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El próximo día 6 de septiembre nuestra subasta de arte contemporáneo regresa con una cuidada y variada selección de la producción de Victor Mira, mediante la cual podremos descubrir la riqueza y profundidad de su creación.

Considerado por la crítica internacional como uno de los grandes creadores del arte español de las últimas décadas del siglo XX, Víctor Mira reflejó en sus distintas facetas artísticas el tormento existencial que le acompañó a lo largo de su vida. Calificado de transgresor, excéntrico, visionario, raro, místico e iluminado, Mira fue ante todo un artista que ahondó a través de su arte en las profundidades del ser humano. Su obra, tan desgarradora como poética, adquiere una violenta espiritualidad cuyo sentir se refleja en esta reveladora afirmación: “como hombre se desea la felicidad, como artista no me interesa y a mí me domina el artista. Bajo esta premisa, Víctor Mira transformó el dolor en una filosofía de vida que sería, sin duda alguna, su sempiterna fuente de inspiración. Y es este aspecto precisamente, el que nos emociona en su obra, la brutal y sincera contemplación de un alma, la del artista, en la que la soledad, el calvario interior y la muerte, se nos descubren como las únicas e inapelables certezas de la vida.

Los “golden Twenties” o felices años veinte fueron una época de prosperidad y progreso tan vertiginosa que llenó de optimismo la sociedad, impulsando a llevar a cabo proyectos extremadamente ambiciosos.

En Nueva York pudo apreciarse mejor que en ningún sitio este furor ya que el mejor ejemplo del éxito se manifestó con su skyline, los rascacielos. Una de las ideas megalómanas más evidentes surgió de la prestigiosa familia Rockefeller. Su objetivo fue crear una propia ciudad dentro del corazón de Manhattan. Varios edificios conectados por plazas albergarían teatros, oficinas y comercios bajo el emblema de esta dinastía.

El crack de 1929 supuso la quiebra para una parte significativa de la población y condujo al período que conocemos como la Gran depresión. Este escenario adverso no amedrentó a los Rockefeller, todo lo contrario, fue un aliciente para ofrecer un eco de esperanza y revitalización de la economía de la ciudad con un discurso basado en los valores americanos y en el progreso recientemente vivido.

¿Cómo llega un museo a crear su colección? Los museos son instituciones concebidas para ampliar el conocimiento y la historia de cada lugar y su sociedad, un faro de conocimiento que evoluciona con el tiempo y, por tanto, que debe avanzar.  Pongamos, por ejemplo, el museo más importante de España y, podría decirse, uno de los más ricos del mundo: el Museo del Prado.

A comienzos del siglo XIX durante el reinado de Fernando VII se decidió trasladar una parte de algunas de las obras maestras de la colección real a una galería pública. Pensemos que ya desde tiempos de los Austrias muchos de los tesoros estaban, relativamente, al alcance del público en, por ejemplo, el Alcázar de Madrid o el Escorial. Pero fue el Prado quien acercó de forma definitiva el arte al pueblo en España convirtiéndose en un motivo de orgullo para este.

La institución fue ampliando sus fondos gracias a incorporaciones como el Museo de la Trinidad, con bienes procedentes de las desamortizaciones eclesiásticas o de importantes donaciones, como ocurre incluso en nuestros días (véase el legado de Plácido Arango o Óscar Alzaga). Estos grandes mecenas al igual que otros anónimos han ampliado considerablemente el catalogo con respecto al primigenio. No obstante, los conservadores tienen una labor esencial, no sólo custodiar e investigar sobre las piezas existentes sino la de dar con las piezas “perdidas” del rompecabezas que representa la historia. Su profundo conocimiento les hace estar siempre alerta de las obras que aparecen en el mercado o en colecciones privadas. Su rápida acción y buen ojo permiten que el estado o el propio museo adquieran ese engranaje crucial que permitirá seguir escribiendo nuestro pasado para entenderlo mejor.

Setdart se siente profundamente orgulloso de formar parte de este proceso. Durante este último año varias instituciones españolas han encontrado en nuestras subastas piezas fundamentales para sus colecciones.

El museo de colecciones reales es en si mismo una obra de arte. La arquitectura que alberga los tesoros permite exhibir las obras en su versión más pura. El espacio se articula cronológicamente desde Isabel la Católica y las tablas de Juan de Flandes hasta Alfonso XIII y su retrato por Ramón Casas.  La evolución en el tiempo se aprecia de una forma tan clara y cercana que se hace única dentro del panorama museístico español.

La concentración y selección de obras maestras esta dividida por cada monarca, los pintores franceses en el caso de Felipe V y los primeros Borbones o los artistas flamencos como Rubens en la casa de Austria.

Llegan las vacaciones y con ellas el momento para disfrutar de todos aquellos planes que llevamos tiempo esperando. Entre todos ellos, el ocio cultural siempre será una magnífica opción para escapar de nuestra rutina, viajando a través del arte a épocas pasadas y múltiples enclaves geográficos.

Desde Setdart os animamos a pasar unas vacaciones llenas de arte con una selección de algunas de las exposiciones más interesantes que nos ofrece la agenda cultural de este verano dentro de nuestras fronteras:

“André Butzer” en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid

Una interesante retrospectiva, la primera de este artista alemán fuera de su país, reúne, hasta el 10 de septiembre, una elaborada selección de sus obras realizadas entre 1999 y 2002. Ordenadas de forma cronológica los 22 lienzos de gran formato nos adentran en el particular universo pictórico del artista cuya génesis nace de influencias tan dispares como el expresionismo alemán, Henry Ford o Walt Disney.  Fruto de esta fusión, el artista crea un universo pictórico denominado “expresionismo de ciencia ficción” que oscila entre la oscuridad y la explosión de colores, entre la abstracción y las figuras de dibujos animados.

Richard Avedon, conocido internacionalmente por su trabajo en revistas de moda como Harper’s bazaar y Vogue, aterriza en Setdart de la mano de uno de los mayores iconos de la historia de la moda: Dorian Leigh.

Pocos fotógrafos ha habido durante el siglo XX tan determinantes como el estadunidense Richard Avedon, quien no solo revolucionó el mundo de la moda creando una estética nueva, sino que también se convirtió en uno de los retratistas más prestigiosos de la historia de la fotografía. Tanto en su faceta como fotógrafo de moda como en la de retratista, Avedon logró romper con ciertos mitos o estandartes preestablecidos, liberando a sus protagonistas de la rigidez y distancia que hasta el momento se había proyectado sobre todo desde el mundo de la moda.

La oda a los valores pictóricos que proclamó la abstracción postpictórica encuentra en las pinturas monocromas de Joseph Marioni un magnífico heredero. 

Entre los pintores que el artista estadounidense Joseph Marioni reconoce admirar, se encuentran Matisse, Bonnard, Van Gogh, O’ Keeffe o Marc Rothko… Pese a que a priori puede parecer que no existe ningún punto de unión entre la disparidad de sus estilos, la realidad es que todos ellos vertebraron su obra bajo un particular tratamiento de la luz y el color. Este es también el caso de nuestro protagonista, cuya trayectoria, vinculada al grupo Radical painting de New York, nos revela una honda reflexión acerca de la interacción de la luz y el color.

A lo largo de todos los tiempos, algo que nos define como humanos es nuestra ambición por conocer y explicar el porqué de lo que nos rodea: del vuelo de las aves, la lluvia o la muerte. La ciencia, la filosofía e incluso la religión han tratado de ofrecer explicaciones sobre estas preguntas, siendo el caso de la cosmología egipcia una de las más interesantes.

En la civilización egipcia, la naturaleza que les rodeaba era una manifestación de las fuerzas superiores y divinas que ordenaban el mundo. Por ejemplo, el disco solar Atón era la apariencia física de deidad Ra que, a su vez, era la responsable de todo lo bueno que la luz proporciona. Esta explicación avanza hasta identificar a sus dioses con parte de la naturaleza, los animales.

Anubis, dios protector de los muertos y su guía en el inframundo, se personificaba en un chacal. ¿Por qué asignar este animal al dios? Los chacales merodeaban entre los acantilados y pedriscos que rodean a las necrópolis en busca de carroña de la que alimentarse. Los egipcios al ver estos animales en zonas áridas y despoblabas consideraban que actuaban como guardianes de sus difuntos y, por tanto, la asimilación entre uno y otro se hace evidente.

El siglo XV es quizá una de las etapas de mayor relevancia de la historia y el punto de inflexión en el camino hacia el mundo moderno. Este tiempo de cambio es el escenario en el que paulatinamente se abandona el Medievo hasta la llegada del Renacimiento. Es una época de prosperidad económica y de auge de una burguesía que, al igual que la Iglesia y la aristocracia, se convertirá en mecenas del arte. El caso español es especialmente rico por la condición de ser una península con distintos reinos y sus correspondientes influencias del exterior.  Los hidalgos de Castilla, por ejemplo, obtenían lucrativos beneficios con la exportación de lana merina por toda Europa, especialmente en los territorios flamencos, como Brujas o Amberes. Esta fructífera relación comercial permitió la llegada de obras maestras del llamado Gótico Internacional y posteriormente de los Primitivos Flamencos. Su impacto en los artistas locales fue crucial hasta el punto que se empezó a imitar no solo la iconografía, sino también la forma de tratar los tejidos, el paisaje o los gestos de los personajes que se aceraron a la realidad ofreciendo un realismo sin precedentes.

La escultura y el pensamiento de Jorge Oteiza encuentran su origen y arraigo en lo más profundo y primitivo  de la identidad y cultura de su  tierra natal. De hecho, su obra no puede entenderse en toda su complejidad sin atender a su relación con el País Vasco y el delicado contexto histórico en el que se desarrolló. Tras unos años dominados por una especie de letargo cultural, el país vasco necesitaba  de forma urgente encontrar  un revulsivo  que les retornara el esplendor de épocas pasadas. Tan esperada reacción llegó  a partir de la segunda  mitad del siglo XX con la confluencia de un grupo de artistas que se agruparon  en diversos movimientos como GAUR, EMEN ORAIN y DANOK.

Sin embargo, el impulso definitivo que aupó la practica artística vasca a lo más alto vino de manos de dos nombres propios: Oteiza y Chillida, quienes con sus innovaciones marcarían un punto de inflexión en la historia  del arte vasco que traspasó nuestras fronteras hasta hacerse eco alrededor del mundo.

Desde sus inicios en los años 60 hasta la actualidad, la obra de Valdés ha evolucionado con absoluta coherencia, explorando y conquistando nuevos territorios artísticos desde un hondo conocimiento de la historia del arte y la más profunda admiración hacia sus grandes maestros. Sin embargo, lejos de contemplarlos desde la lejanía, Valdés rescata y toma de ellos aquellos aspectos de su arte que considera más oportunos para llevar a cabo un apoteósico  ejercicio de reinterpretación y recontextualización de la propia historia del arte con la que, década tras década, ha forjado su inconfundible universo creativo.

El sentido tragicómico con el que Celso Lagar representó el mundo circense nos desvela una de las vertientes más aplaudidas de su trayectoria

Pocos lugares hay en nuestro país que estén más rodeados de atractivo y misterio como el Palacio de San Telmo y sus moradores, los duques de Montpensier. Estos dos nombres siempre han ido parejos a un sinfín de habladurías y rumores relacionados con el poder, el lujo y el arte.

El carácter transgresor  anticanónico y profundamente emocional  de Ángela de la cruz  la han convertido en  una de las artistas más influyentes y sugerentes  que nos ha dado el arte de  estas primeras décadas de siglo.

La libertad creativa que ha caracterizado la producción en pequeño formato, permitiendo  a los artistas desplegar un nivel de precisión técnica y experimentación estilística,  ha dado luz a sus creaciones más íntimas y personales, cuyo poder evocador logra conmover al espectador.  En el conjunto de pinturas en licitación del próximo 8 de mayo, destaca una sobresaliente representación del paisajismo catalán concentrado en unos pocos centímetros de talento y creatividad.

Ejemplo de ello es el lienzo de Claudio Lorenzale en licitación, cuya estética e intencionalidad sigue el ideario artístico purista de su maestro, Friedrich Overbeck.

La pieza inspirada en un pasado que se representa de modo bucólico,  nos introduce en una escena donde la presencia de un grupo de jóvenes de alta alcurnia, que se encuentran disfrutando de las artes, nos acerca a la estética italiana de principios del renacimiento evocándonos, en gran medida, el relato de   El Decamerón de Boccaccio en el que narra la estancia de un grupo de jovenes en una villa de las afueras de Florencia, donde huyendo de la peste negra que azotaba la ciudad, vivirán sus día dedicándose exclusivamente a las artes y al ocio.  Lorenzale recurre aquí a una de las obras magnas de la literatura europea para revivir el esplendoroso pasado de los ideales humanistas iniciados por Petrarca en el siglo XIV.

Los ideales estéticos puristas de inspiración medieval translucen en una composición escolástica y eclecticista basada en la preponderancia del dibujo que determina las formas con una dureza en el perfilado. Asimismo y como bien ilustra nuestra obra, la profundidad y el volumen no formarán parte de sus preocupaciones plásticas, observándose en ella una mínima utilización del claroscuro, que pese a la perspectiva de la escena, nos muestra una clara inclinación hacia los colores planos. Esta luminosidad uniforme expresa la intemporalidad que pretendían otorgar a su obra como manifestación del triunfo de lo sagrado por encima del tiempo.

Durante su etapa parisina, Pere Pruna alcanzó su máximo esplendor creativo gracias a obras que como “ Placidez” que le otorgaron un merecido éxito y  prestigio internacional.

Entorno a la figura de Picasso se aglutinaron en Paris un gran número de artistas españoles, cuyos inicios  se encuentran íntimamente ligados al genio malagueño. Uno de los casos más notables es el de Pere Pruna cuyo éxito y reconocimiento estará por siempre unido al vínculo personal y profesional con su  amigo y mentor Pablo Picasso.

La fascinación por el oro ha estado presente en todas las épocas y culturas a lo largo de la historia. Desde hace seis milenios, el oro se ha considerado como uno de los materiales más preciados y valiosos. Su escasez, su difícil oxidación y, por su puesto, los característicos brillo y color lo convierten en la moneda perfecta de cambio, el imprescindible en joyería y relojería, además de ser considerado el elemento más elevado en escultura. Sus propiedades físicas fueron entendidas como un reflejo del carácter místico que le envuelve. Los antiguos egipcios representaban a sus dioses hechos de este material y los griegos y los romanos en sus grandes esculturas aplicaban el mismo canon, sirva como ejemplo la monumental Atenea del Partenón.

La que fuera una de las últimas pinturas figurativas que realizó Josep Guinovart protagoniza nuestra próxima subasta de arte contemporáneo convirtiéndose en una de las escasas ocasiones en las que su etapa creativa más temprana irrumpe con una importante obra en el mercado.

La vertiente más clásica de la escultura producida entre las postrimerías del siglo XIX y las primeras décadas del XX encuentra una valiosa y exclusiva representación en nuestra próxima subasta del día 12 de abril.

Arman plasmó en bronces como “ Guitare portuguese” el resultado de sus investigaciones entorno a la descomposición y fragmentación del objeto mediante cortes de los que emerge una nueva  perspectiva de realidad.

El papel destacado que adquiere la obra de Arman en las últimas vanguardias artísticas, resulta del todo innegable gracias a sus aportaciones respecto a la reformulación del vínculo entre el objeto y su representación artística, siendo aun hoy en día, motivo de debate y un aspecto vital en las experimentaciones plásticas.

“Playa de Valencia”, ilustra la maestría de Joaquín Sorolla en el apunte, concentrando en un espacio reducido la vibración de luz y color más pura y vívida de las playas valencianas.

El virtuosismo técnico que Joaquín Sorolla alcanzó con su obra pictórica lo consagró como el pintor de la luz por antonomasia. Sin embargo, la envergadura de su corpus artístico va mucho más allá de sus archiconocidos lienzos en los que capturó como pocos los efectos lumínicos del Mediterráneo.

Setdart ha querido colaborar una vez más con la organización de la subasta benéfica de las icónicas Meninas cuya imagen invade cada año las calles de Madrid a modo de museo público, convirtiéndose en todo un símbolo e icono de la ciudad.

La calidad museística de “Danza de odaliscas” nos revela la mejor versión de la producción orientalista de Francisco Pradilla

La expansión colonial europea en el norte de África durante el siglo XIX fue determinante en el deseo de numerosos artistas por viajar y explorar un mundo desconocido. De la representación de sus paisajes, costumbres y conflictos surgió la llamada pintura orientalista, un género con personalidad propia dentro del arte decimonónico que cultivaron apasionadamente los grandes maestros de la época.

Jean Prouvé, quien se granjeó un lugar insustituible en el diseño moderno por haber ideado soluciones vanguardistas para colectivos desfavorecidos en el contexto paupérrimo de posguerra, se ha convertido paradójicamente en uno de los nombres más cotizados del mundo del diseño.

En la figura de Jean Prouvé, vanguardia y compromiso fueron de la mano. El arquitecto y diseñador francés logró hacer de la utopía social una realidad, al menos dentro de sus márgenes de actuación, cuando tras la Segunda Guerra Mundial las ciudades bombardeadas precisaron una rápida reconstrucción.

El próximo día 9 de marzo, Setdart celebrará una de sus subastas más longevas en cuanto a la datación de las piezas se refiere. Su amplio recorrido engloba una cuidada selección de armas datadas en el Paleolítico inferior (cuyo inicio se remonta al año 300000 a.C.) hasta el Neolítico y la Edad de los Metales, así como de ídolos egipcios de época Nagada II.

El número 18 de la calle Fontanella, una discreta vía del ensanche barcelonés, acogía a principios del siglo XX un pequeño taller de marcos y dorados que en el curso de las décadas iría convirtiéndose en un enclave insoslayable para todo amante del mueble y la decoración.

Pere Cosp apenas había cumplido veinte años cuando, tomando las riendas del taller familiar, empezaba a ser solicitado por personalidades de la alta burguesía que querían redecorar sus casas. Por entonces, ya estaba reconduciendo la empresa hacia el interiorismo y la decoración integral. El joven inquieto, que había crecido entre tallas de mármol y espejos barrocos, entre molduras y dorados, había aprendido sobradamente el oficio. Pero ello no bastaba para el alma de artista que empezaba a despertar en él.

El nombre de la ciudad de Florencia evoca, directamente, la cuna del Renacimiento, el esplendor cultural bajo el gobierno de la familia Medici. Los nombres de Donatello, Miguel Ángel, da Vinci, Boticelli, sólo por mencionar algunos, son parejos a la fama de la ciudad del Arno. Tenemos asentado en el imaginario colectivo la Florencia del quattrocento y cinquecento, pero ¿cómo fue durante el Barroco?.

La familia Medici continúo prosperando generación tras generación hasta abarcar poder fuera de las fronteras de Florencia. Unos pequeños burgueses, hacia el siglo XIV, pasarían a ser los banqueros de media Europa y a gobernar una parte importante de la península itálica. A mediados del cinquecento, Cosme I recibe del papa el título de Gran Duque de Toscana. A partir de entonces la dinastía se equipará las antiguas monarquías de Europa.

La subasta de Setdart del 8 de marzo nos brinda la oportunidad de hacer un estudio comparativo entre piezas clave de ambas figuras. Tomemos dos lámparas que están actualmente licitándose, dos lámparas señeras para la historia del diseño y “entrecrucemos sus focos”. De ello resultará un estimulante juego de luces. Nos referimos a la pareja de lámparas con pies de hierro forjado de Pere Cosp, procedente de una casa de verano situada en Sant Andreu de Llavaneras con interior diseñado por entero por el autor en 1948-1949) y la icónica lámpara “Potence” de Jean Prouvé, una de sus piezas más reputadas por la confluencia de austeridad y elegancia.

El próximo 2 de marzo se licitará en Setdart una notoria colección de piezas orientales, donde la porcelana Ming y Qing cobrará gran protagonismo. Tradición y renovación se dan la mano para ofrecernos una visión privilegiada de la versatilidad artística que se llegó a alcanzar en estos periodos.