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En el fecundo panorama artístico del siglo XX eclosionan una serie de corrientes estéticas surgidas casi como una evolución natural de los movimientos de principios del siglo XX. En una época dominada por la fungibilidad y el impacto de las nuevas tecnologías, las investigaciones iniciadas por la Bauhaus el futurismo el constructivismo o el suprematismo representan el antecedente histórico inmediato del denominado arte óptico que vivió, durante la década de los 60 y 70 su etapa de máximo esplendor de la mano de artistas como Víctor Vasarely.

El artista austro húngaro protagoniza nuestra próxima subasta de arte contemporáneo con un monumental lienzo absolutamente distintivo del lenguaje plástico radical y visionario que caracterizó al que fuera uno de los grandes renovadores del arte del pasado siglo. Sus experimentaciones entorno a las estructuras geométricas espacialmente ambiguas y ópticamente dinámicas serán acuñadas por primera vez en 1964 por la revista Time bajo el termino Op Art . Esta tendencia a pesar de cultivarse tanto en Europa como en América, nace fundamentalmente como una reacción ante el informalismo, proponiendo  un arte  de carácter analítico y científico que apoyado en la geometría y el color produce una serie de efectos ópticos que juegan con la percepción visual  del espectador.

Dentro de su colección de plata, Setdart Subastas presenta para próximas licitaciones dos importantes piezas del Barroco español: una Virgen del Rosario y un plato petitorio con Virgen, con inscripción y fecha de 1697.

La Virgen (véase lote 35110719), toda ella en plata repujada salvo el collar que, simbolizando al rosario, ha sido realizado en cuentas de coral, es una figura devocional castellana típicamente barroca. Ha sido ornamentada con profusión de motivos decorativos, desde la peana hexagonal hasta la corona y el cincelado floral del manto. Fiel a su iconografía, la orla mariana irradia un halo de doce estrellas y la figura sostiene al Niño Jesús con el brazo derecho mientras que con el izquierdo sujeta el rosario.

Cortejos nupciales, bailes y fiestas populares fueron los temas predilectos de Pieter Brueghel El Viejo, cuyo taller en Amberes fue centro de formación para los más importantes pintores flamencos del periodo renacentista.

El autor de esta “Fiesta campestre” (véase lote 35162907) que puede adquirirse estos días en Setdart Subastas debió pertenecer al círculo del maestro. Por temática y por estilo es muy próximo al fundador de la importante dinastía de pintores holandeses, los Brueghel.

Utilizando recursos escénicos que parten de esta valiosa enseñanza, el pintor logra plasmar la vida cotidiana flamenca con gran veracidad.

Estamos ante una celebración popular, una fiesta aldeana. Los campesinos han subido al monte (el pueblo se divisa en la lejanía) y bailan en pareja o solos; incluso una mujer baila con un perro. Algunos, agotados por la juerga y la bebida, duermen profundamente, recostados en la hierba.

Altos olmos recortados en negro por el efecto del contraluz dejan entrever a través de su agitado follaje el puente rústico que precede la cordillera azulada. Los planos se superponen con audacia en este lienzo que Joaquim Mir realizara en la plenitud de su carrera.

“Los olmos” (véase núm. 35162530) fue pintado por el artista barcelonés en el Camp de Tarragona, probablemente hacia 1908, una época especialmente fructífera del pintor, cuando se trasladó al campo y trabajó durante unos años inmerso en la naturaleza. Un año antes había obtenido primera medalla en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Barcelona, época también de importantes exposiciones individuales, como la que celebró en la galería del Fayanç Catalá en 1909.

Septiembre ha llegado y con él las ganas renovadas para empezar propósitos planteados durante el verano, las primeras luces del otoño y, como no, las nuevas tendencias en las exclusivas tiendas de moda.

Con el objetivo de ayudarte a encontrar los complementos más sofisticados para afrontar la nueva temporada otoño-invierno, Setdart subasta el próximo 14 de septiembre una cuidada selección de bolsos exclusivos.

Entre las piezas más destacadas podrás encontrar el bolso  Kelly de Hermès en elegante tonalidad color marrón y certificado por la firma francesa, un innegable icono que fue lucido por Grace Kelly en el año 1956. Este modelo es, junto al Birkin, también en subasta, uno de los más codiciados de la firma, auténtico icono y bandera de la costura manual.

José Cusachs, pintor de origen catalán pero nacido en Montpellier, elevó el género de los cuadros de caballería a las altas cimas de la expresión artística. “Lanceros junto al fuego” (1896), que estos días puede adquirirse en Setdart Subastas, nos da sobrada cuenta del temperamento y la sensibilidad artística del pintor, un lienzo cargado de empatía hacia la vida castrense.

Lejos de limitarse a ofrecer una crónica distante de lo que estaba aconteciendo en la España convulsa de su época, Cusachs (quien había sido militar y había experimentado como tal la vorágine política del momento) carga sus escenas pictóricas con un franco cariz de emotividad. Tampoco cedió a la grandilocuencia que era frecuente en los cuadros oficiales, optando en cambio por mostrar una visión sencilla pero elegante de una vida sacrificada, enalteciendo la importancia de aquellas figuras anónimas y valientes, ennobleciendo tanto a los soldados como a los caballos mediante un tratamiento exquisito de la anatomía equina y de los portes caballerescos.

En este lienzo, Cusachs conjuga una minuciosidad de voluntad documental con un naturalismo más propio de una escena de costumbres, una combinación habitual en su obra que fue, en gran parte, la causa de su éxito. No se trata sin más de una escena histórica representada con fidelidad, sino que se nos presenta como imagen directamente extraída de la realidad, un fragmento de la vida cotidiana castrense, protagonizado por un grupo de lanceros que han encendido un fuego para guarecerse del frío en un atardecer de invierno.

También es habitual en las mejores obras de Cusachs el cuidado trabajo del paisaje, con una pincelada sutil y fluida que refleja con la fidelidad de una acuarela la luz y la atmósfera del escenario. Bajo un cielo plomizo, refulge el metal de los yelmos y el azul cerúleo de los largos abrigos, así como el terso pelaje de los nobles caballos.

Esta obra, que adjunta certificado de autenticidad emitido por Marçal Barrachina, aparece referenciada en el catálogo “Maestros del arte de los S. XIX y XX”, J. Cusachs, pág. 297 Lam. 71.

Joaquín Sorolla contaba apenas con 21 años cuando fue becado por la Diputación Valenciana para estudiar en la Academia de Roma, donde sorprendería a profesores y alumnos por la osadía de sus ejecuciones plásticas.

Tanto en la preferencia por los modelos del natural de quien sería el gran maestro luminista de Valencia, como por su valentía a la hora de sacrificar el academicismo del dibujo en pos del ímpetu realista, se apreciaba la forja de una personalidad que destacaría por encima de la media.

De aquel periodo seminal de la producción de Sorolla sobresale una pintura, fechada en Roma en 1885, “El niño de la granada”, que figura entre las piezas más valoradas de las subastas actualmente en curso en Setdart (véase lote 35162344).

Blanca Pons-Sorolla, bisnieta de Sorolla, quien ha dedicado gran parte de su labor investigadora en la confección de un catálogo razonado del artista y ha comisariado importantes exposiciones del maestro valenciano, atestigua, en una entrevista concedida a Setdart, el innegable valor de este óleo, tanto en el ámbito propiamente creativo (como punto de inflexión en la carrera de Sorolla) como en la sentimental (por el lugar que el cuadro ocupó en el patrimonio familiar).

La figuración colorista de Emilio Grau Sala, embebida en un hedonismo incondicional y enriquecida por una frondosa imaginación, confluye en un grupo de pinturas que Setdart pone estos días en subasta.

El tema circense que tanto le apasionó, la labor intimista de una costurera rodeada de telas en todos los colores y diseños, una pintura realizada en el pueblo costero de Honfleur y otros cuadros de interior, nos muestran distintas facetas creativas de Grau Sala.

Así, por ejemplo, “La costurera”, realizado en 1941, (num. 35162343) materializa un tema que le sirvió al artista barcelonés para desplegar su maestría plástica. En este interior espléndido por la sinfonía cromática y formal, la costurera, ataviada con un vestido de lunares, está cosiendo una vistosa tela, mientras su ayudante sostiene un maniquí cubierto con una chaqueta adornada con encajes. Cojines, alfombras, cortinas, flores…, no queda rincón por conquistar en esta estancia rebosante de vida. El dibujo de trazo fino que dota a las figuras de gran elegancia se combina una paleta en la que los colores parecen pugnar por liberarse de los objetos que los contienen, dada su intensidad fauvista y su variedad de patrones. Estamos ante una pintura que llevó el decorativismo al más elevado grado artístico. El gato negro está estratégicamente situado en un rincón a modo de contrapunto expresivo a la alegre luminosidad que le rodea.

La espalda suavemente arqueada, la cabeza apoyada en una mano mientras la otra mano se ahueca bajo el pecho, el perfil de las nobles facciones de párpados cerrados, todo ello dibuja una línea casi continua con la que Josep de Togores resume la elegancia silenciosa de una mujer replegada en sus propios pensamientos.

“Sur le canapé” (1923) es un óleo que Togores realizó tras regresar a la Provenza francesa, época en que su obra refleja la continuidad de su trabajo figurativo de corte clasicista. En este periodo, el pitntor se aleja de la dureza de la Nueva Objetividad alemana, a la que se había aproximado en los años anteriores, para abrazar las propuestas del noucentisme catalán.

La representación de la figura femenina alcanza en este lienzo un gran refinamiento. Logra un retrato dotado de solidez pero también de ternura, basado en una composición resuelta con economía de medios y buscando el equilibrio de las formas, sumergiendo a la protagonista en una particular atmósfera intimista.

La figura femenina fue el tema predilecto de Pere Pruna, a menudo emplazándola en un paraje natural, al que entrega su desnudez y sus pensamientos.

En esta composición, la figura nos da la espalda pero nos invita a compartir la contemplación del paisaje que se abre ante sus ojos. La mujer se encuentra recostada y apoyada sobre sus codos en la terraza de su casa. Nos abre su intimidad al tiempo que nos oculta su identidad.

Los colores anuncian el amanecer, son intensos en contrastes pero sin derivar en estridencias fauves. Las formas tienden a la reducción esencial, lo que contribuye a dotar de serenidad a la escena, lírica y bella.

Pere Pruna se granjeó reconocimiento por la delicadeza de sus representaciones, marcadas por una línea estilizada y diáfana, que sintonizaba con la vuelta al orden posterior a la ruptura que supuso el cubismo en Francia, enlazando así directamente con las vanguardias parisinas.

El nutrido imaginario del artista cubano Roberto Fabelo queda brillantemente expresado en este lienzo de gran tamaño, donde aparece de nuevo uno de sus animales totémicos, el ave.

Dos niños montan un enorme gallo, cuyo vistoso plumaje resplandece ante un cielo azul cobalto de intensas luces. Otras aves revolotean a su alrededor en aquella hora mágica del rocío, a la que alude el título. A sus pies, resplandece una vegetación de cariz también onírico. “De madrugada al Rocío” (2009) se encuentra en consonancia con otras obras del artista, sobre todo con su célebre “Viaje fantástico” (2012), en la que una mujer emigra también sobre una gallina. El juego de escalas, la encendida paleta, la carga expresionista y el legado surrealista, se alían en este óleo, sugiriéndonos infinitas lecturas que nos permiten franquear la realidad para acceder al mundo de los sueños.

En este bodegón, Ismael González de la Serna dialoga con la herencia cubista, pero trae aquella estética vanguardista a un terreno intimista particular, al que nos acostumbró a lo largo de sus indagaciones pictóricas.

Instrumentos musicales y una partitura comparten escenario con uvas y otras frutas, evocando quizás la convivencia armónica entre lo apolíneo de la música y la danza dionisíaca simbolizada por los racimos y las copas. A Ismael de la Serna le interesó siempre mantener la descomposición formal y cromática dentro de unos límites figurativos claros, evitando la multiplicidad espacial, optando por la sencillez compositiva.

Antes de convertirse en una de las figuras más influyentes del cubismo, Juan Gris se dedicó a la ilustración. En Madrid, sus dibujos simbolistas se publicaron en “Blanco y Negro” y “Renacimiento Latino”, entre otras revistas. Cuando viajó a París, ciudad que ya no abandonaría, ilustró varios números de las publicaciones humoristas Le Rire y L’Assiette au Beurre.

“Les suicides” (1909) es un dibujo original de Juan Gris que fue reproducido en esta última publicación, L’Assiette au Beurre, una revista satírica de marcado compromiso político. El contenido a menudo se centraba en ideas socialistas y anarquistas. Se publicó entre 1901 y 1912, y colaboraron artistas que gozarían de renombre: Félix Vallotton, František Kupka, Jacques Villon, Louis Marcoussis, Kees van Dongen, Théophile Alexandre Steinlen, Charles Lucien Léandre, entre otros.

En el dibujo de Juan Gris, un grupo de detectives rodean el cuerpo recién fallecido de un supuesto suicida. El arma aún humea, lo que otorga inmediatez al suceso periodístico. Una hilera de edificios, con sus típicas mansardas parisinas, contextualizan la escena.

Los retratos aristocráticos del pintor flamenco Cornelis de Vos gozaron de gran reclamo, siendo una destacada figura del círculo de Amberes. De hecho, fue considerado el principal retratista del Siglo de Oro flamenco, hasta la irrupción de Anton van Dyck.

Este “Retrato de Dama”, pintado en 1617, ejemplifica de modo sobresaliente la maestría de De Vos para reproducir las más excelsas calidades, muy próximo a otros retratos femeninos del autor, como los custodiados en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, por la similitud en los modelos, su postura, el trabajo lumínico y de veladuras, los ropajes, etc.

La dama se presenta de tres cuartos, de pie y de medio cuerpo, apoyada su mano en una silla. Aparece vestida a la moda local de comienzos del siglo XVII: diadema de pedrería, gran gola de tul, vestido negro con brocados dorados, encajes en las mangas y cadena de oro en la cintura. Tanto por el atuendo, como por el mueble, la pose y rostro de la dama, resulta evidente que se trata de una mujer de clase alta, siendo posible que se trate de un retrato nupcial, aludiendo, en este caso, la cadena de oro al compromiso de la dama con un caballero.

Salvador Dalí era un ávido lector, y como es de esperar para una imaginación turbulenta como la suya, nunca se conformaba con el primer nivel de lectura. Sus ilustraciones se nutrieron siempre de un rico acervo literario en el que la mitología griega, el universo cervantino y algunos pasajes evangélicos eran atravesados por una mente genuinamente surrealista.

No es de extrañar que el Quijote, con su mezcla de realidad y ficción, fuera uno de sus personajes predilectos. En la colección de obra gráfica de Dalí que Setdart Subastas licita en estas fechas  el personaje cervantino no podía faltar (véase lote 35103932), así como otros personajes y temas en los que el genio ampurdanés incidiera una y otra vez.

En el contexto represivo de la España de posguerra, el universo que pinta con furia Antonio Saura conforma   uno de los corpus artísticos más apasionantes del arte español del siglo XX. El reconocimiento y prestigio internacional del artista y la imperecedera vigencia de su obra, lo consagraron como uno de los pintores españoles contemporáneos más cotizados y deseados de los circuitos artísticos. A pesar de las fluctuaciones vividas en el mercado especialmente en los últimos años, el interés que Saura sigue suscitando entre los coleccionistas nos demuestra una vez más, que estamos ante un pintor universal cuya obra trasciende a cualquier moda pasajera. Ejemplo de ello, es el resultado que el pasado día 15 alcanzó una de sus inconfundibles crucifixiones realizada en tinta sobre papel y que fue adjudicada en Setdart por  32000 euros. Sin lugar a duda, la magnitud que adquiere su obra en el desarrollo y comprensión del arte de post guerra español lo convierten, además de en uno de los artistas más destacados de la segunda mitad del siglo XX, en un valor imprescindible para toda buena colección de arte contemporáneo. En Setdart apostamos de nuevo por él, esta vez de la mano de “Multitudes”, titulo que hace referencia a otra de sus series temáticas que, junto a la citada de las crucifixiones, y los retratos imaginarios, conformaron uno de los ejes esenciales de su vasta trayectoria: el de la figura humana.

Las galerías de arte, como tantos otros ámbitos profesionales, están viviendo actualmente un punto de inflexión, reinventando sus modalidades de venta y difusión. La suspensión temporal de las ferias de arte, así como el largo paréntesis al que se han visto obligados las salas de exposición, han propiciado productivas sinergias entre las plataformas online y el mundo galerístico.

Así lo ha entendido la galería Sadurní de Barcelona, que ha estrechado sus relaciones promocionales y comerciales con Setdart Subastas reuniendo para esta ocasión una selección de piezas selectas, que se licitarán el día 29 de julio.

Setdart reúne una importante colección de piezas selectas obras, en su mayoría pinturas, de artistas imprescindibles de los siglos XIX y XX, además de alguna pieza de alta época. 

Su elevada calidad es el hilo conductor de una colección heterogénea en cuanto a estilos y escuelas que contempla. La mayoría de los autores son de nacionalidad española, aunque también encontramos pintores de otros puntos de Europa, como el acuarelista italiano de temática orientalista Giulio Rosati (véase la magnífica Partida de Backgammon, número 35216343), o el bodegonista francés León Rousseau (representado con uno de sus exuberantes bouquets florales, véase 35187666)

La espléndida técnica del todavía joven Joaquín Sorolla queda reflejada en la presente obra a través del trazo ágil y la pincelada fluida que caracterizó la pintura del maestro luminista valenciano. Realizada en 1884, mismo año en el que alcanzó la gloria al conseguir la Medalla de segunda clase en la Exposición Nacional gracias a su obra “Defensa del parque de artillería de Monteleón”, en la presente obra Sorolla nos brinda un magnífico retrato de busto.

El protagonista posa con absoluta naturalidad, en un gesto de abatimiento y melancolía que dista de los habituales retratos militares realizados durante el siglo XIX, cuyos protagonistas dirigen al espectador una mirada altiva y frontal, de gesto serio y honorable. Con barba poblada, si bien algo descuidada, el hombre viste un uniforme militar en azul oscuro, con solapa en color rojo y botones plateados en sus hombros y pechera.

Dior, Balenciaga, Louis Vuitton ,Chanel, éstas son sólo algunas de las “maisons” que forman parte de la subasta de piezas vintage que Setdart celebra de manera quincenal. Si lo que te apasiona son las grandes firmas de moda, no puedes perdértelas.

Entre el abanico de piezas que conquistarán los sentidos de los verdaderos amantes de la moda vintage destaca el bolso “Alma” de la firma Louis Vuitton que Setdart presenta. El diseño del bolso Alma BB evoca el modelo art déco original de 1934. Esta pieza está elaborada en la emblemática piel Epi exclusiva de la Maison, texturizada y con teñido intenso. La forma característica y los detalles distintivos, como el candado, las asas Toron cosidas a mano y el llavero, hacen de este accesorio un clásico atemporal. Incluye una bandolera extraíble para llevarlo cruzado. (35216633). 

La sensibilidad artística del aclamado cineasta catalán Ventura Pons no sólo se refleja en su filmografía sino que también está latente en su faceta como coleccionista de arte.  Muestra de ello es el conjunto de obras que el próximo día 13 se licitarán en Setdart subastas

Ventura Pons, apodado por “The New York Times” como el Woody Allen catalán, dio inició a su trayectoria profesional en el ámbito teatral, convirtiéndose muy pronto en uno de los directores más prestigiosos de la escena catalana durante más de una década. En 1977 decidió dar el salto a la gran pantalla con el filme Ocaña, retrato intermitente, que fue seleccionada para competir en el Festival de Cannes. Fue el primer peldaño de una carrera que lo ha visto afianzarse entre los más prestigiosos cineastas de nuestro país con más de 30 películas a sus espaldas y múltiples premios y reconocimientos. Imbuido por completo en la escena cultural, Pons fue un habitual de las tertulias que tenían lugar en el pueblo ampurdanés de Cadaqués que, por aquel entonces, simbolizaba uno de los centros neurálgicos del panorama de la cultura catalana. Escritores, arquitectos y artistas de la vanguardia como Guinovart, Ràfols Casamada, Francesc Todó o Arranz Bravo formaron parte del círculo de amistades más cercano al cineasta, y que, como el mismo Pons nos comenta, lo condujeron en el año 1966 a adquirir su primera obra de arte. El cineasta afirma que sus inicios en el coleccionismo surgieron casi de manera orgánica, como si se tratara de algo inevitable ya que “Como pasa en la vida, una cosa me llevó a la otra”.

La pintura de Joaquim Sunyer tuvo sumo poder evocador, siendo ejemplo de equilibrio plástico y sugerente sensualidad.

Esta joven recostada en la alcoba, entre cobertores y cojines, plácidamente entregada al sueño, relaja sus músculos y el tono nacarado reluce en su tersa piel desnuda. Con los brazos en torno a la cabeza, al modo de la maja goyesca, deja que cada rincón de su cuerpo se muestre en sus cimbreantes formas.

Los balaústres forjados del balcón parecen cimbrearse también en serpentinas eses, como haciéndose eco de la sinuosa volumetría femenina. Tras él, se divisa un frondoso jardín.

La paleta se conjuga hábilmente para realzar las carnaciones lozanas, matizándose en los almohadones. Estamos ante un lenguaje basado en composiciones esenciales de estructuras nítidas y transparencias cromáticas, de pulso sensual netamente mediterráneo.

Nueva York, 1980 y una explosión creativa en el barrio de East Village. La fuerza expresiva de Jean-Michel Basquiat.

La obra de Jean-Michel Basquiat que Setdart presenta en subasta procede de la colección de Urbano Quinto, importante coleccionista de origen italiano que conoció personalmente al prolífico y joven artista estadounidense. Ruido y furia combinan audazmente en una obra intensa, en la que los colores rojo y negro esbozan un personaje perfectamente reconocible del imaginario del artista neoyorkino.

La historia artística reciente no puede entenderse sin el convulso panorama artístico vivido en barrio del East Village durante la década de los 80. Fotógrafos, cineastas experimentales y, como no, pintores, hicieron de este centro neoryorkino uno de los más importantes en el imaginario artístico actual.

Durante los años en que vivió en Mollet, Joaquim Mir realizó varias estancias en la estación termal de Caldes de Montbui, donde su madre iba a tomar las aguas. Allí pintó un ciclo de paisajes titulados El Pascol, en los que ahonda en esa veta descriptiva y naturalista que empieza a alentar una vez cerrada la etapa de L’Aleixar. En todas ellas, la paleta de Mir se reduce y se oscurece notablemente, mientras la luz, en lugar de aplanar y disolver las formas, las envuelve respetando su consistencia volumétrica.

Este es el tema de la obra que ahora presentamos (catalogada en el catálogo de Enric Jardí, editado por Polígrafa, 1989), un hermoso atardecer con un celaje aún luminoso, cruzado por atrevidas pinceladas anaranjadas que contrastan con los umbríos tonos de la vegetación de primer término. El encuadre es también osado, quedando en primera línea unos pocos árboles con parte de las copas fuera de marco, de modo que los delgados troncos dibujan una tenue cortina que, sin embargo, no entorpecen la visión. Al contrario, la enriquecen: al tomar un punto de vista casual, la vista se hace más atractiva.

Giulio Rosati, jugadores de backgammon

Giulio Rosati fue un importante acuarelista de temática orientalista. Fascinado por las costumbres magrebíes, las plasmó en magníficas escenas de interior y de mercado (vendedores de alfombras, bailarinas de harén…)

La que hoy nos ocupa es una escena caracterizada por su ambiente intimista, que se sustrae de estridencias exóticas, apostando en cambio por sumergirnos con unos pocos elementos en aquel tiempo y aquel espacio que tanto maravillara al pintor. Dos hombres marroquíes están concentrados en el juego, puestos sus ojos sobre el tablero de backgammon, dispuesto éste sobre una alfombra anudada en lana. Ésta, junto al tapiz igualmente colorista que decora la pared y el ajedrezado del suelo, son los únicos elementos que describen la estancia, pues Giulio Romano ha querido en esta ocasión que centremos nuestra atención en los personajes. Vestidos con atuendo tradicional, esto es, con holgadas chilabas, calzando babuchas y tocados con turbante, la blancura tornasolada de las prendas contrasta con los rostros atezados. Los rasgos angulosos se enmarcan con tupidas barbas, y las manos de nudosos dedos revelan su edad avanzada. Papeles de periódico se esparcen en torno suyo.

Un grupo de figuras femeninas, de rostros atezados, tocadas algunas de ellas con pañuelos de encaje, otras envueltas en mantones y con sus negras melenas recogidas en moños, comparten un paisaje crepuscular con manolos también ataviados al modo popular.

Bailarinas y manolas fueron a menudo protagonistas de los lienzos de Ramón Pichot. En este óleo emana de las figuras un intenso halo de misterio, acentuado por el intercambio de miradas furtivas, por el fragor de los vestidos y las luces del ocaso. La mayoría de ellas nos dan la espalda, formando pequeños grupos silenciosos o conversando entre susurros. El negro azabache del cabello y los oscuros ojos mirando de soslayo contrastan con los vistosos colores, a base de rojos, blancos y amarillos, de los atuendos.

La superposición de planos apuntando a distintos niveles de realidad fue característica del quehacer de Rafael Zabaleta, alcanzando en esta pintura una especial maestría.

En “Noche de gatos” (1958), el rico simbolismo se conjuga con la audacia compositiva. La descomposición cromática, formal y la disposición triangular de los felinos forman una meditada simetría que logra un equilibrio característico de las obras del artista. Los ojos amarillos y sus posturas de efigies los denotan con un halo sobrenatural, otorgando a la condición felina un poder mediador, de enlace entre mundos, entre el sueño y la vigilia.

En segundo término, ventanas iluminadas de distintos apartamentos nos introducen en la intimidad de sus habitantes al anochecer: una mujer tumbada en su cama, un hombre escribiendo o estudiando… La luna llena, en el fondo, baña de tonos violáceos la cordillera, jaspeada de un intenso azul.