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Toque tantas piezas como sea posible

Los alfareros chinos han copiado la cerámica china durante cientos de años, tanto por reverencia a un período anterior como para engañar a los compradores, así que tenga cuidado. No hay manera más rápida de aprender que tocando tantas piezas como sea posible. Grandes cantidades de cerámicas chinas se ofrecen en todo el mundo en casas de subastas de renombre que, a diferencia de los museos, permiten que los compradores potenciales las manipulen, así que aproveche al máximo la oportunidad. Esto crea una comprensión del peso de una pieza y la calidad de la pintura, de cómo se debe sentir una cerámica en la mano.

Haga preguntas

Desarrollar el conocimiento necesario para autentificar la cerámica china puede llevar muchos años. Leer libros de referencia puede dar estructura al campo, pero lo más efectivo es acceder al cerebro de los especialistas y hacer tantas preguntas como sea posible. No hay nada que le guste más a un especialista con un poco de tiempo que hablar sobre su tema.

Compre lo que le guste.

No piense necesariamente en comprar para invertir. Si compra lo que le gusta, nunca le decepcionará. Trate de comprar el ejemplo de mejor calidad que su presupuesto le permita.

Familiarícese con diferentes paletas y esmaltes.

Las paletas y los esmaltes evolucionaron a lo largo de los siglos. Por ejemplo, la paleta wucai (literalmente, “cinco colores”) se utilizó en el período Wanli (1573-1619) y condujo a la paleta famille verte, que se introdujo en el siglo XVII y al período Kangxi (1662-1722). Esta fue una paleta verde, además de azul, rojo, amarillo y negro. La paleta de la familia rosa se agregó al repertorio del pintor de cerámica en la década de 1720 y presentaba un color rosa prominente; los esmaltes eran opacos y había un repertorio de colores más amplio. En el siglo XVIII hubo muchos avances técnicos y se introdujeron esmaltes como el rojo cobre y el flambeado.

Aprenda las diferencias en los esmaltes según la situación geográfica de los hornos.

La cerámica se fabricaba en toda China y los hornos del norte y del sur producían diferentes tipos de artículos y esmaltes. Durante la dinastía Song (960-1279), por ejemplo, se produjeron hermosas cerámicas vidriadas con celadón en el área de Longquan en la provincia suroeste de Zhejiang, y también en los hornos de Yaozhou en la provincia norteña de Shaanxi. Los vidriados de celadón diferían entre estos dos hornos, y el vidriado de Longquan a menudo daba un tono verde azulado más cálido, en comparación con los vidriados de Yaozhou que eran más oliva.

Los artículos de jun de la dinastía Song se producían con hermosos esmaltes de color lavanda, a menudo resaltados por salpicaduras abstractas de color púrpura. The Dehua Kilns se especializa en cerámica con esmaltes blancos y crema. A finales de la dinastía Ming, en el siglo XVII, las mercancías de Dehua tenían un tono cremoso, pero en el siglo XIX se habían vuelto más marfil y blanco. También durante la dinastía Ming, los hornos de Jingdezhen, en el sur de China, producían la mayor parte de la cerámica azul y blanca.

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La forma en que se cortaba, acababa y vidriaba la base de una vasija cambiaba de una dinastía a otra, lo que puede ser de gran ayuda en el proceso de datación y autenticación, especialmente porque los falsificadores no siempre lo hacen bien. Es posible que no tengan un ejemplo original para copiar, sino que se basen en fotografías de catálogos o libros de subastas, y estos no siempre incluyen imágenes de la base.

Reconozca los cambios en la decoración azul

Este elemento decorativo cambió mucho a lo largo de los siglos. Una característica de la porcelana azul y blanca del siglo XV, por ejemplo, era el llamado “efecto amontonado y amontonado”, en el que el vidriado azul cobalto se concentraba en ciertas áreas, burbujeando a través de la superficie del vidriado y convirtiéndose en un profundo azul negro. Esto inadvertidamente le dio textura, energía y sombra al diseño y fue muy admirado en el siglo XVIII.

Posteriormente, los alfareros chinos dominaron la técnica de cocer cerámica azul y blanca para lograr un tono azul cobalto más uniforme. Pero el tono variaba de una dinastía a otra. Durante el período Wanli (1573-1619), por ejemplo, la cerámica azul y blanca a menudo tenía un tono azul grisáceo, mientras que en el período Jiajing (1522-1566), el tono era casi azul violáceo.

Preste atención a las formas y proporciones

La forma de la cerámica también evolucionó. La cerámica de la dinastía Song, por ejemplo, a menudo se inspiraba en la naturaleza y tenía formas foliadas. La cerámica china también es conocida por sus hermosas proporciones. Un jarrón o cuenco que parece desproporcionado es una indicación de que un cuello o una boca han sido aplastados.

Considere el estado o “condition”

Lo que hace que la “condition” de una cerámica sea aceptable o no depende de si es o no de calidad imperial y cuándo se hizo. Por ejemplo, en una vasija de porcelana no imperial fabricada en el siglo XVII, como un cargador de cerámica Kraak, se podría ver un poco de arena o polvo de horno en la base y tal vez un fallo de cocción que habría ocurrido en el horno. Ambos serían aceptables.

Sin embargo, no se debería encontrar este tipo de defectos en una marca imperial del siglo XVIII porque las técnicas de cocción se habrían refinado. Hace quince años, solo las cerámicas de marca y de época en perfecto estado se habrían considerado aceptables. Ahora, sin embargo, los coleccionistas aprecian las cerámicas que han sido rotas y restauradas o que tienen pequeñas grietas.

Familiarícese con las marcas

Las marcas de reinado indican la dinastía y el nombre del emperador para el que se hizo un artículo y se usaron en todas las cerámicas hechas para el emperador y su casa imperial. Sin embargo, no confíe en una marca de reinado para establecer la edad de una pieza. Las marcas a menudo se copiaron y pueden ser apócrifas.

Los ajuares de los hogares constaban de pocos muebles y no sería prácticamente hasta el siglo XVIII cuando estos empiezan a diversificarse con un uso concreto y especifico. Las casas solían ser de paredes encaladas con suelos de barro y cubiertas de esteras vegetales. Este ambiente austero se ocupaba con muebles de igual modo robustos e incluso versátiles en el sentido de servir para varias estancias o ser transportados junto a su propietario. Los bargueños por ejemplo también tenían un carácter portátil de ahí que suelan contar con asas en sus costados.  El aspecto monacal y sobrio de los interiores podía romperse con algunos objetos de lujo, como los espejos, cuadros y pequeños cofres.

Las arquetas y cofres eran empleados como el lugar perfecto donde atesorar joyas, documentos o aquellos elementos de valor del dueño. La importancia de su contenido también se reflejaba muchas veces en el exterior, por este motivo se decoraban profusamente con marquetería de maderas exóticas, piedras, hueso o marfil, eran policromados con diseños vegetales o escenas, y solían presentar aplicaciones de bronce plata o herrajes de hierro dorados. La apariencia sobresaliente y lujosa contrastaba con los espacios austeros y los volvía aún más llamativos.

La primera de las obras es un cofre del Virreinato de Perú realizado con un alma de madera sobre la que se ha aplicado cuero repujado, creando relieves que son realzados con oro. El aspecto naif y al mismo tiempo elaborado recuerda a la herencia prehispánica de sus artesanos.

Desde las colonias portuguesas en la India, como por ejemplo Goa, procede la siguiente pieza, un cofre realizado en madera con una policromía siguiendo la estética del periodo Mogol. Esta pieza recoge influencias orientales, ya fueran del mundo islámico a través de tradiciones persas y las de la cultura india. El refinamiento de este tipo de objetos los convertía en piezas de gran lujo para los coleccionistas europeos. Las travesías que tenían que recorrer hasta las ciudades del Viejo Mundo dan fe de la importancia y valor que se les concedía.  Hoy en día ese interés no ha cambiado, los apasionados por el arte y la historia han sabido siempre apreciar los cofres y las arquetas, más allá de las joyas y riquezas que protegían en su interior, estas obras de arte portátiles son en sí mismas un tesoro.

1. La infancia de Lita, lejos de ser un camino de rosas, estuvo marcada por el abandono y la pobreza. Sobreviviendo en las calles de Barcelona, Lita cuenta de esta época: “no fui a la escuela, yo era una niña de la calle como otros muchos. Hacía trabajitos para las prostitutas, ellas me daban dinero para que les comprara paquetes de cigarros, bocadillos, preservativos, pendientes… y yo me quedaba con el cambio. Muchas veces dormía en la calle”.
2. Lita reveló  su vocación como artista a raíz de descubrir en el Museo  Prado a los grandes maestros como Goya, Velázquez o Rembrandt. De hecho, cuenta su biografía, que la conmoción que sintió ante “Las tres Gracias” de Rubens “fue el detonante de su decisión”.

3. Tal y como ella misma reconoce, Rubens y Velázquez le impactaron por su belleza y magnitud pero frente a Goya se estremeció al  comprender a la perfección lo que gritaban las pinturas del maestro  aragonés, ya que  ella misma vivió en sus carnes el delirio del universo goyesco.

4. Una de las señas de identidad del estilo de Lita es sin duda la técnica que ha desarrollado, basada en una variante de la técnica de la pintura al fresco que, simulando los efectos del “craquelé”, nos evoca la fragilidad de la vida y las cicatrices que deja a su paso.

5. La intensa carga emocional con la que sus obras nos interpelan cobra vida gracias a una dualidad existente en toda su obra: el profundo conocimiento y dominio del dibujo academicista de los grandes maestros, junto a la factura de trazos desgarrados e instintivos de artistas como Francis Bacon, Lucien Freud o Pollock, regida por las energías internas que nacen del propio artista.

Pensar en el tapiz es realizar un viaje por la historia del arte, la tradición y la artesanía. Su carácter funcional, pensado para proteger del frio y de la humedad de los grandes muros de castillos y fortalezas, nunca ha estado reñido con un cuidadoso gusto estético, característica que ha elevado a los tapices a la categoría de arte, despertando así la curiosidad de grandes artistas que inmortalizaron sus obras sobre el tejido.

El 14 de septiembre, Setdart, cuenta con dos obras maestras del arte del tapiz ambos de Aubusson, municipio francés que posee una gran tradición tapicera iniciada en el siglo XVI. A lo largo de los siglos, esta zona se ha convertido por su calidad en uno de los centros referentes de la creación de tapices. Siendo el único lugar del mundo en el que todos los oficios relacionados con la manufactura del tapiz confluyen en un mismo espacio, desde la obtención de la materia prima, hasta la venta. Además, Aubusson cuenta con un Museo dedicado al tapiz y en 2009 fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Francia, país referente en la creación de tapices, contó con numerosas manufacturas divididas por todo el territorio. Una de las fábricas más apreciadas fue Gobelinos, situada en París y vinculada con la realeza. Su producción alcanzó la fama por el uso del rojo escarlata. Fundada en el siglo XV, el taller de Gobelinos consiguió un gran dominio del color, aportando matices en los tintes de la seda y la lana, que acercaba estos materiales a las cualidades de la pintura. Superviviente a todos los acontecimientos de la agitada historia de Francia, la manufactura sigue actualmente viva.

Los talleres franceses, como las manufacturas ya mencionadas o como Beauvais y Arras, competían con la arraigada tradición artesanal de los Países bajos. En el siglo XVI,  Bruselas y Amberes se convirtieron en las dos ciudades más importantes en cuanto a la realización de tapices. Además, Amberes llegó a ser el mayor centro de comercialización de tapices, distribuyéndolos por toda Europa. El estilo de esta zona consiguió extenderse rápidamente gracias a las relaciones, políticas y económicas, con la Corona Española y las dimensiones de dicho reino. Esta escuela destacó por el uso de tapices de alto lizo, que permitían crear obras de grandes dimensiones y que se caracterizaban por la presentación de la escena dentro de un gran marco simulado en el propio tapiz, adornado a modo de orla con frutas, flores y elementos inspirados en la antigüedad clásica. En el siglo XVII decayó la popularidad y en el siglo XVIII cesó la fabricación de tapices en esta zona.

La historia del tapiz es longeva y, paralelamente a la de la pintura, ha sabido rejuvenecerse y adaptarse a la modernidad gracias al trabajo de los tapiceros y a las incursiones de artistas como Braque, Joan Miró, con su afamado “Tapís de Tarragona” creado en el año 1969 o Robert Indiana (Lote: 35222965). Actualmente los artesanos siguen manteniendo la tradición viva y haciéndola accesible al público, gracias a talleres como la Real Fábrica de Tapices, ubicada en Madrid o la Casa Aymat de Barcelona.

Tapices del siglo XVII, esculturas barrocas, cerámica de alta época, retratos, pinturas sobre cristal, relojes de sobremesa, hornacinas, importantes camas olotinas policromadas del siglo XVIII… son algunas de las piezas que conforman la colección particular que presentamos en subasta los próximos días 14 y 15 de setiembre.

Esta colección, atesorada en la misma familia durante varias generaciones, estaba repartida entre dos casas: una construcción más burguesa en Barcelona y una casa de veraneo en Tossa de Mar, un pueblecito marinero de la Costa Brava que hizo famoso Ava Garner cuando en 1950 rodó varias secuencias de la película “Pandora y el holandés errante”, época en la que era pareja de Frank Sinatra, con imágenes de su amor paseando por Tossa de Mar que dieron la vuelta al mundo.

No pasan desapercibidas en esta colección la abundancia de obras relacionadas con el mar: baúles de marino del siglo XVII que conservan su policromía original, maquetas de barcos, grabados o pinturas barrocas de santos con paisajes marinos al fondo. Hechos así nos ayudan a conocer a las personas que hay detrás de una colección, mostrándonos en este caso la relación de esta familia con el sector pesquero y además su amor por mares y océanos.

El paisaje, en su concepción más amplia, ha representado una fuente ilimitada de inspiración y creatividad para los artistas. Un inmenso taller en el que se juntan unas condiciones únicas que dan respuesta a sus necesidades artísticas. Su condición cambiante, sus luces y sombras, sus silencios y murmullos, nos lo redescubren continuamente convirtiéndose en un perfecto escenario para mostrar algunas de las grandes cuestiones que han marcado la historia del arte. No puede sorprendernos pues, que el paisaje se haya transformado en uno de los principales motores creativos. a los grandes maestros de la pintura dando lugar a algunas de las mejores obras de todos los tiempos

En este sentido los paradisiacos parajes que la  isla de Mallorca nos brinda han sido el escenario en el que múltiples artistas escritores y poetas encontraron una inagotable fuente de inspiración. Especialmente con la llegada del siglo XIX  Mallorca se convirtió en uno de los destinos predilectos de los artistas que, huyendo del fenómeno de la Revolución Industrial, buscaron en Mallorca esa visión idílica de la naturaleza exuberante y virgen que el romanticismo había fomentado. Como piezas clave en toda una generación de artistas que entre finales del siglo XIX y principios de XX se instalaron en Mallorca, la luz y el paisaje mediterráneo serán el vivo testimonio de los nuevos derroteros que tomaría la pintura  a partir de entonces. 

De hecho, solo tenemos que pensar en los grandes paisajistas catalanes  como Anglada Camarasa Joaquim Mir, Eliseo Meifren  o Tarrassó cuyas respectivas estancias en la isla Balear transformaron para siempre su manera de entender la pintura de paisaje, permitiéndoles encontrar un lenguaje propio, moderno y original, lleno de luz, color, sensaciones y formas que dieron vida a algunas de sus mejores  y más valoradas creaciones

En todos ellos, podemos ver como uno de los aspectos más llamativos de su etapa mallorquina es el particular uso que harán del color. En el caso de Tarrassó este aspecto es especialmente visible gracias en parte a su estancia en Paris, donde la exaltación cromática fauve quedó grabada en su retina.  En su continua experimentación con el paisaje y sus colores, Tarrassó visitó por vez primera Mallorca en el año 1935. Desde entonces quedaría cautivado por las posibilidades expresivas que su paisaje natural le brindaba, llegando a establecer un fuerte vinculo que le llevó a desarrollar gran parte de su producción en la isla.  Este es el caso del óleo en licitación “Cala Lluch Alcari” cuyo paisaje transmite la fuerza impetuosa de la naturaleza y el protagonismo telúrico de la isla a través de la potencia de una luz convertida en manchas de color tan enérgicas y valientes como profundamente sensoriales. Su  personalidad artística marcada por una profunda obsesión por el cromatismo se transforma en obras como la presente, en estallidos de vitalidad donde las arquitecturas de sus frondosos paisajes aparecen completamente integradas en una naturaleza armónica pero salvaje. De igual modo, montañas, cielo y mar se funden en un sinfín de tonalidades de factura vigorosa y espatulado grueso con las que construye cierta profundidad  y nos introduce en un escenario plenamente autónomo.

Como dijera el maestro impresionista August Renoir, “me gusta la pintura que me hace querer pasear en ella”. Y es por esta razón precisamente  que frente a  la obra de Tarrassó nos sentimos conquistados.

Los relojes de bolsillo siempre se han considerado, símbolo de dignidad y riqueza, siendo un complemento indispensable para las clases adineradas.

Los relojes aparecen por primera vez en Francia en el siglo XV, aunque la creación de los relojes de bolsillo con una forma ovoide se atribuye al alemán Peter Henlein de Nuremberg. El reloj de bolsillo con el estilo que todos conocemos llegó en el siglo XVIII gracias a la introducción del chaleco, puesto que la forma redondeada y plana hace que sea perfecto para introducirlo en el bolsillo sin dañar la tela.

En un principio se llevaban colgados del cuello con una cadena, o de la cintura mediante un broche o chatelaine, formada por varias cadenas de las que se suspendían pequeños perfumadores, sellos y otros accesorios además del reloj.  A partir del siglo XIX, los relojes penden de leontinas y se guardan en el chaleco, prenda masculina que se pone de moda en este siglo.

En nuestra próxima subasta de relojes podemos encontrar una buena selección de leontinas y chatelaines, que nos pueden ayudar tanto a llevar nuestro reloj con elegancia, como a enriquecer nuestro atuendo, con las cadenas que complementan este tipo de relojes. Encontrar un punto de equilibrio entre el estilo clásico y un atuendo “steampunk”, y mucho más actual, no es tan difícil como uno pueda pensar.

Para obtener un estilo más casual, engancha tu reloj de bolsillo al cinturón o utiliza las cadenas con clip o gancho para cinturón.

La leontina es una cadena colgante para sujetar el reloj de bolsillo, puede colgar por fuera del cinturón o caer un poco hacia abajo.  Puede engancharse en el bolsillo opuesto a tu mano dominante para que mirar la hora resulte más fácil. Si vas a usar una camisa, también puedes pasar la cadena a través de uno de los botones inferiores de la camisa. Incluso podemos usar la leontina como una cadena de cuello, y así dar a nuestro atuendo un aire de elegancia.

Nuestro reloj de bolsillo podemos colgarlo también de una Chatelaine, que es un adorno usado tanto por hombres como por mujeres y generalmente sujeto al cinturón o bolsillo, con cadenas con ganchos para colgar pequeños artículos como relojes, llaves, sellos, tabletas, tijeras y carteras. La palabra chatelaine o castellana, se deriva de una palabra que significa el guardián de un castillo, y se originó en la Francia Medieval, por lo tanto en origen, era la persona encargada de las llaves. Durante el siglo XVIII, las chatelaines fueron particularmente populares.

Las mejores estaban hechas de oro y las más baratas, de una aleación amarilla llamada pinchbeck (similor en castellano) en honor al inventor del material, y consiste en una aleación de 10% de zinc y 90% de cobre con la que se obtiene el color y el brillo del oro.

 Algunas Chatelaines estaban decoradas con repujado o esmalte y representaban escenas bíblicas, mitológicas o de género, otras tenían incrustaciones de ágata y, hacia fines del siglo XVIII, algunas estaban adornadas con camafeos en un estilo neoclásico.

Varias Chatelaines, salen a pujas en nuestra próxima subasta de relojes, y puede ser el momento de hacernos con una de ellas, ya que pueden dotar de una personalidad especial a vuestro “outfit”.

Ya desde el Renacimiento con los Medici en Florencia y la familia Sforza en Milano, Italia ha sido cuna de los grandes artistas en Europa.

Grandes creadores han ido marcando las tendencias internacionales hasta nuestros días.

La orfebrería italiana es una de las maravillas del Made in Italy. 

Fusión perfecta de tradición y modernidad, sintetiza el amor por lo bello con la experiencia artesanal y la capacidad de custodiar saberes antiguos que han hecho de Italia una de las cabezas mundiales de la producción de joyas y orfebrería.

En Italia existe un floreciente mercado de lujo, de fama internacional, representado por los llamados distretti (literalmente distrito, refiriéndose a zonas importantes de producción) del oro, sobre todo el de Valenza, que es uno de los más conocidos e importantes del sector de la joyería a nivel internacional. El distrito de Valenza incluye ocho municipios vecinos donde se producen y se venden joyas y artículos de orfebrería de alta gama.

La ciudad, que será incluida entre los lugares de particular interés en la Expo de Milano, abrió su Museo del Gioiello (Museo de la Joya) en el año 2015.

La pequeña ciudad piamontesa es la de mayor densidad de orfebres de Italia, el mayor número de empresas artesanas de orfebrería y joyeros y une la sólida tradición de la alta artesanía a una gran capacidad de innovación técnica, estilística y de materiales. El elevado nivel del diseño, un vivaz entramado productivo y una feria de fama internacional, así como sus centros de formación y una fuerte tradición orfebre erradicada en el territorio, hace de Valenza la cuna de la joyería en Italia y un referente a nivel internacional.

La artesanía orfebre es una de las profesiones más difundidas en Italia, contando con profundas raíces locales y especializaciones regionales, donde las empresas a menudo son de carácter familiar y realizan joyas a medida para sus clientes. Ilustran esta vocación artística típicamente italiana numerosas localidades y distritos orfebres.

Sofisticación, trabajo artesanal, espíritu independiente, amor por el detalle y, sobre todo, por el alto sentido de deliciosa feminidad y de amor que debe de traducir una joya: estas son las claves para convertirse en uno de los grandes. Vendorafa ha conseguido aunar todos estos criterios en sus piezas.

Las piezas de joyería de Vendorafa Lombardi nacen de formas esenciales:  patrones orgánicos en continua armonía con la intuición y la experiencia, la investigación y la creatividad. La voluntad de explorar nuevas vías de planificación y nuevas estrategias de fabricación genera soluciones armoniosas y efectos táctiles originales.

Las creaciones de Vendorafa están concebidas, creadas, diseñadas y realizadas con manos, corazón y alma italianos.

El trabajo, realizado exclusivamente a mano, realza el valor material del oro, su luz y su calidez estética.

Más de sesenta años de joyería hecha en Italia gracias a la pasión de los orfebres expertos. Desde 1951, Vendorafa ha estado creando y produciendo colecciones que son conocidas y reconocidas como un signo del estilo y la excelencia del Made in Italy. 

Considerado por la crítica internacional como uno de los grandes creadores del arte español de las últimas décadas del siglo XX, Víctor Mira  reflejó en sus distintas facetas artísticas  el tormento existencial que  le  acompañó a lo largo de su vida. Calificado de transgresor, excéntrico, visionario, raro, místico e iluminado Mira fue ante todo un artista que ahondó a través de su arte en las profundidades del ser humano. Su obra tan desgarradora como poética, adquiere una violenta espiritualidad cuyo sentir se refleja en esta reveladora afirmación: «como hombre se desea la felicidad, como artista no me interesa y a mí me domina el artista”. Bajo esta premisa, Víctor Mira transformó el dolor en una filosofía de vida que sería, sin duda alguna, su  sempiterna  fuente de inspiración. Y es este aspecto precisamente, el que nos emociona en su obra: la brutal y sincera contemplación de un alma, la del artista, en la que la soledad, el calvario interior y la muerte, se nos descubren como las únicas e inapelables certezas de la vida.

En su universo creativo, Mira acude constantemente a los referentes culturales que adsorbió con voraz curiosidad tanto de la literatura, el cine y la música, como de la religión y la filosofía, conformando de este modo, un particular compendio de inquietudes, reflexiones y obsesiones que se manifiestan ostensiblemente en sus obras pictóricas.

En este sentido, las obras en licitación permiten trazar un recorrido por el universo iconográfico y plástico de Mira, quien desde sus inicios desarrolló su trabajo en series que  superponía en el tiempo. En ellas se vislumbra una constante  querencia del artista aragonés por lo primitivo y ese vínculo con los orígenes de la humanidad que encontró en las pinturas rupestres. En series como “Pinturas de la muerte” Mira convocó un universo habitado por arqueros, chamanes y nómadas que con sus brazos alzados en señal de ofrenda celebran enigmáticas ceremonias.

Asimismo, Mira desarrollará en paralelo un tipo de paisaje de raigambre surrealista visible en su serie “ Mujeres cantábricas” En estas obras veremos desfilar    un sinfín  de animales y figuras humanas  que , apareándose o reunidos junto a los árboles de la ciencia y de la vida en el Jardín del Edén, nos remiten de nuevo  a los orígenes de la humanidad  y a ese Paraíso perdido que actúa como metáfora de un artista que a través de su obra, persiguió en una eterna búsqueda el camino de retorno a casa.

Por otro lado, la temática de las naturalezas muertas ocupó una especial significación dentro del corpus artístico de Mira  hasta llegar a constituir otro icono de su trayectoria. Siguiendo una  estética abigarrada propia del expresionismo, el artista se aproxima a la tradición de las vanitas barrocas introduciendo elementos tan significativos que, como las cruces, el tálamo o las calaveras nos recuerdan  el carácter  finito del tiempo  y lo ineludible de la muerte.

Cabe destacar también las referencias continuas a otras disciplinas a las  que,  como en el caso de la música dedicó diversas series. De hecho, a partir de los años 90, Mira realizará un extenso conjunto de obras basadas en la Sinfonía nº5 de Beethoven en las que el artista, reduciendo su paleta a la tricromía del negro, el rojo y el amarillo, representa las cuatro notas del motivo inicial de la partitura, cuya significación ha sido tradicionalmente asociada a la idea de destino

En una época en la que las grandes gestas y hazañas heroicas del romanticismo parecen no tener cabida, Víctor Mira encarnó como nadie la figura del outsider, del artista maldito que,  como se desprende de  la imagen de sus personajes, vive apartado de todo y de todos, siguiendo únicamente los dictados de un espíritu profundamente  inquieto e inconformista  que llevó consigo hasta las últimas consecuencias. Ese espíritu complejo con el que dio luz a una excelsa metáfora de la muerte, tan lírica y bella como sórdida y descarnada.

Museo Maricel y Museo Cau Ferrat (Sitges)

Para los amantes de la playa y el buen tiempo, Sitges es uno de los destinos predilectos. Pero este encantador pueblo de la costa catalán es mucho más que eso. De hecho, desde finales del siglo XIX se convirtió en uno de los máximos referentes artísticos donde se establecerán parte de los artistas más reconocidos en el panorama internacional modernista de Catalunya, como Santiago Rusiñol y Ramon Casas.

Parte de su legado lo encontramos en museos tan representativos como el Cau Ferrat que fue, de hecho, casa-taller del propio Rusiñol. En él, se encuentran las colecciones reunidas por el propio artista, cuyo afán coleccionista hizo de este lugar un templo para el modernismo y que no os dejará indiferentes. Entre los artistas más relevantes de la colección, encontraréis obras de Darío de Regoyos, Ramón Casas, Zurbarán o Picasso, entre otros.

Otro espacio que alberga más de 10 siglos de historia a través de sus piezas y pinturas es el museo Maricel. En sus salas podréis disfrutar contemplando obras de artistas tan reconocidos y valorados como Marià Fortuny, Santiago Rusiñol, Josep Llimona, Arcadi Mas i Fontdevila, Joan Rebull, Pere Pruna… en definitiva, un escaparate privilegiado de los grandes referentes artísticos catalanes. Artistas que, además, podréis encontrar de manera recurrente en nuestras subastas.

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Museo Dalí (Figueres)

En Figueres, provincia de Girona, encontramos el museo dedicado al más excéntrico y surrealista de los artistas del siglo XX, Salvador Dalí. En su ciudad natal, el Teatro-Museo Dalí, es uno de los espacios que no os podéis perder, ya sea por su monumental morfología surrealista, por las piezas que alberga en su interior, o porque los restos del propio artista descansan ahí, bajo una losa sin inscripción.

Ideado para ser una experiencia completamente inmersiva donde cada detalle nos transporte a lo más profundo surrealismo daliniano, sus 22 espacios están configurados de manera que el espectador pueda hacer el recorrido de manera totalmente libre, sin seguir un eje cronológico ni temático.

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Gaudí Centre (Reus)

Inaugurado en el año 2007, este centro cultural en la ciudad de Reus se configura como un espacio donde arte y tecnología se fusionan para poner a disposición del visitante la vida y obra del arquitecto Antoni Gaudí.

Situado en pleno casco antiguo de la ciudad, podréis sumergiros en un sinfín de experiencias sensoriales e interactivas, gracias a la última tecnología de la que dispone el centro. ¿Os imagináis jugando con el espacio, la luz o el agua tal y como lo hacía el genio modernista en sus creaciones? Gracias a sus múltiples recursos audiovisuales ahora es posible adentrarse en los secretos de su arquitectura y su personal imaginario artístico.

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Santuari de la Mare de Deu de Montserrat (Montferrí)

Conocida como “la otra sagrada familia” en el pequeño pueblo de Montferrí, provincia de Tarragona, se encuentra el Santuari de la Mare de Deu de Montserrat, una de las obras modernistas más destacadas del arquitecto Josep Maria Jujol, quien trabajó junto a Gaudí en la fachada y decoración de edificios tan admirados como la casa Batlló y la Pedrera.

La construcción de esta ermita modernista empezó en el año 1925, pero no finalizó hasta 1999. Este punto de conexión con la Sagrada familia no es único, pues su morfología también se asemeja, en dimensiones reducidas, a la catedral de Gaudí.

Durante la visita podréis apreciar que se encuentra alejada del núcleo urbano, en la cima de una colina y rodeada de viñedos. Pues los habitantes de Montferrí, como agradecimiento de las cosechas de su uva, iban en peregrinación hasta Montserrat. Este santuario es, sin lugar a duda, toda una joya modernista que conserva su espíritu naturalista.

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Museo Diocesano (Lleida)

Finalmente, para quienes prefieran pasar sus vacaciones alejados del calor de la playa, disfrutando de las innumerables rutas de excursionismo que ofrece el interior de Catalunya, en la ciudad de Lleida se alberga uno de los mayores tesoros de la provincia, el Museo Diocesano.

Con una exposición que reúne más de mil objetos, este museo os permitirá hacer un recorrido por la historia y el patrimonio de Lleida, desde la Edad de Bronce hasta el siglo XIX. Todo ello gracias a las centenarias colecciones que custodia, como la de arqueología o la de la Catedral de Lleida, cuya exposición promueve los valores de patrimonio y cultura, recorriendo la Historia y el Arte leridanos.

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Una buena parte de los principales asentamientos costeros españoles vienen existiendo desde hace más de dos mil años, destacando grandes ciudades como Tarragona (Tarraco), Sagunto, Cartagena (Cartago Nova), Málaga (Malaca) y en especial Cádiz, la ciudad habitada más antigua de Europa, con más de tres mil años a sus espaldas.

En la costa catalana encontramos una de las primeras colonias griegas de la península, Empúries. El propio nombre de la ciudad indica su gran función, puerto de comercio. Esta colonia griega se convirtió en una puerta al Mediterráneo para los pueblos que vivían en la península. A ella llegaban mercancías desde Grecia y desde ella se exportaban los minerales y cosechas locales. El ambiente cosmopolita de la cultura griega se implantó en la región y fue evolucionando con los siglos por las distintas culturas que la poblaron. En la actualidad, podemos visitar un lugar de ensueño en el que las ruinas griegas y romanas se abren con el mar como telón de fondo.

Ánfora; Grecia siglo IV a.C. Piezas similares llegarían a las costas españolas procedentes de las relaciones comerciales entre las colonias griegas y la península. Lote vendido en Setdart por 12.500€

La provincia de Cádiz posee un litoral excepcional, tanto por su belleza natural como por la pureza del entorno, y menos invadido, afortunadamente, por la huella del hombre. Culturas como la fenicia, griega o la legendaria Tartésica escogieron el entorno de Cádiz para sus asentamientos.

En la ensenada de Bolonia, cercana a Tarifa, se despliega la ciudad romana de Baelo Claudia. Las aguas cristalinas, la arena fina y blanca, además de las dunas y pinares, son el escenario donde emerge una ciudad que cumple con los perfectos requisitos de una ciudad típicamente romana.  Las calles perfectamente en cuadricula, divididas por el cardo y el decumano, las viviendas con los patios como corazón, el teatro, termas, foro y hasta un acueducto.  Si bien la fundación de la ciudad es del siglo II a.C., existe el precedente de un asentamiento púnico. Sus dos grandes valores eran, por un lado, su puerto, fundamental por su cercanía con la costa africana, y por otro, el “garum” que era una conserva de pescado elaborada en las fábricas locales y que se exportaba a todo el imperio, siendo uno de los productos más consumidos de su época.

En el norte de la península, otros pueblos desarrollaron sus culturas, veamos como ejemplo los celtas, en Galicia. En la provincia de la Coruña se encuentra el castro de Baroña, ubicado sobre un promontorio rocoso que forma una península. La disposición del asentamiento tiene un claro carácter defensivo. El peligroso mar gallego y dos murallas protegían las viviendas levantadas con las características formas circulares de la cultura castreña. Su estado de conservación es excepcional, podemos caminar entre las casas y callejuelas de un poblado de la Edad de Hierro de hace más de veintiún siglos. Antepasados de los actuales gallegos, sus moradores fueron el producto de la unión de iberos y celtas del norte de Europa que emigraron hasta las costas españolas desde lugares tan lejanos como Britania.

Caballero togado, época imperial siglos I-II D.C. Estas esculturas podían encontrarse en la mayoría de los foros de las ciudades romanas de Hispania. Lote en venta en Setdart.

El gran patrimonio cultural de España esta en cada rincón del país, la antigüedad como hemos podido ver, emerge sacando a la luz tesoros arqueológicos incomparables en el mundo y al alcance de todos. Prácticamente podemos pasar el habitual día de playa junto a las ruinas del mítico pasado romano o griego. Estos yacimientos son sólo una pequeña muestra de lo que podemos encontrar aún por nuestras costas, en los lugares más inesperados.

“Turner. La luz es color”, MNAC

Los paisajes evocadores y románticos de William Turner son los grandes protagonistas de esta exposición que organiza el MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya) en colaboración con la Tate Gallery de Londres. A través de casi cien obras del artista inglés, que incluyen pinturas, dibujos, esbozos y grabados, esta muestra nos permite ver cómo a través de la acuarela Turner consigue darle al paisaje un enfoque científico, pero a la vez con una gran precisión expresiva que han hecho del pintor ingles un auténtico precursor de varios de los movimientos que le sucedieron.

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‘Avedon behind the scenes’ FotoNostrum

La sala FotoNostrum acoge la primera exposición dedicada al celebre fotógrafo de moda y retratista estadounidense Richard Avedon en España. La muestra conformada por diversas fotografías tomadas por el que fuera mánager del artista durante más de 16 años, Gideon Lewis, muestran el proceso de elaboración que se esconde detrás de algunas de las imágenes más icónicas de Avedon. La exposición se completa con 13 instantáneas originales del propio Avedon procedentes de la colección privada de la diseñadora y comisaria de la exposición Joanna Mastroianni. Sin duda, el conjunto se transforma en un verdadero testimonio visual de las sesiones fotográficas para revistas de moda, así como de la vida en el estudio.

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 Cine y Moda. Por Jean Paul Gaultier”, Caixa Fórum.

El prestigioso diseñador francés Jean Paul Gaultier co-comisaria una exposición con más de 250 piezas que indaga en las relaciones e influencias entre la moda y el cine recorriendo la simbiosis que históricamente ha existido entre el celuloide y la moda. Así, el evento profundiza en conceptos como la evolución de los vínculos hombre-mujer, la emancipación femenina, la modernidad dentro de la vestimenta, las transiciones de género en el cine, el erotismo y los roles de poder. Todo a través de obras de grandes diseñadores –como Coco Chanel, Balenciaga, Pierre Cardin y Sybilla–, cerca de 70 ‘looks’ icónicos del cine, más de 90 proyecciones audiovisuales y carteles originales y fotografías.

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“ Miró. El legado más íntimo” Fundació Joan Miró.

“Miró. El legado más íntimo” reúne unos 180 objetos, entre ellos unas 80 obras de Joan Miró que recorren casi siete décadas de trayectoria artística, así como dibujos preparatorios, documentación inédita y fotografías familiares. La exposición se articula en cinco ámbitos diferentes, que presentan la formación y la evolución de las colecciones familiares, y a la vez apuntan los vínculos entre las obras seleccionadas y los momentos vitales, culturales e históricos del siglo XX que vivieron Joan Miró, Pilar Juncosa y Dolors Miró.

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“Dones. Entre Renoir i Sorolla”, Museo Diocesano

La exposición plasma los cambios sociales que protagonizaron las mujeres en este período de la historia a través de las obras de Auguste Renoir, Joaquín Sorolla, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Joaquín Torres-García y de los escultores Manolo Hugué, Josep Clará, Josep Llimona y Pablo Gargallo. Además, la muestra integra también una selección de piezas del fondo del Museo Diocesano de Barcelona y recupera la memoria de dos mujeres extraordinarias que vivieron en la Barcelona de aquel tiempo: Dorotea de Chopitea y  Sor Eulàlia Anzizu.

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Josep Maria Subirachs se inicia en la práctica escultórica de la mano de Enric Monjo, escultor que junto a Frederic Mares tendrán un papel muy activo en la reconstrucción de la Barcelona de posguerra. Su formación seguirá desarrollándose en el taller de Enric Casanova, cuya influencia noucentista calará profundamente en el joven Subirachs dando luz a su etapa mediterranista. Tras esta primera etapa formativa, el artista barcelonés logrará, gracias a la beca que le concede en 1950  el cercle Maillol, viajar a París, donde conocerá de primera mano las revoluciones artísticas de las vanguardias europeas. Esta estancia tendrá una importancia capital en su trayectoria no solo por esa suerte de hallazgo que supuso el descubrimiento de las últimas tendencias artísticas, sino también por la oportunidad que le brindó de forjarse un nombre como escultor.

Desde entonces, su obra atravesará diversas fases que fluctuarán entre la figuración y la abstracción, elaborando un sólido lenguaje personal cuyas infinitas referencias a sus admirados Julio Gonzalez, Brancussi, Henry Moore o Giacometti no restan ni un ápice de personalidad a una esencia creativa guiada por su espíritu innovador pero ante todo por su reivindicación del arte como generador de vida frente a la muerte y la destrucción

Bajo estas constantes investigaciones a las que sometió su obra, Subirachs fue configurando un universo plástico en el que late una iconografía metafórica y simbólica donde cada escultura atesora en sí misma su propio cosmos. Sin embargo, Subirachs hará de ciertos recursos y motivos de representación su caballo de batalla, empleándolos de forma recurrente a lo largo de toda su trayectoria. En este sentido, la Venus en licitación encierra varios de los conceptos que vertebraron toda su carrera.

Realizada en una década marcada por la necesidad de dotar su obra de más elementos comunicativos, Subirachs opta por una nueva figuración cuyo verdadero objetivo recaerá, más que en su representación, en su significación. En este caso, y como sucede habitualmente en su obra, Subirachs recurre a la figura femenina en su vertiente mitológica. A través del cuerpo de la Diosa Venus, transluce  la  impronta ineludible de un artista que, nacido bajo el signo del noucentisme, abrazará  la cultura clásica grecorromana como antídoto  frente a la que  considera una civilización en decadencia.

Por otro lado, Subirachs introducirá a través de sus esculturas un dialogo entre conceptos duales, que como el espacio y el tiempo, la luz y las sombras, el hombre y la mujer o lo vertical y horizontal, reflejan la dialéctica contrapuesta o complementaria que rige el mundo en el que vivimos. En este sentido, la escultura en mármol que presentamos contrapone la verticalidad y la horizontalidad, así como el concepto de espacio- tiempo a través de un recurso que será fundamental en su obra a partir de entonces: los conocidos como perfiles corridos, a partir de los cuales el torso  se  desdibuja hasta desvanecerse formando grandes molduras. De hecho, este tipo de recurso permite también una doble lectura de interpretaciones opuestas. Por un lado, puede ser leída como la materia bruta que progresivamente se va puliendo y cogiendo forma hasta llegar a la perfección final a la que aspira el arte o, por contra, como el reflejo de la destrucción de esa belleza y perfección provocada por la decadencia de la cultura.

La escultura moderna cimentada bajo sus dos pilares -materia y cuerpo- abordó la representación de la figura humana bajo los condicionantes culturales e históricos que marcaron el cambio de siglo. En este sentido la obra de Joan Rebull representa el elemento catalizador que precipitó la renovación de la práctica escultórica catalana del pasado siglo, dando forma a una escultura cuya concepción aspira a definir aquello propiamente mediterráneo. Para ello y como hiciera Torres Garcia, Rebull recurrirá al pasado más remoto de la civilización mediterránea, tomando como modelo el arte primitivo y arcaico de Mesopotamia Egipto y Grecia. Esta vuelta a la que es reconocida como la cuna de nuestra cultura responde a la impetuosa voluntad que se extendió por diversos territorios de Europa por reivindicar y recuperar desde la esfera política y cultural la esencia y singularidad de una identidad propia. En este aspecto, Rebull se sitúa en línea de los postulados Noucentistes cuya estética tomará como referente el ideal de la Grecia Clásica, basado en los valores de orden, armonía y medida, cuya belleza serena e idealizada nos remite a una realidad mítica.

El clasicismo arcaico que adopta la obra de Rebull se convertirá en el vehículo perfecto mediante el que representar aquellas tradiciones locales que dieran forma a un tipo escultórico con el que el pueblo pudiera sentirse identificado.  Bajo su visión de una Catalunya heredera de la Antigüedad Clásica, Rebull se inspiró en las costumbres y tipos más arraigados a su tierra natal para hacer renacer el esplendor de la civilización griega, dando luz a una obra cuyo compromiso cultural y político está fuera de toda duda.  En este aspecto la figura femenina adquirirá un notable protagonismo que se manifestará, tanto en su papel de diosa mediterránea, como en su propia personificación de los valores de la tierra.

De este modo, el artista tarraconense dio vida a un tipo escultórico sólido y rotundo en sus volúmenes que, en su expresividad sintética y austera, encerraba una notable carga simbólica, especialmente latente en figuras femeninas, que como la que hoy os presentamos, simbolizan el paradigma del estilo que Rebull desarrolló.

“La Pubilla” realizada en mármol de Carrara y de la cual existe otra versión ubicada en el Palacio Municipal de Reus, es un magnífico ejemplo del equilibrio que alcanzó su obra donde, en una combinación entre lo matérico y etéreo, lo terrenal y espiritual, Rebull nos traslada a la esencia inmutable de nuestros orígenes mediterráneos. De hecho, y más aún en figuras como la Pubilla o la Pastoreta, se evidencia el fuerte arraigo del escultor catalan por su tierra, así como el compromiso político, estético y artístico que adquirió con el signo de un tiempo marcado profundamente por la represión que supuso el régimen franquista. De este modo, la tradicional Pubilla, se torna en manos de Rebull en una alegoría moderna que alude a la mayor de las herencias que podemos recibir: la de nuestra tierra. El hieratismo de su rostro, serio y sereno y la sobria sensualidad con la que esculpe la anatomía sitúa al personaje en un plano atemporal que nos traslada a los tiempos de la Arcadia perdida.

El espíritu clásico latente en cada una de sus obras dio luz a un concepto propio de escultura mediterránea, en el que las formas del cuerpo humano y en especial de la figura femenina, conquistaron en manos de Rebull un espacio atemporal, eterno y clásico. De hecho y como manifestó el crítico Cirici Pellicer en una lúcida observación, Rebull fue capaz de “transformar lo particular, característico y efímero en típico y eterno” erigiéndose como un puente de unión entre la cultura anterior y posterior a la guerra civil española que lo sitúa como el escultor catalán más destacado de mediados del pasado siglo.

El descubrimiento del llamado Ötzy, el Hombre de Hielo, un cuerpo en los Alpes Italianos de 5000 años de antigüedad, con un pendiente en su oreja ya nos muestra que, al menos, desde la edad de bronce, los pendientes forman parte de las diferentes civilizaciones.

La Biblia es otro de los lugares con diferentes menciones a los pendientes tanto como “complementos” (Oseas 2.13) como símbolo permanente de esclavitud (Éxodo, 21:2-6).

El romano Plinio el Viejo (23-79) criticaba a los romanos por su consumo exagerado y desdeñaba, en su enciclopedia Naturalis Historia, a las romanas por su recientemente descubierto gusto por los pendientes de perlas

Así decía: “…colgando dos o tres de las orejas…y llamándolos “crotalia” o “pendientes de castañuelas” …estando alegres de escuchar el sonido cuando chocan entre ellas…e incluso anunciando (por las calles) la llegada de una mujer adinerada…”

En el Antiguo Egipto hace más de 6.000 años eran unos simples aros que atravesaban las orejas, sirviendo para atraer miradas y provocar el interés de los demás, y por supuesto el faraón, no tenía unos aros, y sí grandes piezas. Ramsés II tuvo miles de pendientes, tan sofisticados y con diseños tan elaborados, que obviamente fueron joyas a medida y de gran valor.

Encontramos también pendientes en Asia, en las tumbas de reyes de la antigua ciudad de Ur (Mesopotamia) donde tenemos ejemplares de hace 5000 años.

Otros pueblos antiguos, además de los babilonios, persas, indios, hebreos, árabes, los usaban también como talismán y protección.

Hoy día los pendientes siguen formando parte del atuendo de las mujeres. Sus diseños, formas y materiales crean tendencia en la moda, y muchas veces forman conjuntos con collares, brazaletes y anillos. Al estar pegados a la cara posiblemente sea el accesorio que más favorece a la mujer.

Por ello, la elección del pendiente más adecuado a cada momento es una de las elecciones importantes del estilismo de la mujer. Bien sea como compra de complemento o como regalo, el pendiente es y será un elemento esencial con el que la mujer expresará su belleza buscando ese equilibrio en forma, tamaño y color que solo un buen pendiente puede proporcionar.

Ya desde el Renacimiento con los Medici en Florencia y la familia Sforza en Milano, Italia ha sido cuna de los grandes artistas en Europa.

Grandes creadores han ido marcando las tendencias internacionales hasta nuestros días.

La orfebrería italiana es una de las maravillas del Made in Italy. 

Fusión perfecta de tradición y modernidad, sintetiza el amor por lo bello con la experiencia artesanal y la capacidad de custodiar saberes antiguos que han hecho de Italia una de las cabezas mundiales de la producción de joyas y orfebrería.

En Italia existe un floreciente mercado de lujo, de fama internacional, representado por los llamados distretti (literalmente distrito, refiriéndose a zonas importantes de producción) del oro, sobre todo el de Valenza, que es uno de los más conocidos e importantes del sector de la joyería a nivel internacional. El distrito de Valenza incluye ocho municipios vecinos donde se producen y se venden joyas y artículos de orfebrería de alta gama.

La ciudad, que será incluida entre los lugares de particular interés en la Expo de Milano, abrió su Museo del Gioiello (Museo de la Joya) en el año 2015.

La pequeña ciudad piamontesa es la de mayor densidad de orfebres de Italia, el mayor número de empresas artesanas de orfebrería y joyeros y une la sólida tradición de la alta artesanía a una gran capacidad de innovación técnica, estilística y de materiales. El elevado nivel del diseño, un vivaz entramado productivo y una feria de fama internacional, así como sus centros de formación y una fuerte tradición orfebre erradicada en el territorio, hace de Valenza la cuna de la joyería en Italia y un referente a nivel internacional.

La artesanía orfebre es una de las profesiones más difundidas en Italia, contando con profundas raíces locales y especializaciones regionales, donde las empresas a menudo son de carácter familiar y realizan joyas a medida para sus clientes. Ilustran esta vocación artística típicamente italiana numerosas localidades y distritos orfebres.

Sofisticación, trabajo artesanal, espíritu independiente, amor por el detalle y, sobre todo, por el alto sentido de deliciosa feminidad y de amor que debe de traducir una joya: estas son las claves para convertirse en uno de los grandes. Vendorafa ha conseguido aunar todos estos criterios en sus piezas.

Las piezas de joyería de Vendorafa Lombardi nacen de formas esenciales:  patrones orgánicos en continua armonía con la intuición y la experiencia, la investigación y la creatividad. La voluntad de explorar nuevas vías de planificación y nuevas estrategias de fabricación genera soluciones armoniosas y efectos táctiles originales.

Las creaciones de Vendorafa están concebidas, creadas, diseñadas y realizadas con manos, corazón y alma italianos.

El trabajo, realizado exclusivamente a mano, realza el valor material del oro, su luz y su calidez estética.

Más de sesenta años de joyería hecha en Italia gracias a la pasión de los orfebres expertos. Desde 1951, Vendorafa ha estado creando y produciendo colecciones que son conocidas y reconocidas como un signo del estilo y la excelencia del Made in Italy. 

Ya en la década de los años 20 y 30 se produce la que sería la segunda ola migratoria de artistas españoles a Paris entre los que destacan figuras de la talla de Hernando Viñes, Gomez de la Serna, Oscar Domínguez o Francisco Bores, los cuales conformaron la llamada Escuela Española de Paris. Lejos de ser un grupo artísticamente homogéneo, esta escuela es el resultado de una suma de personalidades y trayectorias artísticas cuyo denominador común, además de su confluencia temporal y geográfica, la encontramos en la investigación experimentación y asimilación de los múltiples y novedosos contextos artísticos que las vanguardias históricas les brindaron. 

Ejemplo de ello es el lienzo realizado en 1951 por Francisco Bores, quien tras su marcha a Paris se integró de lleno en el ambiente artístico parisino donde vivió prácticamente toda su vida. En este caso el  bodegón en licitación pertenece a un periodo creativo sumamente fértil en su producción perfectamente definido en palabras del propio artista   “Mi búsqueda constante en lo que se refiere al espacio me condujo, en 1950 a una nueva mutación: es lo que la crítica denominó “la manera blanca”. Yo seguía aspirando a mayor luminosidad, desencarnando al mismo tiempo más y más las figuras. Una tentativa, en cierto modo, de aproximarse a lo que ambicionaban los abstractos por medios puramente figurativos. Mi pintura, que antaño era oscura, es hoy clara. La composición, que era muy apretada, la quiero ahora libre y suelta”.

La convulsión que para España representó la Guerra Civil supuso el inicio de una nueva etapa migratoria que por sus consecuencias y tras la derrota republicana, afectó especialmente al colectivo de artistas plásticos que apoyaron al bando perdedor. Esta etapa cuyo inicio se produce a finales de 1939 es ya considerada plenamente como un exilio de artistas que como Antoni Clavé llegaron a Paris huyendo de la represión del fascismo que había triunfado en España.

Entre la diversidad de etapas por las que transcurre la obra del artista catalán que aquí nos ocupa, viene a demostrarnos el inconfundible sello que grabaron en él, las novedades de las vanguardias que descubrió en París, convirtiéndolo en uno de los personajes principales de la segunda generación de artistas que bajo el ala protectora de Picasso, conformaron la Escuela de París. La figuración que practica Clavé en estos años, se aleja como vemos en este lienzo, de cualquier convencionalismo o academicismo gracias en gran parte a la influencia que ejercerá en él la obra de Picasso, traducida aquí en una libertad compositiva y formal absoluta. De hecho, a través de una figuración de rasgos expresionistas y un cromatismo lleno de entonaciones fauves de profunda intensidad y gran consistencia matérica, Clavé transmite la psicología frágil y vulnerable de la figura de la loca cuya expresividad y virulencia interpela directamente al espectador.

Los faraones actúan como intermediarios entre los dioses y el pueblo, el faraón como encarnación viva del dios Horus. Un ejemplo de esto lo vemos en la escena del siguiente relieve donde el faraón Ptolomeo se presenta como soberano de las Dos Tierras y ofrece una libación a Osiris y a Isis. Su condición divina ante el pueblo hizo que este se uniera bajo el mando del gobernante para erigir los grandes monumentos de la nación, las pirámides, como tumbas de los faraones, los templos y centros religiosos.

La pregunta clave para un egipcio era: ¿Qué tengo que hacer para continuar viviendo cuando ya no esté en este mundo? Para esta pregunta había múltiples respuestas. Unificándolo de alguna manera se resume en que tiene que haber una conexión entre la vida actual y la futura, es decir, había que dejar huella en positivo en este mundo para seguir en el siguiente. Por un lado, se juzgaría las obras que hubiese hecho, el difunto tendría que haber llevado una vida encaminada al bien. Por otro lado, en el plano material tendría que dejar su nombre y su legado como testigos de su paso, con la promoción de una capilla u obra demostrando su piedad. Si el nombre de la persona perduraba su vida continuaría, de ahí que en los ajuares funerarios y en monumentos sea inscrito con tanta insistencia.

Otro aspecto era hacer que el cuerpo se conservara, lo que llevó al arte de la embalsamación. Una momia como la siguiente pieza son un ejemplo extraordinario de conocimientos médicos y anatomía de más de tres mil quinientos años. La preservación de los órganos en vasos canopos, la custodia del cuerpo dentro de un sarcófago o cubrir al difunto con vendas, perfumes y amuletos responden al mismo objetivo, procurarles vida.  Todos estos elementos eran una ayuda a la supervivencia en el viaje que empezaba.  Por ejemplo, los ushebtis solían acompañar al ajuar con el que se enterraba a la persona, estas pequeñas figuras serían sus ayudantes. Estos harían las tareas encomendadas por Osiris en sus tierras como labrarlas (por eso suelen ir con una azada).

Las pinturas que cubrían los muros de sus moradas para la posteridad les representaban en la futura cotidianeidad, dando por sentado que se produciría. La fe que demostró durante más de tres milenios un mismo pueblo ha dejado como eco obras tan extraordinarias como estas piezas que aún siguen cumpliendo las misma función para las que fueron creadas, mantener vivo el recuerdo de esas personas, el faraón Ptolomeo o de la anónima princesa egipcia.