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Setdart Subastas licita una importante colección de piezas de plata colonial, realizadas principalmente en el periodo barroco y tardo-barroco en México y Bolivia, procedentes en su mayor parte de un cuerpo diplomático destinado a este segundo país.

De entre los objetos decorativos y del hogar, la vajilla y los joyeros, podemos citar una arqueta boliviana del siglo XVIII (véase lote 35162428), en plata de Ley, repujada con iconografía cristiana, motivos imperiales de la época del Virreinato, y coronada su tapa con la representación escultórica de San Miguel arcángel.

El esplendor bizantino asoma entre silenciosas sombras cuando uno franquea la entrada de la basílica de San Pedro, en Venecia. Este juego de dorados entre claroscuros y reflejos marmóreos ha sido recreado con maestría por Raffaele Tafuri en esta pintura formada por diez óleos.

En los tres lienzos centrales se representan, respectivamente, la nave principal y las laterales, con sus capillas y columnas de mármol coronadas por esculturas de santos, revestido el pavimento de mosaicos. Concretamente, a mano derecha, el presbiterio aparece fielmente reproducido con la línea de apóstoles, San Juan y la Virgen, custodiando el iconostasio. Los feligreses deambulan discretamente bajo las altas bóvedas, quedando empequeñecidos ante el esplendor sereno de la arquitectura.

Las tablas alineadas en el cuerpo inferior y el superior muestran escenas extraídas de la majestuosa Pala de Oro, emulando el preciosismo de esta pieza de orfebrería basada en paneles de oro esmaltados con perlas, rubíes y zafiros.

Pintor al margen de las modas, el arte de Eduardo Naranjo se nutre de un ritmo propio, de un tempo interior.

La crítica lo define como el gran representante contemporáneo del realismo mágico-onírico. Cabe aclarar, sin embargo, que el ambiente onírico toma más o menos fuerza en obras que, en todos los casos, parten de la realidad cotidiana.

En esta pintura (véase lote 35203970), dos niñas están sentadas en el bordillo de una calle de la que solo vemos la acera y una pared tatuada con grafitis. El zócalo de cemento parece suspendido en el vacío, al asomar por detrás un muro de piedra que otorga suma ambigüedad al espacio.

Una de las niñas realiza una mueca extraña, guiñando un ojo. Probablemente le molesta la luz del sol, de la que su hermana parece esconderse, bajando y girando la cabeza. Las expresiones, atuendos y anatomías están descritos con audacia fotográfica. El

Si lo que te apasiona son las grandes firmas de moda, no puedes perderte las subasta de piezas vintage que Setdart celebra periodicamente , donde encontrarás una selección de clásicos de las firmas Louis Vuitton, Gucci, Prada, Yves Saint Laurent, Hermès, Versace, Chanel, Celine o Marc Jacobs.

Entre el abanico de piezas que conquistarán los sentidos de los verdaderos amantes de la moda vintage destaca el bolso Capuccines BB, un verdadero “savoir faire” de la firma Louis Vuitton que Setdart presenta en diferentes versiones: en lujosa piel de cocodrilo pulida con un acabado muy brillante, en tonalidades azules y realzada con relucientes piezas metálicas, acompañado de bandolera y monedero del mismo conjunto (35205227); la versión en marrón oscuro, esta vez en piel de pitón y con las dos iniciales ‘LV’ que se colocan en el reverso del bolso de forma sutil y elegante (35205228); y, para los más originales, la edición limitada del diseñador capense Nicholas Hlobo (35216337), una versión de autor meticulosamente trabajada con bordados a mano, que combina magistralmente la piel lisa en color negro con formas orgánicas que aluden al fondo marino.

El Art Nouveau fue un estilo internacional que maduró en la última década del siglo XIX, se desarrolló en todo su esplendor durante la primera del XX y se extendió hasta el la Primera Guerra Mundial. Como movimiento internacional, tenía varios planteamientos comunes a todos los países: fue un estilo urbano, impulsado por la burguesía, que reivindicaba el valor del trabajo bien hecho y los procedimientos artesanales, y que defendía la integración de las artes. De ahí la importancia de las artes decorativas durante el periodo Art Nouveau, y el florecimiento de algunas de ellas que, como el vidrio, se hallaban hasta entonces ancladas en los estilos del pasado.

Dentro de este panorama destaca especialmente por su importancia el vidrio Art Nouveau. En el último tercio del siglo XIX diversos artistas y fabricantes investigarán desde el punto de vista técnico, logrando recuperar prácticamente todas las técnicas empleadas hasta entonces en la fabricación del vidrio. Estos primeros creadores, como J. Brocard, tendrán un interés más técnico que artístico, pero este panorama cambiará radicalmente con la llegada del Émile Gallé, quien elevó el trabajo del vidrio a la categoría de arte y dio inicio a la que será conocida como Edad de Oro del vidrio artístico.

El pintor tortosino Antoni Casanova Estorach se fraguó un notable reconocimiento entre la burguesía parisina del último tercio del siglo XIX. La excelencia técnica se aliaba en sus pinturas con un humor irreverente que cruzó fronteras, siendo sus obras reclamadas por toda Europa y los EUA.

La pintura que nos ocupa se enmarca dentro de la sátira anticlerical, temática que le granjeó los más importantes triunfos: monjes bebiendo a escondidas, susurrando astutamente en el oído de jovencitas… o, como en este caso, tomando rapé.

El velo afable del costumbrismo no puede esconder la acidez del tono en el tratamiento temático: un monje de edad madura y cabello ralo, con mirada vidriosa tras los anteojos, mullidos mofletes y cejas arqueadas, revela una vivacidad ladina y espontánea. Sostiene con una mano la cajita de rapé, mientras con la otra se acerca el tabaco a los labios. El polvo se escurre entre sus dedos regordetes.

Grupos de feligreses pertenecientes a distintos estamentos sociales se desparraman por la plaza de la catedral sevillana tras salir de la misa de domingo. El umbral de la Puerta del Perdón permanece obstruido por damas y caballeros enfrascados en animadas conversaciones.

Joaquín Turina (Sevilla, 1847-1903) se entretiene en la minuciosa descripción arquitectónica, desde las lacerías del bronce y los coloristas vitrales del rosetón, a las esculturas de San Pablo y San Pedro, la Virgen y Gabriel flanqueando el arco de herradura… La misma atención y maestría pone en la descripción preciosista del vestuario de cada uno de los múltiples personajes: vestidos de seda, prendas estampadas, pañuelos bordados, encajes…

Asimismo, con suma gracia y gusto por la picaresca, el insigne pintor sevillano radiografiaba los comportamientos: ademanes coquetos tras los abanicos, gestos ampulosos de respeto o admiración, miradas avispadas o ladinas… La coreografía social plasma los estereotipos de época y la teatralidad andaluza.

Fue en el género del retrato donde Félix Resurrección Hidalgo y Padilla (Filipinas, 1855 – España, 1913) mostró mayor sensibilidad, tanto en la plástica como en la penetración psicológica.

Estamos aquí ante un buen ejemplo de ello, el retrato de perfil de una niña, ya en el albor de la adolescencia, de ojos ligeramente rasgados y labios perfilados con trazo sensual, cuyo tono carnoso se contagia al coral del collar. La piel atezada y el rebozo a rayas, así como los rasgos fisionómicos, identifican a una niña mestiza, como tantas otras que el pintor filipino retrató en su país de origen, junto a campesinas, bañistas, damas y pescadores de la isla. Resurrección Hidalgo caracterizaba con noble talante a personas de toda extracción social, estando su mirada dotada de singular agudeza sociológica.

En este retrato de busto, la figura se recorta sobre un fondo neutro, desprovisto de detalles anecdóticos que puedan distraer al espectador de la contemplación de un personaje que es, a su vez, contemplativo y silencioso. Destaca la delicadeza de su piel, cálidamente iluminada y las calidades contrastadas entre la seda blanca de la blusa y el lino del poncho.

El creciente prestigio del artista valenciano Miquel Navarro estriba, en gran parte, en la particular confluencia que se da en su obra entre aquello que nace de sus propias vivencias y lo que fragua mediante la libre asimilación de distintos movimientos modernos, desde el minimalismo al arte metafísico.

La producción más representativa de Navarro se desarrolla dentro de la investigación plástica de ciudades imaginarias, en las que se establece una simbiosis entre escultura y arquitectura, un constante diálogo entre ambas disciplinas.

La pieza que Setdart pone en subasta estos días (lote 35158769) se vincula directamente a esta búsqueda urbanístico-escultórica, que parte de la influencia del constructivismo ruso y de la admiración por la obra de Julio González, para derivar en complejas instalaciones formadas por piezas relacionales. En los años noventa, los “edificios” de sus “ciudades” tienden a disgregarse, individualizándose en obras independientes, como la que aquí nos ocupa.

Estamos ante una acuarela de un periodo temprano de la obra de Joaquín Sorolla, con la que el artista participó en la Exposición de Pasteles y Acuarelas recientemente efectuada por el Círculo de Bellas Artes de 1981.

En la capilla de una ermita, revestida la pared con bellos azulejos, una joven prende con una vela la luz de la lámpara forjada que pende del techo. Al encenderse se ilumina el tríptico en cuya tabla central está representada la Virgen María.

Se aprecia ya en esta obra seminal el pulso de quien habría de ser un genio artístico. Su capacidad para crear la justa atmósera, en este caso un lugar sacro, se expresa en la transfiguración del gesto anodino de atizar la lumbre en revelación sagrada. Lo fugaz se hace eterno mediante el juego lumínico, el cual además contribuye a definir las calidades, las texturas y las sombras de prendas, teselas y lienzos.

En esta pintura de Gonzalo Bilbao, una joven recostada en un sofá tapizado con elegantes brocados, adopta una actitud espontánea, como si su descanso hubiera sido súbitamente interrumpido por la intromisión del espectador: confronta nuestra mirada mientras que su cuerpo desnudo permanece aún parcialmente girado.

Sin pudor y con plena naturalidad, sus brillantes ojos oscuros nos miran pero al mismo tiempo nos ignoran, como atravesándonos en su languidez. Con su mano derecha, la muchacha juguetea con un collar de coral cuya textura rojiza acentúa por contraste la blanquecina tersura de la piel.

El macizo rocoso de Montserrat es uno de los parajes más bellos y sugerentes del territorio catalán. En el lienzo que aquí presentamos, Anglada Camarasa ha optado, sin embargo, por tomar como encuadre una de las vistas panorámicas que se disfrutan desde su cima en lugar de mostrar la típica estampa de su cordillera recortándose bajo el cielo.

Este lienzo, incluido en varios catálogos razonados del artista (p. ej. el editado por Polígrafa, Barcelona, 1981, con textos de Francesc Fontbona y F.Miralles) atestigua la audacia compositiva y la libertad de trazo que Anglada Camarasa había asumido en su obra de madurez, y sobre todo, su capacidad para transmitir el sublime silencio de un paraje con los mínimos elementos plásticos.

La eboraria, el arte del marfil, conoció en las colonias españolas y portuguesas conoció un esplendor irrepetible durante el periodo barroco. De la síntesis entre la iconografía cristiana importada por los misioneros y el quehacer propio de los artesanos locales fructificó un arte singular, que sería especialmente preciado por la alta burguesía y la nobleza europeas.

Setdart pone en subasta una importante colección de piezas coloniales en marfil, pertenecientes a las escuelas hispano-filipina e indo-portuguesa, realizadas en los siglos XVII y XVIII.

Se trata de piezas devocionales, entre las que podemos citar un Cristo hispano-filipino de tres clavos (lote 35011165), certificado por la Federación española de Anticuarios. La calidad de la talla se aprecia en cada detalle: la corona de espinas, la nobleza del semblante, el estudio anatómico… De la misma época (primera mitad del siglo XVIII) es otro Cristo crucificado (lote 35011164). Su canon estilizado, de armónicas proporciones, revela una clara influencia europea salvo por el modo zigzagueante de trabajar los mechones y el paño de pureza, cuyos pliegues trazan un dibujo acaracolado.

El napolitano Baldassare de Caro fue uno de los pintores animalistas más destacados del sur de Italia, en el periodo tardo-barroco. La fantasía y la minuciosidad naturalista, aunque parezca una contradicción de términos, se alían en sus paisajes ajardinados. En ello, era un digno seguidor de Frans Snyders y, en general, de los maestros flamencos del bodegón.

Esta doble virtud se aprecia sobradamente en esta pareja de bodegones (lote 35011184), que muestran paisajes ajardinados en los que las arboledas de cipreses circundan fuentes y escalerillas y plintos, entre los que revolotean aves de variadas especies. Los elementos arquitectónicos testimonian la pertenencia de la floresta a un terreno palaciego. El cariz irreal lo otorga la exuberancia floral y el exotismo avícola, barnizado por una pátina azulada de ensueño, aunando así la maravilla y el preciso estudio anatómico y botánico.

Desde el principio de los tiempos, la geometría ha sido compañera inseparable del arte y en nuestras subastas de arte contemporáneo siempre contamos con la presencia de piezas de los artistas que mejor representan las tendencias geometrizantes que eclosionaron durante el siglo XX. Fue entonces cuando, a raíz de los planteamientos de la Bauhaus o el Suprematismo, se multiplicaron las teorías sobre su uso y significación, convirtiéndose en motivo de algunas de las grandes utopías artísticas dela historia.De hecho, ya en la Antigüedad fue considerada símbolo de pureza, inteligencia y perfección atribuyéndole funciones de carácter científico, cosmológico e incluso místico que la convertirían en una perfecta metáfora del orden cósmico y sus vaivenes. Con la irrupción de las vanguardias y movimientos como la abstracción geométrica, elOp art y el arte cinético, se ahondó en las posibilidades estéticas, conceptuales, y filosóficas que la geometría podía ofrecer, desdibujando las fronteras que delimitaban la práctica artística de la científica,así como los límites entre arte y vida.

Una importante colección de objetos en plata española del periodo barroco se ha subastado en Setdart. Aunque en su mayoría se trata de piezas litúrgicas, también hay centros de mesa y platos decorativos, todos ellos en plata de ley punzonada, de elevada calidad.

Cabe destacar, por ejemplo, la excelente factura de la Virgen con Niño, fechada en 1674 (véase 35110495), en plata de ley contrastada y con sello de Barcelona. María porta una corona de doce estrellas y su túnica está decorada con motivos vegetales que simulan suntuosos brocados. Toma en sus brazos al Niño Jesús con el orbe, en actitud de bendecir.

Durante el siglo XIX, en  joyería,  como en todos los demás ámbitos artísticos, se sucedieron una gran variedad de modas y estilos. Las joyas  tenían una gran carga simbólica y emotiva. Guardapelos,  portarretratos e incluso  piezas elaboradas con cabello humano eran de uso común.  Destacaban también las joyas transformables y polivalentes, conjuntos de perlas  junto a exuberantes gargantillas y broches floralesrepletasde diamantes, así como  pendientes desmontables.

El siglo XX empieza marcado por la Belle Époque, comienzan su andadura  figuras tan importantes para la joyería como el diseñador  francés Cartier.

Los diseños en la joyería de la época son delicados y llenos de motivos florales,  con curvas orgánicas. También aparece  la figura femenina combinada  con  animales y las sílfides.

La condesa Mosella posa ante el espectador con una actitud distinguida, adecuada a su rango. Sentada en su terraza, tras sí se abre un grueso cortinaje para dejarnos adivinar el esplendor del jardín.

Raimundo de Madrazo logra dotar a la retratada de carácter, al tiempo que se entretiene en la descripción de las telas, con sus pliegues y transparencias: la vaporosidad de la gasa, serpenteada de encajes, los brillos de la seda estampada… La rosa cosida a un costado de la manga imprime un contrapunto cromático ante la preeminencia de tonos nacarados y argénteos, de los que incluso se contagia el tono blanquecino  de las carnaciones. Las manos de finos dedos han sido magistralmente resueltas. En una de ellas, la dama sostiene un abanico cerrado, luciendo con su varillaje de marfil.

Como retratista, Raimundo de Madrazo fue uno de los mejores de su generación, digno sucesor de su padre Federico de Madrazo, y autor de un estilo realista minucioso y elegante, deliberadamente frívolo en ocasiones, y resuelto con un irresistible instinto decorativo, clave de su éxito entre la burguesía de su tiempo, siempre con un absoluto dominio de los recursos pictóricos y una delicadeza cromática especialmente refinada.