El que fuera el gran renovador de la escultura catalana de posguerra y uno de los escultores españoles más destacados del panorama nacional del siglo XX, protagoniza nuestra subasta del 12 de julio con una de sus icónicas Venus
Cada subasta en Setdart es un nuevo proyecto cuidadosamente comisariado por nuestros expertos. En nuestras subastas de arte contemporáneo y actual siempre encontrarán los nombres reconocidos, pero también apostamos por los talentos jóvenes. Asimismo, defendemos nuestra plataforma digital como medio de adquisición, conocimiento y conexión entre los coleccionistas noveles y más experimentados y el arte actual.
De cara a la próxima subasta del día 12 de julio, les hemos preparado una selección de 5 artistas menores de 45 años, con activa presencia en el mercado, que están desarrollando su carrera tanto al nivel nacional como internacional y cuyas obras nos encantan.
El conjunto de más de 70 piezas que presentamos en subasta el próximo día 5 de julio, procedentes de una importante colección particular catalana, reflejan el esplendor que las artes aplicadas del vidrio, la porcelana y la cerámica vivieron a partir de mediados del siglo XIX.
A través de la figura femenina Joan Rebull, recuperó la esencia más pura de nuestra identidad mediterránea.
El descubrimiento del llamado Ötzy, el Hombre de Hielo, un cuerpo en los Alpes Italianos de 5000 años de antigüedad, con un pendiente en su oreja ya nos muestra que, al menos, desde la edad de bronce, los pendientes forman parte de las diferentes civilizaciones.
¿Qué palabras podrían definir el diseño? Belleza, ergonomía, funcionalidad, sencillez… Un buen diseño es más complejo que un objeto funcional, y su definición es más amplia que de un objeto meramente estético. Es tan multifacético, flexible, dinámico y profundo como es la vida diaria de un hombre moderno.
El nombre de la ciudad de Nápoles, lleva resonando durante casi tres mil años, y con razón es una de las más antiguas y con mayor cultura del mundo. Desde griegos, a etruscos y romanos entre otros, fueron los sus habitantes dejando una huella que perdura hoy en día. Este escenario fue el perfecto para que se desarrollara un arte como en pocos lugares pudo darse. Pese a los convulsos años de epidemias, guerras y cambios políticos entre españoles, italianos y austriacos, Nápoles parecía querer demostrar al mundo su prestigio a través del esplendor del arte y el mecenazgo.
Antoni Clavé, Francisco Bores y un largo etcétera de artistas españoles encontraron en el París de las vanguardias históricas, el suelo fértil en el que desarrollar su obra.
El hervidero cultural sin parangón que se produjo en Paris a comienzos del siglo XX, supuso un atractivo irrenunciable para multitud de artistas de todas las nacionalidades, que llegaron a la capital francesa en búsqueda de nuevos estímulos. Entre ellos cabe destacar la amplia nómina de artistas españoles que llegaron a Paris huyendo de las prácticas artísticas de una sociedad finisecular anclada en el pasado. En este sentido, artistas pioneros en este periplo como fueron Julio Gonzalez, Maria Blanchard, Juan Gris, Joan Miró o Pablo Picasso forman parte de la historia universal del arte y más concretamente son considerados grandes referentes en la evolución del arte contemporáneo. Todos ellos a excepción de Miró, y a pesar de haberse instalado en Paris con anterioridad al estallido de la Guerra Civil, jamás volverán a su país de origen, convirtiéndose en un elemento catalizador para futuras generaciones de artistas que, sobre todo, encontraron en Picasso una figura alrededor de la cual se aglutinaron.
Los ojos oscuros llenos de fuerza se clavan en el espectador. Parecen casi un faro dentro del lienzo totalmente envuelto entre las sombras donde las pinceladas de la peluca y el vestido se entrelazan con el propio fondo. La enigmática mirada que posee la dama es quizá el principal argumento para que los académicos hace un siglo la escogieran como parte de la exposición Goya 1900 ya como se referencia en el suplemento al catálogo de la exposición.
No podría entenderse Egipto sin su visión del Más Allá, la búsqueda de la eternidad después de la muerte. Gran parte de los testimonios que han llegado hasta nosotros son el reflejo de esa idea de vida. La religión regula esta aspiración, las ancestrales creencias de la civilización egipcia dirigen al hombre a preparar toda su vida hacia el viaje que le espera. Cada obra que este haga será juzgada en el juicio de Osiris.
¿Impresionista? ¿cubista? ¿fauvista? muchas son las etiquetas con las que se ha querido definir y acotar la obra Raoul Dufy. Pero lo cierto es que el pintor de origen normando transitó por estos ismos sin abandonar jamás su estela propia.
En el Paris de Picasso Cocteau o Apolliner y el millón de ismos que bulleron por aquel entonces en la capital mundial del arte , Dufy representa un gran vórtice nacido en la Escuela de Paris capaz de asimilar y adaptar los preceptos e intereses del impresionismo el cubismo y el fauvismo en función de los suyos propios, grabando en todas y cada una de sus etapas creativas el carácter hedonista , que como sello de identidad le valió el calificativo de” nacida bajo el signo del placer “. Sin embargo si bien es cierto la aparente frivolidad y superficialidad de su estética , su obra es fruto de las continuas experimentaciones a las que la somete en una búsqueda constante de nuevas soluciones plásticas que gestaron lentamente un lenguaje completamente personal, más complejo de lo que a simple vista adivinamos.
Los orígenes de los lugares de culto cristianos no eran edificios dedicados exclusivamente al rezo, sino una cámara dentro de un edificio, como por ejemplo una habitación o un pequeño rincón, destinada a tal fin. Aquí, una o dos personas podían orar sin ser parte de una congregación. Desde su origen en la Edad Media hasta su apogeo en el S.XVII, cuando los retablos se convirtieron en auténticas obras magnas, pasaron por diversas mutaciones, entre ellas y una de las más interesantes sin duda, fueron los cambios que llegaron con el renacimiento.
Desde la antigüedad, la naturaleza ha sido fuente de inspiración para el hombre. De ella, han bebido todos los artistas para la elaboración de sus obras, y los orfebres no podían ser menos.
En un principio, huesos, cráneos, pieles sirvieron como adorno al ser humano, luego con el paso de los tiempos, la joyería toma los ejemplos de la flora y la fauna como motivo creador. Los animales otorgan a las piezas, fuerza, personalidad y rebeldía. El mundo vegetal ofrece una variada paleta cromática y es fuente de inspiración para todas las artes y en todas las épocas.
A lo largo de la historia del arte la figura bíblica de Eva, ha sido motivo de infinidad de representaciones cuya iconografía ha construido y sustentado un determinado arquetipo del género femenino.
Los episodios de la vida de los primeros padres de la humanidad han ocupado un lugar preferente en la imaginería artística debido en gran parte al papel fundamental que jugó en la difusión de la doctrina cristiana, pero también y sobre todo durante el Renacimiento por ser un tema que les permitía aunar la religiosidad con los estudios anatómicos que tan imprescindibles fueron en su desarrollo. Ilustrando biblias y códices, formando parte de retablos y capiteles o en obras completamente independientes, artistas de todos los tiempos tan destacados como Memling, Cranach, Durero, Tiziano o Rubens quisieron plasmar uno de los grandes episodios bíblicos sobre los que se ha fundamentado la cultura religiosa occidental desde la Edad Media.
Originaria de la antigüedad griega y romana, la guirnalda como elemento artístico volvió a popularizarse en el norte de Europa gracias al pintor flamenco Jan Brueghel el Viejo, quien comenzó a retomar de nuevo el uso de las también conocidas como orlas, que aunque cuyo objetivo original era el de enmarcar, decorar y enaltecer una imagen central, se convirtieron en auténticas obras maestras de la pintura de naturalezas muertas.
Uno de los pilares de la fe cristiana es el convencimiento de que los seres humanos fuimos creados a imagen y semejanza de Dios. Si trasladamos esta idea al mundo del arte observamos que se realiza a la inversa, es decir, las vírgenes, santos y Jesús adquieren los rasgos físicos de cada población. El arte en América asume este postulado y lo toma como guía para desplegar unas obras únicas en todo el mundo.
La nueva fe instaurada en los territorios americanos trajo consigo desde formas de vida renovadoras a las influencias artísticas europeas. Por ejemplo, una tabla flamenca de principios del siglo XVI, con una virgen de cabellos dorados y tez pálida sería algo insólito en una ciudad como México o Lima. El arte por tanto tuvo que adaptarse a los cánones estéticos, a las tradiciones locales y por su puesto a la propia apariencia de sus fieles. Empecemos con el caso más evidente de todos, la virgen de Guadalupe.
El trabajo de Peter Zimmerman está considerado como una de las aportaciones más destacadas a la abstracción pictórica internacional
A lo largo de la historia del arte, han sido muchos los grandes artistas que se han planteado una cuestión vital en la práctica artística: ¿Cómo se puede transformar el arte para reflejar la nueva realidad de nuestro tiempo? En este sentido Peter Zimmerman se ha convertido en paradigma del arte actual gracias a su revolucionaria forma de repensar y concebir el concepto de pintura. Desde sus inicios el artista de origen alemán desafió la practica pictórica tradicional hasta imbuirse en las posibilidades de aunar el arte digital con la pintura sobre lienzo. Tras este planteamiento se esconde una honda reflexión sobre los desafíos a los que se enfrenta la pintura actual, abordando cuestiones como la relación entre el original y la copia, la apariencia y la realidad, el contenido y la forma o la creación y su recepción.
El próximo día 24 de mayo el artista gijonés, que ha logrado conquistar el panorama artístico actual, llega por primera vez a nuestra subasta
Picasso afirmó que aprender a pintar como los artistas del renacimiento le llevó tan solo unos años mientras que pintar como los niños le costó toda una vida. El trasfondo de esta mítica frase del pintor malagueño bien podria aplicarse a la singular visión que Edgar Plans imprime en su universo plástico: revelándose frente a la aniquilación del espíritu de la infancia, el artista gijonés ha decidido, como dijo Picasso, hacer lo más difícil: pintar con la misma libertad de un niño.
El conjunto de obras que presentamos en la subasta de Arte Contemporáneo del 24 de mayo pone en valor la figura de Ponç como uno de los artistas más fascinantes y enigmáticos de la segunda mitad del siglo XX en España.
El pasado mes de abril, Setdart fue protagonista del programa de televisión Comando Actualidad «El negocio del arte» de RTVE.
La imaginería del S.XVII española ha sido siempre objeto de culto y devoción, ya que mas allá de su finalidad artística, fueron creadas para acercar a los feligreses a la fe. En los últimos años, el mercado internacional se ha hecho eco de la calidad y destreza de los estos escultores.
A partir de los últimos años del siglo XIX los fundamentos y formulaciones bajo las que se había cimentado la figuración empiezan a tambalearse hasta generar un cambio de orientación que dejaba atrás su tradicional función descriptiva para ser concebida como una forma de desentrañar la esencia del universo y explicitar lo más profundo del ser humano. En este contexto de ruptura, la pintura occidental se cuestionó el naturalismo cuyos códigos de representación habían dejado de identificarse con la nueva realidad que querían expresar. De este modo, el artista enfrentado a la tarea de redefinir la propia naturaleza del arte decidió actuar como un “nuevo primitivo” al margen por completo de cualquier convencionalismo estético.
Miguel Ortiz Berrocal alcanzó la cúspide de su carrera gracias a sus icónicas esculturas desmontables
Martín Berrocal llegó a la escultura de forma casual. Los deseos de su padre, médico de profesión para que siguiera sus pasos chocaron frontalmente con la vocación artística de Berrocal, quien finalmente se matricularía en la carrera de arquitectura tras cursar dos años de ciencias exactas. Fue entonces, cuando gracias a las clases de matemáticas, despertó su interés por cuestiones que, como la topología combinatoria y la dimensión del espacio, le llevaron finalmente a descubrir su pasión por la práctica escultórica.
La colección que subasta Setdart procedente del Hotel Cambón de Paris y de una antigua colección particular española y es un testimonio único del arte del vidrio en época romana. Acostumbrados a ver en el mercado piezas como ungüentarios o lacrimatorios, que eran más habituales y comunes, los recipientes de la colección destacan por su rareza y su excepcional estado de conservación. Las dimensiones de los objetos son un detalle que influye que hayan llegado a nosotros. Las piezas de formatos más grandes o con decoraciones complejas como las asas o cenefas implican una mayor dificultad en cuanto a su supervivencia. Tengamos en consideración que el soplado del cristal en la época imperial, con las técnicas que disponían, implicaba un nivel de precisión y minuciosidad extremo. Añadido a esto estaría el comercio de esas piezas que eran distribuidas a todos los rincones del imperio y posteriormente por sus propietarios.
La pareja de acuarelas en licitación el próximo día 3 de mayo nos muestra que ante todo el artista cubano es un virtuoso del dibujo
El impulso creativo de las artes plásticas en Cuba durante la década de los años cuarenta del pasado siglo, simbolizó el inicio de una proyección artística de las artes cubanas que ha logrado conquistar el competitivo mercado del arte internacional. Dentro de este proceso de revalorización y expansión artística, el reconocimiento de Roberto Fabelo ocupa un lugar fundamental, quien incorporando y reinterpretando las tendencias más vanguardistas del momento desde una visión influenciada por sus raíces insulares, se ha convertido, tal y como demuestran sus excelentes resultados en subasta, en un valor seguro dentro del circuito artístico.
Las imágenes barrocas tan profundas, dinámicas y teatrales suelen centrar la mirada del espectador en el personaje o escena principal dejando así al propio escenario como un elemento que suele pasar desapercibido. El público actual ha perdido en parte el lenguaje al que estaban acostumbrados en el siglo XVII por lo que muchas veces dejamos sin interpretar del todo el contenido de un cuadro. El cielo juega un papel fundamental en ello.
Los paisajes bucólicos y fantásticos que suelen contener las escenas huyen del mundo real y nos trasladan a una escena que podría ser sacada de un episodio bíblico o mitológico. Aquí la representación del cielo adquiere un valor altísimo casi como si se tratara de un personaje más ya que marca un hilo conductor en la narración o puede hasta desvelar el desenlace del cuadro.
A penas conocemos dos obras autógrafas de la primera pintora documentada de la historia de México, Guadalupe de Moncada, lo que nos revela como la historia ha tratado el papel femenino dentro del arte. La protagonista de nuestra historia alcanzó lo más altos reconocimientos por su maestría, desde ser la primera académica de la institución de la Real Academia de San Carlos, así como su directora honoraria de la rama de pintura. Estos honores serían la prueba de que su talento era indiscutible ante el panorama cultura de la sociedad novohispana. Desgraciadamente estos méritos fueron cuestionados por sus coetáneos alegando que era el resultado del nepotismo e influencias de su marido el Marqués de San Román.
La colección de Antonio Orzaez posee tres de las obras más personales y reveladoras de Pablo Picasso. Un collage de 1957 y dos fotomontajes resultado de la serie “Variaciones de las Meninas” que fue un arduo trabajo de investigación que Picasso, realizó en la década de los años 50. En esta serie el artista malagueño, no solo reinterpreta la obra de Velázquez, sino que suplanta el papel del pintor barroco, imponiéndose a su figura y consolidase como el gran maestro contemporáneo de la historia del arte español, siendo heredero meritorio de la tradición pictórica del país.
Las firmas de perfumería no sólo han encargado sus fórmulas a relevantes “narices”: también los frascos a grandes artesanos y artistas consagrados. El resultado son piezas de gran valor que se adquieren para coleccionar.
Llegan las vacaciones de Semana Santa y con ellas el momento para disfrutar de todos aquellos planes que llevamos tiempo esperando. Entre todos ellos, el ocio cultural siempre será una magnífica opción para escapar de nuestra rutina, viajando a través del arte a épocas pasadas y múltiples enclaves geográficos. Desde Setdart os animamos a pasar unas vacaciones llenas de arte con una selección de algunas de las exposiciones más interesantes que nos ofrece la agenda cultural actual en nuestro país