierno alemán para trabajar en Berlín, ciudad en la que residirá hasta 1975. En 1970 expuso en la Nationalgalerie de la capital alemana, la primera gran exposición dedicada, en un museo, a un periodo concreto de su carrera, y después en numerosas galerías berlinesas.
Cuando deja Berlín, Castillo se traslada a Barcelona, siendo para entonces un pintor reconocido en Europa y América. Allí expondrá regularmente en la galería Joan Prats, y conoció a Salvador Dalí. Por estos años comienza a visitar Nueva York y finalmente se instala allí en 1981, permaneciendo en la ciudad hasta 1992. Allí fue contratado por la prestigiosa galería Marlborough, y siguieron sucediéndose sus éxitos.
A lo largo de su carrera, Castillo obtuvo premios como los Internacionales de Dibujo (1964) y de Pintura (1975) de Darmstadt, el Ciudad de Pontevedra (1994), y el Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Se puede contemplar obra de Jorge Castillo en el Museo de Bellas Artes de Lausana, la Fundación Juan March, las Galerías Nacionales de Edimburgo y Berlín, los Museos de Arte Moderno de San Francisco y Vitoria, la Kunsthalle de Bremen, el Albertina de Viena, la Biblioteca Nacional de España y el Guggenheim de Nueva York, entre otros.

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MURGUÍA DE CASTRO, Ovidio (Lestrove, A Coruña, 1871 – A Coruña, 1900). Lote 33008657

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MURGUÍA DE CASTRO, Ovidio (Lestrove, A Coruña, 1871 – A Coruña, 1900).
“Paisaje”.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 97 x 146 cm; 105,5 x 155,5 cm (marco).

Murguía nos muestra en este lienzo un paisaje trabajado en gran profundidad, poblado sólo por dos pequeñas figuras plenamente integradas en el escenario, que nos sirven a la vez de Cicerones y como muestra de la escala monumental del paisaje, que empequeñece al hombre con su tono grandioso y escenográfico.
Se trata de una composición de acusada perspectiva en abismo, estructurada de forma que se realce su espacio tridimensional y se conciba como una suerte de escenario ilusorio, efecto que queda realzado por la neta separación entre los primeros planos y el fondo, un recurso heredado directamente del paisajismo romántico, y que tiene su origen en la “veduta” veneciana. Esta diferenciación de los planos se basa tanto en el tratamiento cromático –más opaco y variado, de pincelada densa, en los primeros términos, y más suave, diluido y difuso en el fondo, por efecto de la distancia, como en el lumínico, dado que mientras el fondo aparece iluminado de forma unitaria por la clara luz que irradia el cielo despejado, en los primeros planos se incide en el contraste de luces, sombras y medias sombras, especialmente patente en la unión de las dos orillas del riachuelo.
Hijo de los escritores Rosalía de Castro y Manuel Murguía, comienza a pintar en Santiago de Compostela, en la Real Sociedad Económica de Amigos del País, donde tuvo como maestro a José María Fenollera. Durante estos años, Murguía se vincula al núcleo intelectual de La Coruña, ciudad donde expuso sus obras con cierta asiduidad. Su traslado a Madrid en 1895 marcará un punto de inflexión en su carrera, determinada por sus visitas al Museo del Prado. En la capital conoce al que será su protector, Eugenio Montero Ríos, quien le encargó la decoración del Palacio de Lourizán en Pontevedra. Este será el momento álgido de su carrera, truncada tristemente al fallecer de tuberculosis en 1900.
Representación de la llamada Generación Doliente, fue especialmente importante su papel como paisajista cuando, apartándose del academicismo, comience a pintar al natural, desarrollando un estilo que fusiona el naturalismo con la espiritualidad romántica.
Está representado en los museos de Galicia, especialmente en los de Pontevedra y La Coruña, así como en multitud de colecciones particulares.

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Traje de cóctel PERTEGAZ. Lote 33002634

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Traje de cóctel PERTEGAZ.
De color negro, con falda a la rodilla, presenta un original corte ceñido en el frente, con escote cerrado, en pico, que cae hacia atrás cubriendo los hombros, y formando un amplio pliegue decorativo en la espalda.
Talla 40-42 aprox.

Desde sus primeros años, Manuel Pertegaz tenía clara su vocación: vestir a la mujer y llenarla de gracia. Inició su carrera como modisto en 1930, cuando abandonó el colegio para trabajar en una sastrería, y así adquirió su temprana formación sobre el mundo de la moda. Poco después, en los años cuarenta, Pertegaz logra abrir su propia casa de confección en Barcelona, y una tienda en Madrid.
En la década de los cincuenta logrará un alto reconocimiento en el mundo de la moda tanto a nivel nacional como internacional; Valentino, Pierre Cardin y Pierre Balmain, entre otros, le consideraban pese a su juventud una fuerte competencia, especialmente después de que, en 1954, recibiera el premio “Óscar de la Costura” de la Universidad de Harvard tras presentar su colección en Nueva York, Boston, Atlanta y Filadelfia. Las siguientes décadas supondrán más éxitos, premios y todo tipo de reconocimientos tanto a su carrera como a su aporte a la percepción de la belleza femenina.
Pertegaz fue el primer español en llevar sus vestidos hasta la lujosa y elitista Quinta Avenida de Nueva York, y a finales de los años sesenta intuyó el cambio que se avecinaba en el mundo de la moda, convirtiéndose en precursor del “prêt-à-porter”, de la moda joven, la moda de la calle.
Han vestido sus diseños las más destacadas damas de todo el mundo, entre ellas Ava Gardner, Audrey Hepburn, Jacqueline Kennedy o la reina Sofía, y actualmente sus diseños son incluso admirados en colecciones museísticas.

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Arte actual en Setdart

No time no space, 2006

No time no space, 2006

Pionera en España de las subastas de arte y antigüedades online, Setdart vuelve a abrir camino para incentivar un tipo de coleccionismo que a nivel nacional aún se encuentra en una fase emergente.

Es poco usual que las casas de subasta españolas acojan propuestas de creadores jóvenes que se encuentran en un momento álgido de su carrera y cuya repercusión en el ámbito cultural se esté prefigurando en el día a día. Para canalizar esta iniciativa, Setdart ha abierto esta sección informativa sobre la actualidad artística.

Nos proponemos ofrecer una visión poliédrica del arte actual, reflejo de la variedad de lenguajes y conceptos que se están manejando. Aspiramos a tender un puente entre el coleccionista o comprador ocasional y la efervescencia creativa contemporánea.

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