Entre los años sesenta y noventa, Antoni Tàpies dedicó una especial atención al grabado, empleándose en variedad de técnicas, aunque sin abandonar sus investigaciones pictóricas. De ello dan cuenta el buen número de exposiciones dedicadas al Tàpies grabador, destacando “Tàpies en la colección de Joan Barbarà” (quien fue también grabador de Picasso y de Miró).
El paisaje, en su concepción más amplia, ha representado una fuente ilimitada de inspiración y creatividad para los artistas. Un inmenso taller en el que se juntan unas condiciones únicas que dan respuesta a sus necesidades artísticas. La fuerza y la magia de algunos paisajes ha seducido a los grandes maestros de la pintura dando lugar a algunas de las mejores obras de todos los tiempos. Su condición cambiante, sus luces y sombras, sus silencios y murmullos, nos lo redescubren continuamente convirtiéndose en un perfecto escenario para mostrar algunas de las grandes cuestiones que han marcado la historia del arte. No puede sorprendernos pues, que el paisaje se haya transformado en uno de los principales motores creativos.
Sin embargo, no siempre fue así. Si bien la noción de paisaje en Oriente existe desde antes de nuestra era, en Europa el concepto surge más tarde. En la historia de la pintura, paulatinamente fue adquiriendo cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escena de otros géneros (como la pintura de historia o retrato), hasta constituirse como género autónomo. Se considera que la pintura de paisaje en Occidente nace como género independiente entre los siglos XVI y XVII encontrando su plena autonomía en la pintura holandesa del siglo XVII. Cierto es, que desde tiempos remotos, el hombre ha sentido la necesidad de reflejar la evolución que ha sufrido el paisaje a lo largo de la historia. Tanto es así, que la relación arte-naturaleza ha venido marcando desde tiempos remotos (solo hay que pensar en el arte rupestre) las prácticas artísticas y las teorías del arte.
No obstante, este binomio arte-naturaleza ha variado mucho y ha significado en cada época una idea diferente: en la Grecia antigua el arte imitaba a la naturaleza. En la Edad Media y el Renacimiento, el paisaje se concibe como una obra divina y su representación hace referencia a su Creador. Con el Barroco y el auge de la burguesía comerciante cuyas preferencias a la hora de coleccionar se inclinaban hacia temas mucho más sencillos y cotidianos, el género de paisaje vivió su primera época de esplendor. Posteriormente, en el siglo XIX, el Romanticismo y el Impresionismo lo convirtieron en la gran creación artística. Mientras los Románticos alababan a la naturaleza por su carácter sublime, los Impresionistas pusieron el énfasis en la captación de su luz y temporalidad.
Muestra de todo ello son algunos de los paisajes tanto urbanos como naturales que a lo largo de la historia han inspirado algunos de los cuadros más icónicos. ¿Los reconoces?
Van Gogh y Arles
Hoy en día, el nombre de Arles es inseparable del de Van Gogh. En los 15 meses que residió en la ciudad pintó nada menos que 300 cuadros, algunos de ellos tan famosos como la Noche estrellada y el Café de noche. Dicen que fue la luz lo que cautivó al pintor. Esta fue la época más productiva en lienzos y dibujos del artista constituyendo uno de los más espectaculares capítulos de la historia del arte.
Monet y Giverny
Situado en la orilla derecha del río Sena, este pueblo es famoso en el mundo entero gracias a los lienzos de Claude Monet. La obsesión del pintor por captar el punto de equilibrio entre el color y la luz fue la razón principal para instalarse en la localidad normanda. La captura de la interacción de la luz y las formas disolvía el todo en fragmentos, desdibujaba los objetos y los hacía fundirse con el horizonte, utilizando de una forma novedosa el color y la pincelada
Hokusai y el Monte Fuji
La colosal figura de Katsushika Hokusai es la más importante de la escuela Ukiyo-e. Su obra magna es la serie de 36 vistas del monte Fuji, homenaje a esta montaña inmortal, y gracias a las cuales podemos ver el monte desde diversos ángulos y provincias de la región. Las obras de este pintor son símbolos de Japón al igual que el monte Fuji. Estos grabados fueron enormemente admirados por los pintores impresionistas y post-impresionistas, desde Claude Monet hasta Vincent van Gogh.
Vermeer y Delft
Esta obra es el homenaje por antonomasia a su ciudad natal, convirtiéndose con el tiempo en uno de los paisajes más famosos de toda la pintura barroca holandesa y, por consiguiente, en uno de los grandes paisajes urbanos de todos los tiempos. El maestro de Delf nunca recurrió a grandilocuentes momentos de la humanidad, siendo la luz y el silencio los grandes rasgos de sus creaciones, fijando su mirada en la misteriosa hermosura de lo cotidiano
Turner y los Alpes
A principios del siglo XIX Turner emprendió su viaje por el viejo continente. Tras estar en Calais y París, llegó a los Alpes, donde quedó maravillado del entorno, y muy especialmente del Mont Blanc. Fue en este lugar donde pintó algunas de sus obras más importantes. Los pintores Románticos representarán en sus cuadros la inmensidad de la naturaleza, comparándola con la pequeñez del ser humano. Por eso, Turner nos presenta estas enormes montañas en las que el hombre ha construido un paso para intentar vencerlas
Cézanne i Aix-en-Provence
La montaña Sainte Victoire fue fuente de inspiración para Cézanne. Sus 44 óleos y 43 acuarelas dan prueba del apego de Cézanne por este paisaje en concreto. Cuanto más la pintaba, la volvía más plana y fragmentada, menos realista, difuminando las formas geométricas en formas de color. Por ello su obra es considerada la antesala de las vanguardias. Para conocer mejor la huella del artista en este lugar de Provenza se puede seguir la llamada Ruta Cézanne que une a lo largo de 4 kilómetros la ciudad de Aix-en-Provence al pueblo de Tholonet.
Dalí y Cadaques
Pocos artistas han tenido tanto vínculo y fascinación por su tierra natal como Salvador Dalí por el Empordà. Él mismo reconocía que la tramontana, el viento que a menudo azota esta comarca catalana, era el responsable de su «completa locura». La fuerte vinculación del pintor con el paisaje de Cadaqués, Portlligat y el Cap de Creus de los cuales se impregna llegándolo a condicionar y determinar, marcaron profundamente su producción artística hasta el punto de considerar que “En este lugar privilegiado lo real y lo sublime casi se tocan. Mi paraíso místico comienza en los llanos del Ampurdán, rodeado por las colinas de Les Alberes y encuentra su plenitud en la bahía de Cadaqués. Este país es mi inspiración permanente”.
Joaquim Mir y Mallorca
Su viaje a Mallorca dará lugar a la creación de un lenguaje propio en su pintura, lo que representa uno de los episodios más notorios de la pintura del siglo XX en España, pues los cuatro años que pasó en la isla le cambian personalmente y transforman su obra hasta extremos insospechados. El artista desplegó toda una combinación de colores imposibles fruto de su interpretación personal de la naturaleza majestuosa. Las pinceladas se alargaron y se convirtieron en manchas que casi hacían desparecer los objetos y los referentes espaciales, acercándolo a un lirismo que roza la abstracción
La idea de esta legendaria silla de plástico nació en 1948 para el concurso <<Low-Cost Furniture Design>> (diseño de muebles de bajo coste) organizado por el Museo de Arte Moderno. En 1951, el uso de la fibra de vidrio con formas orgánicas revolucionó la fabricación de muebles de la época y dio lugar a la primera silla de plástico fabricada en serie. Debido a esto, descubrieron unas características que supusieron un vuelco a la estética y forma de pensar de la época en la industria del mueble: por un lado moldeable, rígido y resistente por el otro, ideal para los sistemas de fabricación industrial, un auténtico hallazgo que ha perdurado con el paso de los años.
Uno de los motivos de su éxito es que Las Plastic Chair son fabricadas en una gran variedad de colores para la carcasa, bases y distintas opciones de tapizado. Para interior y exterior, con o sin brazos, y con más de 60 años de vida, este icono de Vitra se adapta a todo tipo de ambientes: comedores, despachos, cocinas, salas de estar, bares, restaurantes, terrazas y jardines. En definitiva, la convierten en una pieza imprescindible en cualquier ocasión
Charles y Ray Eames, que se encuentran entre los diseñadores americanos más importantes de este siglo, son los más conocidos por su contribución innovadora a la arquitectura, el diseño de muebles, el diseño industrial y su fabricación, y el arte fotográfico. Desarrollaron toda una familia de productos, el Eames Plastic Group, que todavía hoy sigue sirviendo de modelo para un gran número de diseños.
El primero de mayo de 1839 dos inmigrantes polacos, Antoni Patek, hombre de negocios, y François Czapek, relojero, unieron sus conocimientos para crear la compañia “Patek, Czapek & Cie” en Génova, Italia. 5 años depués, en 1844, Patek conoce al relojero Jean-Adrianne Philippe en Paris, donde presento su sistema pionero de corona en los relojes.
En 1845 Czapek decide abandonar la compañia para formar la propia, entonces Patekcambia el nombre a “Patek & Cie”. Un año después Adrien Philippe se une oficialmente a Patek con lo que la Casa relojera es renombrada una vez más como “Patek Philippe & Cie”, aunque éste no fue su último cambio, pues en 1901 hubo un nuevo cambio con el cual pasaron a llamarse “Ancienne Manufacture d’Horlogerie Patek Philippe & Cie, S.A.”.
1932 marco un giro importante en el destino de la marca relojera. Ese año los hermanos Charles y Jean Stern compran la empresa y cambian el nombre una vez más a “Patek Philippe S.A.”. Actualmente la compañia es presidida con la cuarta generacion de la familia Stern: Thierry Stern es el presidente y su padre Philippe Stern es el presidente honorario.
La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de mujeres. Han sido fuente inagotable de inspiración para infinidad de artistas, convirtiéndose en sus musas y en las protagonistas de algunos de los cuadros más icónicos de todos los tiempos. Solo hace falta pensar en la Mona Lisa de da Vinci, la Venus de Botticelli, las majas de Goya o las bailarinas de Degas. Paradójicamente mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman las obras que cuelgan de ellas. La pregunta resulta inevitable: ¿dónde están las mujeres artistas? La concepción decimonónica de la mayoría de los manuales de historia del arte las excluyó a pesar de contar con mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. Además de esta visión sesgada de la historiografía, las enormes dificultades de acceso a la profesión marcaron definitivamente la trayectoria de estas mujeres que llegaron a tener vetado el acceso a las Academias. Sin poder formarse, ¿cómo iban a poder desarrollar su personalidad artística? Para comprender su lucha resultan sumamente ilustrativas sus biografías, en las que se muestran las dificultades a las que tuvieron que sobreponerse para ejercer su profesión o cómo tras su muerte o tras un breve momento de gloria sus figuras cayeron en el olvido. Fueron silenciadas y censuradas y su rescate del olvido merece todo nuestro empeño.
De hecho, la lucha para que las mujeres artistas tengan la presencia que les corresponde en los museos abarca ya décadas de tradición. Hasta el momento, en la gran mayoría de ellos las obras firmadas por mujeres terminan destinadas a coger polvo en los almacenes. Hoy en día artistas contemporáneas siguen luchando, con el talento como arma, para que las mujeres consigan el hueco que merecen dentro del mundo del arte. De hecho, el trabajo llevado a cabo por estas artistas unido a la labor de investigación y recuperación realizado por múltiples historiadores e historiadoras del arte empieza a dar sus frutos. Solo hace falta dar un repaso a la programación expositiva para este año y el próximo para darse cuenta de la reacción de las instituciones a este cambio de paradigma.
Desde Setdart nos sumamos a esta voluntad de cambio dando visibilidad y reivindicando el trabajo de artistas femeninas como Lita Cabellut, Carmen Calvo, Lidia Vives o Valeria Pesce.
Lita Cabellut De origen gitano, Lita nació en la pequeña localidad de Sariñena, en Huesca, en una familia con graves disfuncionalidades. Abandonada por sus padres, fue criada por su abuela, en la ciudad de Barcelona. Las Ramblas, el mercado de la Boquería, el Port Vell y la Plaza Real, lugares repletos en la época de outsiders, artistas y personajes de la farándula, pero también de turistas, fueron el escenario de su infancia, marcada por la dislexia y la necesidad, en ocasiones, de mendiga. A través de la rotundidad de sus trazos y de la profundidad de sus ideas estéticas ha conseguido crear un combativo estilo pictórico de patrones estéticos muy sólidos y personales
Carmen Calvo Carmen Calvo es una artista conceptual española que ha contribuido a enriquecer el panorama del arte contemporáneo en Valencia. Su interés por la arqueología y el haber trabajado de joven en una fábrica de cerámica quedan reflejados en su obra, que incluye fragmentos de cerámica y barro. La diversidad de materiales es uno de los rasgos más personales de su obra, en la que confluyen objetos surrealistas, la descontextualización Dadá y la sobriedad del Arte Povera
Lidia Vives Licenciada en Bellas Artes y especializada en imagen, Lidia Vives es fotógrafa artística. Su trabajo se caracteriza por el ambiente pictórico, el manejo del color y el carácter onírico que logra transmitir. Su mayor interés en el momento de crear una imagen no es sólo el efecto técnico, sino también el anecdótico. Le interesa que la gente interprete su fotografía, crear dudas
Valeria Pesce De origen italiano, Valeria centra su interés en el cuerpo en osmosis con el agua, donde los colores son los vectores de las emociones y sentimientos. Sus figuras flotan en un cielo líquido sin gravedad, siguiendo movimientos arcaicos e intuitivos.
Asimismo, queremos homenajear con este artículo a las representantes femeninas que han hecho historia en el mundo del arte, tanto por su destreza artística como por su desafío a los convencionalismos de su época. Gracias a su talento, esfuerzo y rebeldía han logrado formar parte de la historia del arte.
Ende, se trata de la primera mujer “artista” que deja una huella explícita de sí en la historia de Europa occidental. Fué una iluminadora de manuscritos activa en el norte de España a fines del siglo X.
Clara Peeters. Pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerta en los Países Bajos. Se caracterizó por popularizar el uso del autorretrato escondido en objetos de las naturalezas muertas que muchos otros artistas emularían. En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora que fue una de las pocas mujeres artistas activa en Europa durante la primera mitad de siglo XVII. En 2016 Clara Peeters se convirtió en la primera mujer pintora protagonista de una exposición en el Museo del Prado.
Sofonisba Anguissola fue una pintora italiana considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento. Su trayectoria resultó un precedente para varias mujeres artistas que habían sido excluidas de la enseñanza académica, de gremios y talleres y del mecenazgo papal.
Lavinia Fontana fue una pintora italiana del primer barroco, convirtiéndose en una de las más importantes de su época, llegando a ser incluso pintora oficial de la corte del papa Clemente VIII.
Artemisia Gentileschi, fue una pintora barroca italiana, representante del caravaggismo. Hija del también pintor toscano Orazio Gentileschi muchos de sus cuadros fueran atribuidos a su padre o a otros artistas varones Las figuras protagonistas femeninas de su pintura tienen una actitud especial de coraje y llenas de fuerza física y moral que se resisten a ser controladas
Angélica Kauffman Sus retratos lograron tanta fama y sus avances en el arte fueron tales que en 1765 fue nombrada miembro de la Academia de San Lucas. El suyo es un claro ejemplo de artista con talento, prolífica y valorada en su época pero olvidada por completo posteriormente.
Camille Claudel. escultora francesa representante del realismo y expresionismo. Compañera de Rodin durante años, se dudó de su capacidad artística llegando a afirmar que sus creaciones eran obra de Rodin o realizadas con su ayuda. Era impensable que una joven de aspecto dulce y frágil fuera capaz de crear esculturas tan rotundas e impactantes.
Frida Khalo a pesar que ser en la actualidad una de las artistas con más presencia en el circuito del arte, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, especialmente a partir de la década de 1970.
Georgia O’Keefe artista estadounidense, conocida en especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido reconocida como la “Madre del modernismo americano”. Recibió aceptación sin precedentes como una artista femenina del mundo de las bellas artes debido a sus poderosas imágenes gráficas.
Berthe Morisot fue la primera pintora que se unió al impresionismo, pero es, efectivamente, una de esas figuras relegadas por la historia del arte durante todo el siglo XX. Actualmente se ha reivindicado la importancia de las pintoras impresionistas y de Berthe Morisot, hasta hace poco ninguneada y tratada como simple discípula de Manet,
Maria Blanchard fue una de los principales artífices del desarrollo de la pintura cubista a principios del siglo XX pero sin embargo fue menospreciada en su país natal. Olvidada durante mucho tiempo, su obra comienza ahora a ser valorada como merece. Su doble condición de mujer y pionera contribuyeron a sepultar de manera injusta su legado.
Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, A pesar de ser una artista del expresionismo abstracto, su obra contiene diversas variaciones, motivadas por su estilo crítico y la negativa a centrarse en un estilo único. Estas variaciones ayudaron a crear un estilo propio y a diferenciarla de otras artistas de su época
Hilma af Klint artista sueca y pionera del arte abstracto. Fue una innovadora radical de un tipo de arte que daba la espalda a la realidad visible. Desde 1906 desarrolló un lenguaje abstracto años antes de que apareciera la obra de Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malévich.
Mela Muter. artista polaca de las más reconocidas en el París de los años veinte y treinta, se le había dicho que pintaba “como un hombre”. Su arte, muy a menudo lejos de lo que se suponía que tenían que pintar las mujeres, era de un realismo luminoso y vibrante, que fue absorbiendo las tendencias postimpresionistas europeas
Madame d’Ora. Dora Kallmus, Madame d’Ora (1881-1963), fue una de las primeras mujeres en abrir un estudio fotográfico en Viena en 1907. Su primer retrato se lo hizo a Gustav Klimt en 1908, el último a Picasso en 1956. Para ella posaron Chagall o Maurice Chevalier
Webs de interés
https://www.clarkart.edu/Mini-Sites/Women-Artists-in-Paris/About-the-Artists
Lote: 35128536 ACCESO DIRECTO A SUBASTA EN LA IMAGEN.
Entre las piezas que se expusieron en el Museo del Rock de Barcelona, procedentes de la colección del periodista musical Jordi Tardà, hay muchas a destacar pero sin duda una de las que muchos coleccionistas y amantes del rock van a ansiar son dos letras originales manuscritas por Bruce Springsteenque Setdart va a licitar el próximo 21 de noviembre con el número de lote 35128536.
Se trata de las letras escritas por su puño y letra de la canción “Changing Children” que toco con su grupo Steel Mill en el año 1971 y el tema inédito “I Had To Be You”. Éstas no solo destacan por su valor icónico sino también por su elegancia poética y por los sentimientos tradicionalmente americanos que únicamente The Boss es capaz de incorporar a sus canciones.
En el lote, con certificado de autenticidad, se incluye un trozo de canción sobre cinta americana y cartón utilizado en el escenario el año 1985, y una página con anotaciones originales corregidas por el cantante de la canción “Sad Eyes”.
Lote: 35127920 ACCESO DIRECTO A SUBASTA EN LA IMAGEN
Pero esta no son las únicas piezas de Bruce Springsteen que Setdart.com pone a disponibilidad de los coleccionistas. Este mismo díase subastará la icónica chaqueta tejana con las mangas recortas de la marca Lee (lote 35127920) con la que The Boss actuó en su aclamada gira “Born un the USA” entre los años 1984-1985. Junto a su grupo, The E Street Band, Bruce Springsteen piso cientos de escenarios repartidos por América, Europa, Asia y Oceanía y llegó a convertirse en el tour más largo e intenso de toda su carrera musical.
No os perdáis las subastas de Memorabilia todos los miércoles en Setdart.com. Podréis encontrar piezas que son un fragmento esencial de la historia de la música del Rock.
Desde Setdart queremos poner a prueba tus conocimientos acerca de Queen presentándote cinco curiosidades acerca de la banda. Aquí te lanzamos la primera: ¿Sabías que en la famosa canción “Bohemian Rhapsody” las voces del coro parecen hechas por numerosísimas personas pero que, en realidad, se trata únicamente de las voces de Freddie Mercury, Brian May y Roger Taylor repetidas hasta 180 veces? Dale al play descubre algunas mas.
Las zapatillas personales Puma de Brian May (firmadas y en caja de exposición), el vinilo del álbum “A Night At The Opera” (firmado por todos los integrantes de la banda) o la guitarra eléctrica Avon (firmada por la banda el día 9 de Agosto del año 1986 en el festival Knebworth, último concierto antes de que Freddy Mercury fuera diagnosticado de VIH abandonando los escenarios) son algunas de las piezas únicas que formaron parte de la exposición permanente del Museo del Rock de Barcelona y que Setdart presenta en nuestro portal web, a raíz del estreno de la película biográfica de la banda “Bohemian Rhapsody”, protagonizada por Rami Malek y dirigida por Bryan Singer.
A juzgar por el arrollador éxito que el film ha tenido desde su estreno, queda demostrado que la personalidad magnética del inigualable Freddy Mercury no sólo se refleja en su legado musical, todavía muy vigente, sino en las numerosas anécdotas y curiosidades que envolvieron a la agrupación.
¿Añadirías alguna más?
El próximo miércoles 7 de Noviembre, remata en nuestro portal web la postal manuscrita por Bill Wyman, bajista de The Rolling Stones, enviada desde Palma de Mallorca durante el mes de febrero del año 1967 a su hijo Stephen mientras pasaba unas vacaciones en la isla.
Lote: 35127903
Como toda relación paterno filial existen particularidades pero las de una estrella del Rock son mucho más sorprendentes.
Dale al play y descubre uno de los datos menos conocidos de la relación entre Bill Wyman y su hijo.
Desde Setdart te invitamos a adentrarte en el universo de la obra gráfica con una subasta temática que cuenta con algunos de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Warhol, Picasso, Miró, Dalí, Calder o Chillida son sólo algunos de los artistas que Setdart te ofrece en subasta para ampliar tu colección personal.
JOAN MIRÓ I FERRÀ “Le polyglotte-orange”, 1969. ACCESO A SUBASTA
PABLO PICASSO Litografía, ejemplar 12/200. ACCESO A SUBASTA
La obra gráfica abarca una gran diversidad de técnicas desarrolladas a lo largo de los siglos que nos llevan desde las más antiguas como la xilografía surgida en China en el siglo VII, hasta las más modernas como el fotograbado. Todas ellas nacen de una misma idea: la transferencia de la imagen creada por el artista sobre una matriz o plancha (de cobre, madera linóleo o piedra) a un soporte que puede ser papel o tela, generalmente. Su invención y dada su característica esencial de original múltiple, supuso un instrumento muy poderoso de comunicación y divulgación. Además, artistas de renombre indudable como Durero, Rembrandt, Goya Picasso o Dalí vieron en esta técnica un amplio abanico de posibilidades artísticasllegando a convertirse en grandes virtuosos de ella.
Erróneamente, se la ha clasificado en ocasiones como obra menor en relación al corpus total de un artista. No obstante, a pesar de tratarse de una producción seriada, no se las puede considerar como meras reproducciones.Comprar obra gráfica puede ser una gran opción tanto si se estrena en el mundo de la compra-venta de arte como si deseaampliar y diversificar su propia colección.Factores como el tipo de técnica empleada, el número de ejemplares por edición, las dimensiones de las piezas o si hay un trabajo posterior del artista sobre la pieza, influyen significativamente en el valor de estas piezas, y por lo tanto también en su precio.
Quien quiera iniciarse en el coleccionismo de la obra gráfica debe tener en cuenta 3 requisitos para ser considerada como tal:
Asimismo podemos clasificar el concepto de obra gráfica en 4 grandes grupos, según la técnica de impresión empleada.
JAUME PLENSA
Sin título (Tríptico), 1989.
ACCESO A SUBASTA
Otro factor a tener en cuenta al adquirir una obra gráfica recae en el conocimiento del significado de las “letras clave”.
P.A En una edición siempre se realiza lo que llamamos pruebas de artista, que vendrían a ser esas primeras copias en las que el artista aún está en proceso de revisión de la pieza y mediante las cuales se determinan las tintas, el formato, la distribución de la obra o el tipo de papel entre otros.
P.E Son las llamadas pruebas de estado, que serían lo que un boceto o estudio son para una pintura. Son muy valoradas por los coleccionistas ya que suelen ser únicas y extremadamente difíciles de encontrar.
H.C Corresponde a “hors de commerce”, es decir, fuera de comercio, que son esas copias que el artista realizó con el fin de donarlas a instituciones, museos o incluso para regalar. Suelen ser más valoradas por la exclusividad que les otorga el hecho de no estar destinadas a la venta.
La pasada noche del 16 de Octubre Setdart se llenó de amantes del Rock para admirar parte de la colección de memorabilia que licitamos todos los miércoles, a partir del día 17. En la presentación de la colección del Museo del Rock de Barcelona, perteneciente al carismático periodista, promotor musical, mitómano y coleccionista Jordi Tardà, el ambiente se empapó de espíritu rockero, música y copas con la compañía de Don Vito Rock Band y Smoking Stones.
Dale al play para ver el resumen del evento #setdartrocks
El próximo 16 de Octubre en SetdartBarcelona (C/Aragón, 346) a partir de las 19h te esperamos en un evento de homenaje a Jordi Tardà para los apasionados del Rock con música en directo y con la exposición de gran parte de la colección del periodista que consta con más de 6.000 piezas de la historia del Rock y que fueron el motivo de la creación del Museo del Rock de Barcelona y que se subastarán todos los miércoles a partir del 17 de Octubre en Setdart.com
PARTICIPA EN NUESTRO CONCURSO DE INSTAGRAM AQUÍ #setdartrocks
(Aforo limitado)
Solo necesitamos tu nombre, si vas a venir acompañado y tu correo electrónico para saber que contamos contigo.
Recibirás un correo de confirmación en tu cuenta email.
Don Vito Rock Band nace en septiembre de 2009 y la banda se crea con la única intención de pasarlo bien. Todo viene rodado, el nombre, el look y los temas. ¿Lo importante? pasarlo bien a a base del ritmo marcado y clásico del buen Rock & Roll.
Detrás de este producto están Javier Caballero, Marc Álvarez y el ganador del concurso mejor sumiller de España 2012, Sergi Figueras.
Un nuevo proyecto de Mediterranean Premium Spirits, creadores en 2014 de la ginebra gastronómica GINRAW. Bonanto llaman al nuevo aperitivo, ya que no se puede considerar dentro de la categoría de vermut. Quieren crear categoría propia y una identidad propia.
Los familiares y amigos del mítico periodista y promotor musical hacen un repaso a su vida y a la historia del Rock. Steve Archibald, Manolo García y Joan Laporta, entre otros, recuerdan a Jordi Tardà y a su pasión por el rock.
El pasado miércoles 10 de Octubre se celebró en SetdartBarcelona el evento de presentación de la colección de piezas de alta época que se subastarán en nuestro portal web a partir del 18 de Octubre. Destacan piezas como tallas góticas y renacentistas, así como objetos litúrgicos en plata o de la casa Limoges, cruces medievales y encolpii bizantinos, entre otros.
A continuación el vídeo resumen de la velada. ¡Gracias a todos por venir!
Setdart ofrece a los coleccionistas una excelente oportunidad para adquirir objetos relacionados con leyendas del rock como The Beatles, The Rolling Stones, Elvis Presley, Eric Clapton, Queen, Bruce Springsteen, Michael Jackson, Prince, Pink Floyd, Led Zeppelin, Deep Purple, Madonna, Guns N´Roses, ACDC, U2, Metallica, La Policía, Dire Straits, Elton John, Oasis o Aerosmith, entre muchos otros.
La colección de memorabilia del conocido periodista musical Jordi Tardà es una de las más importantes colecciones sobre el mundo del rock en Europa integrada por más de 6.000 piezas. Su faceta de coleccionista se hizo evidente cuando se creó en 2011 el Museo del Rock de Barcelona con su colección.
Los artículos subastados incluyen guitarras firmadas, manuscritos originales, discos de oro, objetos personales, prendas de vestir, autógrafos y muchos otros recuerdos relacionados con las grandes estrellas de rock que Jordi Tardà tuvo la oportunidad de conocer personalmente a través de su trabajo como periodista y promotor musical. Todas las legendarias bandas de rock que actuaron en Barcelona durante los treinta años de su emblemático programa de radio, “Tarda Tardà”, pasaron por la estación de radio para ser entrevistadas cara a cara por el carismático periodista, que era un habitual en el backstage de los conciertos y recorridos históricos compartidos con los mejores.
THE ROLLING STONES. Handbill del concierto de The Rolling Stones, 12 de junio de 1964, Queens Hall, Leeds. Programa souvenir. Firmado por todos los miembros de la banda. Medidas: 24.5 x 18.5 cm. Queens Hall era una sala de conciertos y exposiciones en Leeds, West Yorkshire, Inglaterra. Originalmente una estación de autobuses, se transformó en un lugar para eventos, ferias itinerantes, mercados de pulgas …
JOHN LENNON Y YOKO ONO. Teclado de piano electrónico Yamaha CP10 de John Lennon y Yoko Ono y modelo de reproductor de radiocasete JVC RC-M70JW. Con un certificado de autenticidad. El artículo fue mencionado en “The Lives of Lennon”, la biografía del músico escrita por Albert Goldman en 1988, Estados Unidos. John Lennon utilizó este equipo, en el verano de 1980, para grabar muchas de las canciones originales del último álbum “Double Fantasy”, cuando estaba en la casa del anterior propietario y amigo de la familia Sam Green en Fire Island. Fue el último equipo que Lennon compró antes de ser asesinado.
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KEITH RICHARDS. Camisa personal de Keith Richards, firmada por el propio artista en los años 70. Cantante y guitarrista de la banda de rock The Rolling Stones, Richards fue miembro de la banda, ininterrumpidamente, desde 1962 cuando se formó. Esta fue la razón por la que la revista “Rolling Stone” lo eligió para el cuarto lugar en su lista de “100 mejores guitarristas de todos los tiempos”. Este inglés fue uno de los motores creativos de la banda; compuso casi todas las canciones e incluso cantó solo en canciones como “La sal de la tierra” (1968), “Tienes la plata” (1969) o “Feliz” (1972).
THE BEATLES. Disco de The Beatles “Abbey Road”, firmado por los cuatro miembros de la banda, 1969.Con un certificado de autenticidad. “Abbey Road” fue el undécimo álbum de la banda británica grabado en un estudio, lanzado el 26 de septiembre de 1969, en el Reino Unido, resultó ser el último álbum que grabaron juntos. El rasgo característico del lado B era una larga pista de 16 minutos compuesta por ocho canciones unidas una tras otra. El álbum también se destacó porque contenía dos de las canciones más populares de George Harrison, “Something” y “Here Comes the Sun”, una canción que Moog hizo popular entre las bandas de Rock and Roll de la época.
La mayor colección de memorabilia de rock en Europa en subasta. Procedencia: “El Museo del Rock de Barcelona”.
El taller de Limoges aparece en esta ciudad del suroeste de Francia a finales del siglo XII, y prolongará su actividad durante cuatro siglos. Conocido entre los franceses como “èmail des peintres”, esmalte de los pintores, su calidad superó a la de los talleres de Renania y Mosa.
En Limoges se pone en marcha una producción de objetos, ya no sólo placas, decorados con esmaltes, sobre todo para el ámbito religioso, pero también para el profano, lo que abre la posibilidad a un amplio abanico de encargos.
Este tipo de pintura al esmalte se aplicaba casi siempre sobre soportes de cobre y la técnica precisa con la que se lograba se mantuvo en secreto en los talleres durante generaciones. Sus piezas, elegantes y originales en decoración, gozaron de un enorme e inmediato éxito en toda Europa. Limoges fue un centro que trascendió por toda la Europa occidental, adaptándose a la evolución de los estilos, desde el periodo románico hasta bien entrada la época renacentista.
véase el evangelista del siglo XIII, num.35052871
En el desarrollo del estilo decorativo de los esmaltes de Limoges se distinguen tres etapas principales: en un principio, se especializó en pequeños medallones de carácter devocional; su segunda etapa vino definida por la introducción del llamado “blanc de Limoges”, sofisticando los resultados cromáticos. En una tercera fase, se aplicaron colores brillantes y contrastados sobre las grisallas precedentes.
En Setdart Subastas se pueden adquirir estos días figuras suntuarias procedentes de los talleres Limoges, en cobre esmaltado con champlevé . El champlevé una técnica de esmaltado utilizada en el arte románico y gótico para decorar tanto joyeros y recipientes como placas devocionales. Su nombre procede de “campo elevado”, si bien el procedimiento consiste en hundir el fondo para posteriormente rellenarlo de esmaltes que serán pulidos, originando una superficie lisa y armónica.
Cristo Románico.Lote: 35052863
Véase también el Cristo románico de Limoges (num.35052863), realizado con la misma técnica: champlevé, aplicada en ambos brazos de la cruz y en el paño de pureza o perizonium.
Otro tipo de pieza devocional de los talleres Limoges nos la ofrecen las placas con representación de santos y mártires.
Iniciamos la temporada con una nueva interface más mínimal, dinámica, intuitiva y accesible.
Con las subastas temáticas organizadas por días a partir del mes de octubre, el seguimiento de los lotes será más cómodo ya que estarán reunidos por grupos de interés.
Somos conscientes que los cambios requieren, muchas veces, un periodo de adaptación y por eso existe la opción de cambiar la vista de Setdart por la antigua Home clicando en “Vista Clásica” en el Menú de la parte superior.
Nuestra intención es modernizarnos y ofrecerles siempre un servicio mejorado.
Setdart estrena nueva web.
Si tiene cualquier duda, sugerencia o dificultad no dude en comunicárnoslo en comunicacion@setdart.com o llamándonos al teléfono 932 463 241
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El 18 de octubre Setdart Subastas tiene el privilegio de licitar la cuna del Rey Alfonso XII. Esta excepcional pieza de Estilo Imperio, procedente de una de las más importantes familias de la nobleza valenciana y cuyo valor estimado se sitúa entre los 45000 y 65000 euros, puede verse expuesta en www.Setdart.com y en nuestras salas: desde el 18 hasta el 27 de Septiembre en SetdartValencia (C/Cerdán de Tallada, 2) y desde el 3 de Octubre hasta la finalización de subasta en SetdartMadrid, (Calle Conde de Aranda, 22).
La importancia de esta pieza reside tanto en su implicación histórica como en su calidad artística. Desde la misma gestación de Alfonso XII se difundió por doquier que el padre del niño era el oficial del cuerpo de ingenieros Enrique Puigmoltó y Mayans, III conde de Torrefiel, I vizconde de Miranda (1827-1900). Aún así, el rey consorte y el Papa Pio IX no tuvieron reparos en apadrinar al bebé por el bien de España y, sobre todo, para preservar la continuidad dinástica. La reina Isabel II nunca luchó por desmentir el asunto, tanto es así que le regaló la cuna de Alfonso XII a Enrique Puigmoltó, conservada hasta fecha de hoy por sus herederos.
La cuna, realizada entre 1856 y 1857, en madera de palisandro y ébano, con tallas doradas y aplicaciones de bronce, tiene los rasgos propios del Estilo Imperio, y está llena de referencias al mundo clásico y mitológico. En forma de galeón, la popa está presidida por un mascarón con cabeza de Medusa. Junto a ella se erige el ave consagrada al dios Apolo, un delicado cisne exquisitamente tallado. En la proa, la imponente figura de Minerva, diosa de la sabiduría, las artes y la estrategia militar. Completan la decoración, hojas de acanto, pequeños mascarones de animales como el león, que de manera notoria se relacionan con la fortaleza, el poder y la solemnidad que se le presupone a la figura de un futuro rey.
Setdart ha reunido en una subasta especial un total de cincuenta pequeñas tallas en las que la iconografía del Cristo Crucificado se convierte en indiscutible protagonista. La colección, que se puede visitar en su sala de Barcelona, será subastada los días 18 y 19 de septiembre.
Lote: 35102953. Cristo crucificado; Escuela colonial, siglo XVII.
Las diferentes piezas, todas ellas de bulto redondo y talladas en madera, son un perfecto escaparate en el que poder apreciar las particularidades y cambios acontecidos en la imagen del Crucificado. En este sentido, podemos detectar cambios sustanciales entre el universo manierista del siglo XVI y el Barroco del XVII y principios del XVIII. La serenidad en el rostro, el movimiento corporal más contenido y la ausencia de sangre en el cuerpo de la primera mitad de siglodarán paso a una imagen en la queprogresivamente se enfatizará en la agonía de Jesús con el fin de provocar en el fiel un mayor fervor y devoción. Ya en pleno siglo SXVII, se intensificaran las posturas exageradas y retorcidas, las expresiones arrebatadas y dolientes y el mayor hincapié a la hora de mostrar las huellas del martirio sufrido.
Lote: 35102942 Cristo Crucificado; Escuela centro- europea, siglo XVIII. Madera de Boj.
Lote: 35102948 Cristo: España, del siglo XVII. Madera tallada policromada.
Asimismo, cabe destacar la diversidad de procedencias geográficas de las tallas que conforman la colección. Algunas de ellas, de origen español o flamenco, son un claro reflejo del periodo de esplendor que vivó la escultura tallada en madera durante el Barroco. Por último destacar los ejemplares de origen colonial nacidos bajó la influencia del barroco y de las ideas católicas de la Contrarreforma. El sincretismo entre las culturas indígena y europea acercó nuevas propuestas artísticas de singular expresividad y dramatismo que dieron lugar a un arte lleno de matices.
A partir del mes de agosto de 2018 puede visitarnos en Barcelona en C/ Aragón, 346.
En este espacio podrá disfrutar de nuestras exposiciones permanentes. Ponemos a su servicio el Departamento de Admisiones y Valoración con asesoramiento personalizado para cada una de las operaciones que desee realizar. También le ofrecemos nuestro servicio de Logística y Restauración para las piezas adquiridas en Setdart.
No dude en visitarnos, estaremos encantados de atenderle personalmente.
SETDART BARCELONA
C/Aragón, 346. Bajos.
08008-Barcelona
Horario:
De lunes a Jueves de 9:30 a 14:00 h y de 15:00 a 19:00 h
Viernes de 10:00 a 14:00 h y de 15:00 a 19:00 h
El lunes 23 de abril arranca en Catalunya la fiesta dedicada a la literatura, a los libros y a las rosas, arranca Sant Jordi. Las calles se convierten en librerías ambulantes con una oferta literaria que parece ilimitada. Desde Setdart te proponemos una lista de las recomendaciones más especiales en cuanto a libros ambientados en el arte y su historia.
Empezamos por tres propuestas que tienen como eje central de su hilo conductor a las mujeres. Gala-Dalí de Carmen Domingo es un libro que nos relata la vida de Gala Éluard Dalí, mujer a la que, se retrata como instigadora y promotora directa de la obra del célebre maestro surrealista. El libro de Carmen Domingo nos permite aproximarnos al universo de una mujer adelantada a su tiempo, una mujer colocada por la historia como un personaje secundario a la sombra de su marido. Es el relato, en definitiva, de una mujer fuerte, decidida, admirada a la par que criticada por la sociedad de su época sin dejar de hacer hincapié en las obras del artista y, que nos permitirá, en muchas ocasiones formarnos una idea del contexto en el que fueron creadas. Además, el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) estrenará el 14 de julio una exposición dedicada a Gala dónde se explorará su papel como protagonista de las pinturas de Dalí y,a la vez, de artista en pleno derecho debido a la cooperación artística entre ambos.
El segundo libro que proponemos es otra novela histórica, La mirada de la Sargantana de Roger Bastida. Este libro tiene como contexto la Barcelona modernista de principios del siglo XX, lugar dónde un pintor de relevante reconocimiento en la sociedad catalana, Ramón Casas, se enamora de una joven vendedora de lotería de dieciocho años, Júlia Peraire. El autor nos propone una mirada por las vidas de la familia Casas y, también, por la de Júlia; a la vez, nos permite aproximarnos al ambiente del siglo XX y, a través de personajes secundarios de la época (Utrillo, Russiñol, Casellas, Maragall, Deering,…), nos acercamos al mundo artístico de Barcelona y de Casas.
La tercera novelase trata de La pasión de Artemisia de Susan Vreeland es un relato que nos aproxima a la biografía de la pintora caravaggista Artemisia Gentileschi. Artemisia fue la única descendencia que tuvo el pintor OrazioGentileschi y, él mismo, fue durante un tiempo el maestro de Artemisia. El libro nos narra la dura vida de la protagonista, su violación a manos de su segundo maestro AgostinoTassi y el duro juicio dónde ella fue la acusada y juzgada. En resumen, la historia nos cuenta la vida de la que fue la primera mujer admitida en la Academia de Bellas Artes.
Por último, en cuanto a novelas, vemos La tabla esmeralda de Carla Montero Manglano. Se trata una historia que se fundamenta en la búsqueda del cuadro El Astrólogo de Giorgione por parte de Ana, una historiadora del arte del Museo del Prado, y Konrad, el novio de la protagonista y coleccionista de arte. Simultáneamente, el libro nos trasladará al París de la ocupación alemana y a los espolios que se produjeron en el contexto del nazismo.
Como obra biográfica no podemos perdernos el libro Joan Miró. El nen que parlava amb els arbres (Joan Miró. El niño que hablaba con los árboles) del autor mallorquín Josep Massot presentado el pasado 27 de marzo. El libro nos acerca a las relaciones de Miró con otros artistas como Picasso, Picabia, Duchamp o Kandinski, la filosofía zen y los expresionistas abstractos. De esta forma logramos entender el recorrido de su obra artística hasta convertirlo en un artista total. Asimismo, incide en las relaciones sentimentales, en su vida durante la Guerra Civil y el franquismo centrándose especialmente en el período comprendido entre el 1893 y el 1947.
Un libro imprescindible tanto para los amantes del arte como para aquellos escépticos del arte moderno es el libro ¿Qué estás mirando? 150 años de arte contemporáneo en un abrir o cerrar de ojos de Will Gompertz. El autor nos permite emprender un recorrido des del Impresionismo hasta Duchamp, Pollock, Warhol, Hirst o Banksy de una forma amena recreando situaciones (muchas veces imaginarias) eficaces a la hora de proporcionar una lectura para todo tipo de público tanto general como especializado. Del mismo escritor tenemos el libro Piensa como un artista otro libro de lectura ligera que repasa la historia del arte a través de las vidas de autores como Van Gogh o Miguel Angel centrándose en el proceso creativo y en proporcionarnos lecciones para desarrollar nuestra propia capacidad creativa innata.
Pensando en los más pequeños descubrimos el libro de Michael Bird con las ilustraciones de Kate Evans Historia del arte: Relatos para niños. El libro se compone de pequeños relatos que tienen como excusa una obra de arte, un artista o un período histórico desde la Edad del Hielo hasta el año 2014. A través de estos relatos los lectores se podrán aproximar al proceso creativo de distintas épocas, culturas y civilizaciones despertando la curiosidad por el mundo que los rodea. El libro está aconsejado para lectores mayores de 10 años. Por otra parte, destacamos también el libro Pequeña y grande: Frida Kahlo, el segundo título de una colección de cuentos que narran los logros de grandes mujeres de la historia (diseñadoras, científicas, aventureras, escritoras…). En este caso se narra la historia de Frida Kahlo, una artista excepcional icono del arte surrealista mexicano.
El Ayuntamiento de Madrid ha ubicado 80 meninas en algunos de los lugares públicos más importantes de la ciudad y de mayor afluencia. Estas meninas fueron ideadas por el diseñador y pionero del arte urbano, el venezolano Antonio Azzato en color blanco lavable para que puedan ser repintadas con libertad creativa. Miden 1,80 metros de alto, 1,60 de fondo, pesan 30 kilos y se posan sobre peanas de 200 kilos.
“Nuestro Velázquez tenía que estar más en la calle”, argumentó recientemente la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena.
Hablamos con el impulsor de la iniciativa Antonio Azzato, artista multidisciplinar y con piezas en subasta en Setdart.com, sobre la acción cultural y en la que Setdart tendrá presencia subastando algunas de las meninas una vez finalice la exposición.
El cantante español Alejandro Sanz, los diseñadores de moda Lorenzo Caprile, Agatha Ruiz de la Prada y Vicky Martín Berrocal, el actor Jordi Mollá, el torero Enrique Ponce y el cantante venezolano Carlos Baute son algunos de los que han “reinventado” de forma desinteresada las meninas a partir de una pregunta: “¿Qué es Madrid para ti?”
Algunas de sus creaciones se subastarán en nuestro portal web al término de la exposición, en el mes de julio, y los beneficios se entregarán a organizaciones sin ánimo de lucro como las fundaciones Aladina (niños con cáncer), Creáte (educación) y Alenta (discapacitados intelectuales)
Dirección de Setdart Madrid con los artistas Antonio Azzato, impulsor de la inciativa, y amigo de la casa, igual que Rafael Canogar.
Pedro Sandoval ,artista colaborador con piezas en subasta actualmente, acompañado de Blanca Thyssen, entre otras, escoltadas por dos de las meninas.
La actriz Marta Hazas, creadora de una de las meninas expuestas, atendiendo a los medios.
Setdart presenta en subasta un óleo de Bengt Lindström en subasta hasta el 17 de abril.
Bengt Lindström(1925-2008), fue uno de los artistas contemporáneos suecos más reconocidos con un estilo único y personal heredero de la tradición expresionista y fauvista. Sus obras gozan de multitud de colores, elementos figurativos proyectados sobre el lienzo mediante espesas pinceladas de pintura sobre el soporte creando volúmenes y dejando a la vista el trazo del pincel. Comenzó su carrera artística en Estocolmo dónde tuvo como maestro a Isaac Grünewald, antiguo alumno de Matisse. Después de la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Copenhague y estudió en la Academia de Arte del 1945 al 1946. Posteriormente, se trasladó a Chicago lugar que le proporcionó nuevos conocimientos sobre el expresionismo abstracto de Pollock y De Kooning. Fue París, pero, dónde vivió y trabajó a partir de 1947 de manera asidua pasando pequeños períodos de verano en Essvik, cerca de Sundsvall, localidad situada en su Suecia natal. En París, Bengt se familiarizó con el arte de Chagall, Matisse, Picasso y Braque. Artistas de gran relevancia en el desarrollo artístico de Bengt. Los primeros años en París fueron muy productivos para el artista aunque extremadamente difíciles a nivel económico ya que no vendió casi nada. A medianos de los 50 el collage era la técnica dominante en la producción artística del autor y su producción pictórica se redujo a una paleta dicromática de blanco y negro ya que no podía pagar las pinturas de colores. El punto de inflexión llegó a finales de la década de 1950, cuando un marchante de arte británico que viajó a París en busca de artistas “inusuales” compró varias de sus pinturas. Con el dinero obtenido de esta primera venta, Bengt Lindström finalmente pudo pintar como quería.
Durante esta etapa realizó pinturas con gruesas capas de amarillo, rojo, verde y azul con pinceladas cada vez más fuertes y expresivas dando como resultado una nueva dimensión en su pintura. La calidad abstracta de su obra se hizo cada vez más patente y su obra fue adquiriendo el carácter que vemos en la obra en subasta en Setdart. Las pinturas paisajistas desaparecieron sustituidas por caras distorsionadas en forma de máscaras y, más tarde, la influencia de la mitología nórdica que caracterizó su arte desde entonces hasta el fin de su producción. Si se analiza su obra completa se puede observar el abandono de la anatomía y las representaciones correctas centrando su atención en el cambio de colores y textura articulando cualidades primitivas y violentas en su producción. Mucha gente asoció el uso de los colores vivos y las fuertes pinceladas al estilo de la cultura sami y a sus atuendos hechos de colores vibrantes. Esta influencia vendría dada durante la infancia del artista porque el padre de Bengt era el maestro del pueblo y estaba especialmente fascinado por los sami enseñando a sus hijos la cultura étnica de este pueblo y siendo frecuentes las visitas de estos en casa de los Lindström.
Bengt falleció después de una larga enfermedad en Sundsvall en el 2008.
Durante este mes de Abril hasta el día 9 de abril, Setdart presenta en subasta en su portal web www.setdart.com una obra del escultor, pintor, grabador y escritor, Víctor Mira.
Su formación fue básicamente autodidacta. Fue un artista de tormentosa agitación existencial, lo que dio a sus pinturas una gran intensidad . Son célebres sus estilitas solitarios y sus crucifixiones, fruto del tormento que vivió. Huyó de la felicidad por considerarla estéril, que hizo del dolor una filosofía de vida y una fuente de inspiración. Se emocionan al contemplar su obra porque es su propia alma la que están viendo: la soledad, el calvario interior, el dolor y la muerte como lo único cierto e inevitable.
Considerado por la crítica internacional como uno de los grandes creadores del arte español de las últimas décadas del siglo XX en sus distintas facetas como pintor, escultor, fotógrafo, ceramista o escritor, fue galardonado en 2003 como Mejor Artista español vivo en la Feria de Arco.
Se conservan obras de Mira en museos y colecciones privadas de todo el mundo, destacando el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, los de Bellas Artes de Vitoria y Zaragoza, la Fundación Beulas, en Huesca, y el Museo Colecciones ICO, en Madrid, entre otros.
Martín Bernat fue un pintor español perteneciente a la corriente hispano-flamenca aragonesa. Estuvo asociado como seguidor de Bartolomé Bermejo cuando este se instaló en Zaragoza hacía 1477. La relación profesional entre ambos pintores se atestigua mediante documentos fechados dónde consta que Bernat acordó terminar el retablo de Santo Domingo de los Silos iniciado por Bermejo.Posteriormente, fue colaborador de Miguel Ximénez, autor que trabajó en el círculo de Bermejo. Aunque muchas veces se trata en la historiografía clásica a Bernat como dependiente y colaborador de Bermejo debemos tener en cuenta que realizó obras también en solitario. En este caso, en Setdart, se presenta una tabla dónde se observa a María sentada sobre un rico trono, ornamentado con motivos vegetales tallados en brazales y tracería gótica calada en el respaldo del asiento. La Virgen, como es habitual, presenta una edad joven y sostiene entre sus brazos al niño Jesús. En este caso se destaca la gestualidad de sus figuras provocando como resultado que la pintura adquiera un tono intimista.
“Virgen con el Niño”
Por lo que corresponde a la técnica formal y estilística podemos ver la influencia de Bermejo que se deja notar en el diseño ornamental y exhaustivo del trono, en el interés por la expresividad de los gestos y en el trabajo de los ropajes, que forman complejos pliegues de aspecto pesado, característica corriente en la pintura de influencia flamenca. Además, como en la obra “La Crucifixión” conservada en el Museo del Prado, vemos la proximidad de Bermejo en la anatomía de los personajes, de carnaciones y proporciones esbeltas. Por otra parte, como es habitual en la pintura gótica aragonesa y catalana de la segunda mitad del siglo XV, los nimbos de ambos personajes y la orla del manto de María se han trabajado en relieve de yeso, después recubierto de pan de oro, a fin de añadir a la pieza calidades táctiles, una mayor nota de realismo y, sobre todo, el brillo dorado.
El tema de las Vírgenes, o Madonnas, con el Niño son un tema recurrente del arte occidental entre el siglo XII y XVI igual que lo fue en el arte paleocristiano y bizantino en el s. XI. La pintura y escultura románica tiene entre sus motivos principales la Virgen con el Niño, especialmente durante la intensificación al culto mariano del s. XII. De esta época, encontramos un ejemplo muy característico en Santa Maria de Tahull dónde en el detalle de uno de los frescos del ábside vemos la figura sedente de una Virgen con el niño en el regazo. Cuando avanzamos en el tiempo podemos observar como en el Gótico los rostros de la Virgen se dulcifican, se hacen más humanos y, también, el rostro de los niños. De esta forma proliferan las vírgenes denominadas mater amabilis, herederas de las “Vírgenes de la ternura” o Glycophilousabizantinas. A partir de finales del s. XIV el tema de las vírgenes con una expresión que denota una gran sensibilidad es particularmente extenso. Es el caso de la obra de Martín Bernat que corresponde al estilo hispano-flamenco.
Un primer aproximamiento historiográfico a esta obra sugiere que se podría tratar del compartimiento central de un retablo pintado por Bernat del cual formarían parte unas tablas dedicadas a la Pasión de Cristo y a un Calvario conservadas en la misma colección Milà de Barcelona de dónde esta procede.
La penetrante voz de la soprano Virginia Wagner daba la bienvenida a los asistentes a la ceremonia más prestigiosa del año, la entrega de las Medallas de Oro Mayte Spinola 2017, presidida por la Infanta Elena.
Setdart figuraron entre los invitados a la gala, celebrada en la Finca de la Escorzonera, residencia de la propia Spinola, pintora y mecenas cuyos cuadros han sido adquiridos por importantes coleccionistas como los Reyes de Jordania, la familia Alba, Felipe VI, o la propia Baronesa Thyssen.
L
Reparto de premios. Podemos ver a la Baronesa Thyssen, Ana Botella, Dña Margarita de Bulgaria, Dña Ana de Orlenan entre otras personalidades.
a ceremonia, que tuvo lugar el 27 de febrero, reunió a un gran número de personalidades de la cultura española. Entre ellos, la baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza, la reina Margarita de Bulgaria y Ana de Orleans.
El Arte y la Solidaridad son campos en los que incide la actividad del Grupo Pro Arte y Cultura, la entidad que concede los premios, distinguiendo a profesionales en los ámbitos de la ciencia, el arte y la cultura.
La encargada de presentar los premios Pro Arte fue Nieves Herrero. La periodista destacó la excelencia de esta tercera edición, en la que los protagonistas fueron elegidos por un jurado formado por el Príncipe Félix de Merode, Solita Cohen y Alicia Pardo, vicepresidentas del Grupo pro Arte y Cultura para Hispanoamérica; Joaquín del Pino, empresario; Paz Pérez-Bilbao, consejera patrimonial de AXA; Noel Vanososte, arquitecto; Pedro Sandoval, pintor, y Julia Sáez-Angulo.
Los galardonados, además de las Medallas de Oro recibieron un cuadro de la pintora Mayte Spínola (Madrid, 1943), cuyos obras han sido adquiridas por importantes coleccionistas como los Reyes de Jordania, la familia Alba, Felipe VI, o la propia Baronesa Thyssen.
Entre los premiados, destacamos la Fundación Alalá, por su labor en pro del Arte y la Cultura, además de por su labor de integración de las personas con riesgo de exclusión; Carmen Iglesias Cano, condesa de Gisbert, historiadora y profesora de universidad, experta en el siglo XVIII; Príncipe Pierre d’Arenberg, filántropo y amante de la bellas artes; la diseñadora Agatha Ruiz de la Prada; Mark FehrsHaukouhl, empresario y coleccionista especializado en maestros italianos del siglo XVII, entre otros.
El selecto catering corrió a cargo deArahy, del reconocido chef José Ynglada, mientras que Alquila se encargó de engalanar las estancias con excelsa decoración floral.
Dña Elena de Borbón comentando con Dña Margarita de Bulgaria y Dña Ana de Orleans la entrega.
La relevancia y reconocimiento de Joaquím Mir Trinxet (Barcelona 1873-1940) dentro de la historia de la pintura española de finales del siglo XIX, principios del XX resulta incuestionable. Su obra, basada en una visión intuitiva y libre del paisaje a base de manchas y masas que lo aproximaban muy a menudo a la abstracción, es un canto a la luz y el color. Este marcado estilo personal fue precisamente, el que le situó al frente del posmodernismo pictórico catalán, llegando a ser considerado uno de los renovadores del género paisajístico. Sin embargo, su faceta como diseñador de vitrales nos es mucho más desconocida, en gran parte, por sus escasas incursiones dentro de este arte.
Por ello, es para Setdart un placer y un privilegio presentar en subasta dos de los cuatro vitrales que Joaquim Mir realizó alrededor de 1912, pertenecientes a la serie “Le Vita”. Los dos episodios bíblicos que se representan, “Huida a Egipto” y “Nacimiento de Jesús”, formaban parte del grupo de monumentales vidrieras que decoraban el oratorio de la desaparecida Casa Trinxet, en el ensanche barcelonés, cuyo interior condensaba las mejores muestras en pintura y mobiliario modernista. En ambos casos, se ocupó de su ejecución el taller del vidriero Rigalt i Granell, el más prestigioso de la Barcelona modernista por el cual pasaron los mejores artistas de la época. De hecho, el interés del romanticismo primero, y del modernismo posteriormente por el arte gótico, impulsó a los maestros vidrieros de toda Europa, a recuperar este arte que había permanecido hasta el momento en el olvido. Este creciente auge se vio respaldado e impulsado por diversidad de artistas que colaboraron con estos talleres ideando los diseños de los vitrales, y a menudo, pintándolos una vez realizados.
El diseño creado por el artista, logra trasladar a las lumínicas vidrieras el paisajismo exuberante y desbordante del que Mir hace gala en sus obras pictóricas. Asimismo, cabe destacar la calidad onírica y expresionista con la que Mir es capaz de impregnar estas obras de ámbito decorativo y místico.
La importancia de las obras que aquí presentamos queda documentada con las cuatro cartas que se adjuntan emitidas por altos cargos del Museo de Arte Moderno y de la Fundación Miró a familiares del artista para solicitar el vitral para las exposiciones “Homenaje a Joaquím Mir” y Vitrall modernista”, de 1972 y 198 respectivamente.
Setdart presenta una colección de objetos decorativos y esculturas indias fechados entre los siglos XVI y XVIII, producidos en los principales focos de creación artística y desarrollo espiritual del país: Rajasthan, Kajuraho, Tamil Nadu…
Exponentes destacados del arte decorativo jainista, como los platos pintados con mandalas o diagramas místicos (los populares siddhachakra) jarrones cortesanos realizados con la excelsa técnica bidri; esculturas ecuestres en bronce caracterizando a héroes míticos, resueltas con precisión descriptiva como es propio del mejor arte hindú.
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Siddhacakra. Rajasthan, India, finales del siglo XVIII-principios del siglo XIX. -Acceso a subasta-
Jarrón. Norte de India, s. XVIII. Bidri. -Acceso a subasta-
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Jinete. Maharastra, India, siglo XVI-XVII -Acceso a subasta-
Los dioses del panteón hindú aparecen caracterizados en simpáticas piezas como el Krishna que roba la mantequilla a su madre adoptiva (bronce de Balakrishna, ), o el linga de Maharastra , un bronce en el que está representada la deidad siguiendo la tipología fisionómica del mukhlingam.
Mukhalingam. Maharastra, India, siglo XVIII.. Acceso a subasta
Figura de Balakrishna. Tamil Nadu, India, siglo XVIII- Acceso a subasta-
A lo largo de la historia del arte han sido tan sólo unos pocos artistas privilegiados los encargados de poner nombre y rostro a los diferentes movimientos artísticos. Claro ejemplo de dicha desafortunada situación es lo que ocurrió dentro del movimiento surrealista, el cual no sólo fue obra de los conocidos Breton, Eluard o Dalí, sino que fueron muchas otras las aportaciones al mismo, entre las cuales destacaron las del importante artista canario que nos ocupa, Óscar Domínguez.
Para entender la obra de Domínguez es imprescindible conocer dos aspectos fundamentales de su vida. Por un lado, la presencia de una enfermedad que le acompañaría toda su existencia, haciéndose protagonista en algunas de sus obras: la acromegalia, un trastorno que agigantó y deformó sus extremidades y que le llevó a mantenerse en un segundo plano, así como a vivir una vida de truculenta de alcohol, violencia y destrucción.
Por otro lado, su traslado a París. Por aquellos momentos, la ciudad gala era considerada como la capital del arte debido a la cantidad de artistas que a ella se habían trasladado: Pablo Picasso, Julio González, Juan Gris o Giorgio de Chirico -a quienes Domínguez llegó a conocer-, entre muchos otros, fueron los responsables de la aparición de importantes movimientos artísticos. Junto a los Ballets Rusos, estos movimientos crearon un clima excepcional de experiencias que ni tan siquiera se vieron frenadas con la guerra de 1914. Libertad y extrema miseria convivieron en un mundo que buscaba encontrar nuevas expresiones, otro destino, y el cual se vio reflejado en las extraordinarias y novedosas obras que estos jóvenes artistas realizaban y en las que, por supuesto, se encontraban las de Óscar Domínguez.
Sin embargo, según el crítico surrealista Brian Morris, Domínguez vivió una marginalidad que le mantuvo a la sombra de los artistas franceses y que fue la culpable de que el reconocimiento y la gloria le llegara después que a sus compañeros.
Ayudando a la difusión de la obra de Domínguez, Setdart Subastas tiene el orgullo de presentar una de las producciones más originales del autor canario, realizada en el año 1954 y dedicada por el artista en la parte inferior derecha. Correspondiente a la etapa esquemática o de triple trazo, una de las de mayor personalidad estilística, la obra se caracterizada por la cohesión armónica de los planos, así como por el juego de líneas, el importante peso de las superficies monócromas y, sobre todo, por el conocimiento del previo del artista acerca de lo que está trasladando al lienzo, dando como resultado una obra de gran virtuosismo en su estructuración.
Oscar Dominguez.
De igual manera, la obra se caracteriza por la particular técnica con la que ha sido realizada: la decalcomanía. Aunque en muchas ocasiones se le atribuye la invención de dicha técnica a Domínguez -aunque no fue realmente invento suyo, fue un gran el de la misma-, la decalcomanía consiste en aplicar gouache negro sobre un papel, el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, para finalmente despegar ambos papeles antes de que se sequen.
Óscar Domínguez es, es definitiva, una importante figura dentro de la artística europea. Su insaciable sed de cambio le llevó a crear obras magistrales y tremendamente importantes, las cuales le hicieron convertirse en uno de los principales artistas españoles dentro de la vanguardia parisina de principios del siglo XX.
A lo largo de la edad media la figura de la Virgen María se irá construyendo y definiendo hasta ser el modelo ideal (e imposible) de femineidad: la doncella virginal que es a la vez madre amorosa, la humilde “esclava de su señor” (AncillaDomini) que es también reina de los cielos (“Regina coeli”). Esta construcción partirá sobre todo de la exégesis de los teólogos y de fuentes apócrifas, puesto que en el Nuevo Testamento María es un personaje discretísimo, cuya voz apenas se escucha y que únicamente en dos ocasiones dialoga con su hijo. La Madre de Cristo alza la voz para aceptar el anuncio del arcángel Gabriel, al comunicarle este que será la Madre de Dios. Entona más tarde el canto exultante del Magníficatal abrazar a su prima Isabel, a quien visita cuando se halla próxima a dar a luz a san Juan el Bautista. Al encontrar en el Templo a Jesús, aún niño, extraviado en las populosas fiestas que se celebraban en Jerusalén se dirige a él reprochándole la angustia que le ha hecho pasar su desaparición y, finalmente, habla en las Bodas de Canaán, cuando pide a su hijo que obre el milagro de la conversión del agua en vino.
La virginidad de María, y su matrimonio con José fueron temas apenas sugeridos en los evangelios canónicos, pero muy controvertidos, ampliamente debatidos y desarrollados en otro tipo de fuentes. Evangelios apócrifos como el del Pseudo-Mateo,narran que María residió en el Templo de Jerusalén desde los tres años de edad hasta la llegada de la pubertad, cuando la joven fue entregada por los sacerdotes, previa intervención del Espíritu Santo, al anciano y viudo José, que la tomó como esposa únicamente con la voluntad de protegerla y custodiarla. La narración del Pseudo-Mateo será retomada y reelaborada por Jacobo da Varazze en su“Leyenda Áurea”, recopilación de vidas de santos y auténtico best-seller de la edad media.
En estos relatos se basan obras como la que ahora presentamos, atribuible, en función de su estilo, a la escuela alemana de principios del siglo XVI. La juvenil María, con un sofisticado vestido de terciopelo ribeteado de armiño a la moda de la época, toma de la mano a un anciano José, en cuya decrepitud se hace hincapié puesto que supone una defensa de la virginidad de María. La ceremonia, presidida por el Sumo Sacerdote, con un exótico tocado que busca evocar su condición de judío, se desarrolla en el interior del templo, junto a un altar, y ante el único testimonio de una mujer anciana en quien podemos reconocer a Ana, la madre de la Virgen o a la profetisa del mismo nombre que habitaba en el Templo.
Aunque la neutral Suiza o ciudades como Nueva York, al otro lado del Atlántico, se convertirán en el periodo de entreguerras en importantes centros artísticos, refugio de dadaístas y otros creadores en lucha con la moral establecida y cualquier tipo de convencionalismo social, París no perderá su protagonismo, al menos hasta que la devastada Europa ceda el testigo en la innovación artística a Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Si antes de la Gran Guerra fueel barrio de Montmartreel centro de la vida bohemia y artística, en el periodo de entreguerras será Montparnasse el corazón de la vida intelectual de París. Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, Erik Satie, Marc Chagall, Soutine, Marcel Duchamp, ConstantinBrancusi, Juan Gris, Foujita, Giacometti, Salvador Dalí o Joan Miró son algunos de los artistas plásticos y literatos que se dieron cita en los humildes estudios habitados por ratas y en los ajetreados cafés de Montparnasse, junto a personajes como la modelo Kiki de Montparnasse, musa de ManRay y Pablo Gargallo o intelectuales y marchantes como GertrudeStein. En este ambiente surge el “Purismo” de la mano de Le Corbusier, se dan algunas de las primeras experiencias dadaístas y se gesta el surrealismo
“Mineros asturianos”
Luis Fernández López, nacido con el siglo en Oviedo, se instalaría en este bullicioso centro artístico que es Montparnasseen 1924, tras una infancia marcada por la tragedia que constituiría la pérdida de sus padres y su abuelo materno. Con solo 12 años queda bajo la tutela de un tío que le emplea de aprendiz en un taller de orfebrería de Barcelona, donde, al parecer, se desvela su vocación artística, matriculándose en las clases nocturnas de la Escuela de Llotja. Cuando llega a París es aún un joven artista en formación, que quedaría intensamente impactado por la obra y la personalidad de Picasso. En su producción de juventud Luis Fernández asume aspectos del cubismo picassiano, del purismo, del neoplasticismo y del surrealismo pero poco a poco va concretando un lenguaje intensamente personal, meditativo, sereno, de gestación lenta y reflexiva. Trabaja asiduamente el bodegón o la naturaleza muerta, en composiciones que a veces se inspiran en la pintura del Siglo de Oro español para transformarla e insertarla en la plena modernidad del siglo XX. La filósofa María Zambrano lo conoció en París en 1947 y dijo de él: “pintará cebollas, trozos de carne, flores a punto de descomposición, cuando la forma lograda parece regresar a la materia de donde viniera; en que el infierno se yergue a tomar su presa evadida tan sólo por una breve hora”. El artista busca trascender la materia para llegar al “alma” de los objetos.
Su pausada manera de trabajar, que da lugar a una producción escasa, así como la mala relación con los más importantes marchantes del momento, harán que su obra sea casi desconocida hasta poco antes de su fallecimiento. La antológica celebrada en 1972 en el Centro de Arte Contemporáneo de París, un año antes de su muerte, será un hito esencial en la revalorización actual de su figura, como también la tesis doctoral de Alfonso Palacio, director del Museo de Bellas Artes de Asturias, que conserva buena parte de su obra.
En esta obra, datada poco antes de la desaparición de El Equipo Crónica, Manolo Valdés realiza una personal síntesis de las vanguardias históricas. La Torre Eiffel, símbolo por excelencia de la modernidad y el cosmopolitismo, denostada en el momento de su construcción, apreciada hoy por hordas de turistas, se convierte en el motivo central alrededor del cual gira la composición, una elección temática que entronca con el Pop Art y la cultura de masas. La lluvia cae sobre ella, en trazos rectilíneos que imprimen una marcada direccionalidad a la composición, un pausado movimiento, un dinamismo que evoca los recursos plásticos, cinéticos, del Futurismo. Tras la lluvia se adivinan, además de la estructura de “mecano” gigantesco de la torre, edificios, personajes y parques, diseccionados y sintetizados en planos geométricos que sin duda se inspiran en la pintura analítica de los cubistas.
Manolo Valdés Blasco (Valencia, 1942).
“La torre Eiffel”
Los últimos decenios del siglo XX y los primeros del siglo XXI plantean con frecuencia un importante interrogante a los artistas: ¿Cuál ha de ser la ruta de la pintura en la actualidad?, ¿que ha de contar el arte y a través de qué medios plásticos? Las experiencias de las vanguardias, desde el dadaísmo al suprematismo llevaron a la disolución de la pintura, a su “defunción”. Tras unos 20000 años de historia, los que median entre los extraordinarios bisontes pintados por el Maestro de Altamira en su recóndita cueva y el “Cuadrado blanco sobre fondo blanco” del rusoKazimirMalévich, parece que la pintura ha contado todo lo que tenía que contar y ha agotado sus formas para hacerlo.
En este contexto grupos como el español Equipo Crónica, fundado por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo a mediados de los años sesenta, se plantean, justamente, contar la actualidad a través de la revisión ácida, crítica, irónica, de la obra de los grandes pintores del pasado. Recuperan, así, a los grandes representantes de un arte supuestamente difunto (Velázquez, el Greco y otros), para contar la realidad española de las últimas décadas del franquismo. Obvian el informalismo y la abstracción tan en boga en toda Europa y mezclan en una atrevida amalgama la pintura del Siglo de Oro español con imágenes de la prensa, en un arte figurativo y provocador, que no renuncia a contar cosas e incluso denunciar una realidad incómoda.
