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Setdart reúne una selección de lotes selectos en pintura y escultura, que abarca desde artistas más punteros de la actualidad (como Damien Hirst), hasta nombres clave del siglo XX (Picasso, Dalí, Chillida…) y de las postrimerías del XIX (Sorolla).

La colección acoge diversidad de movimientos y estilos. Por una parte, tenemos obra de la figura  emblemática de la renovación de la tradición constructivista, Joaquín Torres García con su “composición abstracta” de 1942, un óleo perteneciente a su última época (véase el lote 35130766), referenciado en el catálogo razonado del artista uruguayo. De Eduardo Chillida, otra figura que desde otra óptica renovó la herencia minimalista y constructivista, puede adquirirse un collage fechado en 1967 (lote 35217448), procedente de la galería Maeght. El insigne escultor siempre consideró el papel como “lo primero a lo que tiene acceso un artista, la forma de entrar en un territorio de arte”. En sus collages, el donostiarra sacó el máximo partido a los materiales, llegando incluso a utilizar el papel quemado como método de expresión artística, recordando así a la tonalidad oxidada de los materiales que empleó en sus esculturas.

La próxima subasta del día 21 acogerá una selección de obras realizadas en España y América entre los siglos XVII y XVIII. Esta subasta tiene como objetivo mostrar las relaciones entre ambas y hacernos conscientes del importante legado virreinal en nuestro país.

Los artistas cortesanos serían fundamentales en la expansión de arte en el nuevo mundo. Los gustos cosmopolitas que tenían los nobles y el clero del entorno del rey eran imitados en las nuevas ciudades por la incipiente clase cada día más adinerada. La producción artística que encontramos en México o Perú, por ejemplo, no sólo reflejaría los gustos de la corte, sino todas las influencias propias de la cultura autóctona y también el mundo oriental, ya fuera Hindú, chino o japonés. Culturas que llegaban a las costas del pacifico en América y que atravesaban todo el continente dejando su impronta antes de volver a embarcarse rumbo a Europa. (35216887

En los albores del siglo XX, una generación de artistas reunidos  entorno a la taberna de “Els 4 Gats” dieron luz a una de las etapas más esplendorosas del arte catalán. El emblemático local promovido por Ramón Casas, Santiago Rusiñol  y Miguel Utrillo se convirtió en el punto de encuentro de la bohemia barcelonesa, donde, los más destacados  artistas, literatos y músicos  del momento, se imbuyeron de un nuevo espíritu cultural que, desde el París finisecular se instalaría  para siempre  en Barcelona.

El nombre de Felix Labisse aparece asociado con el círculo surrealista parisino, pero su espíritu heterodoxo no se amoldó a las directrices algo dogmáticas del grupo liderado por André Breton.

Sin embargo, desde su llegada a París, tras vivir una temporada en la ciudad belga de Ostende (donde fue discípulo de Ensor), tuvo el apoyo y el reconocimiento de Christian Dotremont, Robert Desnos, Paul Eluard, Philippe Soupault y Jacques Prévert.

Una joven sentada en los escalones del portal de una vetusta casa encalada remienda unas redes con actitud ensimismada y paciente. Ocupa el primer plano de una perspectiva que nos muestra, detrás suyo, otras mujeres llevando a cabo esa misma labor, sentadas en grupos junto a sus casas. En esta magnífica pintura de Joaquín Sorolla, reconocemos la topografía vasca, concretamente las casitas de pescadores que conformaban la lonja de Hondarribia.

Un cielo límpido difunde una luz clara que resalta los vivos colores de la vestimenta de las mujeres que en la lejanía se reducen a impresiones cromáticas, tanto ellas como la ropa tendida al Sol ante las paredes abovedadas del más alejado de los caserones. Tras él, se divisa la línea del mar. Unas pocas embarcaciones descansan en la arena. La escena transmite la atmósfera sosegada de la tarde, cuando los pescadores ya han vuelto de faenar. A pesar de mostrar una composición estudiada, no pierde el aire de espontaneidad que caracterizó el quehacer sorrollesco.

Maurice Utrillo, hijo de la pintora Suzanne Valadon,  llegó al arte para vencer el aburrimiento y dar sentido a su existencia. En él, cobra vida la figura del artista bohemio y atormentado que creció en medio de la efervescencia artística e intelectual que inundaba las calles de barrio parisino de Montmartre.  El alcoholismo y la locura marcaron su vida y su carrera artística que, a pesar de ser muy valorada en la actualidad, en su día, apenas le permitió ganar lo justo para vivir. La obra “Sacre Coeur de Montmartre et Square Saint Pierre”, de 1938 que se subastará el próximo día 21 de Enero  en Setdart ilustra la trascendencia que adquirieron sus calles en la producción artística del pintor francés hasta el punto de ser considerado  el pintor de Montmartre por excelencia.

Setdart inaugura el año con una subasta especial de marcos antiguos, conformada por una rica variedad en estilos y épocas: desde marcos renacentistas de tipo arquitectónico hasta marcos de estilo imperio, pasando por excelentes piezas de época barroca en fina talla.

La subasta tendrá lugar el 7 de enero, y reunirá, por ejemplo, marcos españoles del Siglo de Oro, en madera dorada al oro fino, tallados con carnosos elementos vegetalizados y motivos de rocalla, como era propio de la época. Ello queda ilustrado con los lotes 35205256, 35119847 y 35205255. Respetando las líneas de las finas molduras que delimitan el marco interior y el perímetro exterior, la decoración, a pesar de su grosor casi escultórico, se supedita a la estructura, respeta la simetría base. Éste es un criterio que se aplicó netamente durante el periodo barroco, y que supondrá una diferencia básica respecto al futuro estilo rococó.

El próximo día 29 de diciembre Setdart subastará un lienzo correspondiente a la primera etapa del artista. Realizado con tan solo 18 años, cuando cursaba sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, el pintor de Tomelloso nos brinda un retrato de corte íntimo protagonizado por una mujer sumergida en sus pensamientos.

José Hernández se inició en la pintura por medio de la plasmación realista, pero a partir de mediados la década de los años sesenta empezó a cultivar su propio lenguaje: simbolismo de carácter onírico con connotaciones surrealistas como factor común en sus obras. Su estilo pictórico se da por la reflexión y observación crítica de la realidad, una visión donde aquello decadente, el inexorable paso del tiempo, la soledad o la decrepitud, ocupan un destacado lugar.

Las frases pueden parecer siempre lo mismo, pero los buenos deseos son sinceros. ¡Feliz Navidad y un próspero Año Nuevo!

Les informamos que con motivos de las fiestas navideñas nuestras salas de Barcelona, Madrid y Valencia permanecerán cerradas los días 24, 25 y 31 de Diciembre y el 1 de Enero.

Salvador Dalí dejaba su magistral impronta por allí donde pasaba. El polifacético artista, en sus años californianos, colaboró con los más brillantes directores de cine. En 1946, mientras estaba trabajando en las célebres secuencias oníricas que conformarían los decorados de “Recuerda”, el film de  Hitchcock, trabó amistad con Walt Disney.

Fue en una cena de Hollywood, cuando por mediación del director de los estudios Warner, nació una amistad que sería larga y fructífera entre el matrimonio Disney y Dalí con Gala. Parece ser que en aquel encuentro ya fraguó la idea de realizar una película, proyecto que se concretaría en el cortometraje “Destino”, para el que Disney viajaría a Cadaqués con el fin de ultimar detalles.

La historia de la Suite Olímpica se remonta al año 1892, cuando un pedagogo francés, el Barón Pierre de Coubertin, se puso a la cabeza del movimiento de recuperación de las Olimpiadas que daría lugar a la celebración en Atenas de los primeros Juegos Olímpicos.

100 años después, en 1992, el comité Olímpico conmemoró este hecho a través de la realización de la Suite Olímpica, un conjunto de 50 litografías y serigrafías de los más reputados artistas internacionales que será subastada el próximo día 28 de septiembre en Setdart.com.

Hermés, y Rolex son dos de las empresas y marcas de lujo con mayor reputación en el mundo, así como de las más deseadas, según los resultados de nuestras subastas.

Ambas representan la exclusividad, la calidad y la excelencia a través de una excepcional creatividad publicitaria y una identidad de marca clara y distintiva que ha sido el pilar principal de que hayan continuado su crecimiento haciendo que sigan posicionándose como dos de las firmas más deseadas y que las convierten en líderes indiscutibles en el mundo del lujo.

Grandes personalidades del mundo del deporte, político y del star system de todo el mundo han sido y son fieles usuarios de estas firmas. Jane Birkin, Grace Kelly (ambas con diseño de Hermes en su honor), Paul Newman, George Clooney, Roger Federer y Obama entre muchos otros.

Setdart, reúne algunos de los modelos más icónicos de ambas firmas, ya disponibles en la web. La subasta de las piezas de la famosa relojería suiza y de los bolsos de la archiconocida «maison» francesa  finalizará el 22 de Diciembre de 2020.

La isla de Mallorca fue un yacimiento inagotable de inspiración para los pintores impresionistas y simbolistas. Santiago Rusiñol ha sido uno de los artistas más estimados por los mallorquines, a partir de un idilio que empezó en 1893, en su primera estancia en la isla balear. A su muerte el Ayuntamiento de Palma le proclamaría hijo adoptivo y daría nombre a una de sus calles.

Entre los centenares de cuadros que pintó en Mallorca, “Castillo gris” (1902) ocupa un lugar destacado. Se trata de una vista sublimada del Castillo del Rey de Pollensa, refulgiendo su perfil pétreo con las luces ambarinas de un suave atardecer de primavera. El punto de vista bajo engrandece las ruinas de la antigua fortificación de época romana, antecedidas de un valle de irregular orografía sembrada de verde fulgor.

A mediados de los años ochenta Josep María Subirachs se encontraba en la cúspide de su carrera. Es por ello, que inicia los primeros bocetos para el grupo escultórico de la fachada de la Pasión de la Sagrada Familia. En paralelo a los grandes encargos públicos, lleva a cabo esculturas basadas en la temática del “rincón del taller”, como la que nos ocupa, titulada “El motlle” (1985).

Se trata de una pieza en bronce representando una repisa cubierta con un paño de tela fina, drapeada con atractivos pliegues, sobre la que reposan utensilios del taller (un lápiz, un pincel y un cuenco goteando pintura por sus paredes exteriores). En el otro extremo de la mesa, un busto trabajado con una imagen femenina en negativo, como es usual en la obra del autor.

A pesar del tratamiento naturalista de los objetos, el tema de la naturaleza muerta se impregna de cadencias metafísicas.

Se trata de una pieza única, firmada por el artista y por el fundidor Manuel Parellada.

La personalidad de Subirachs, que se definió por un lúcido juego de contrastes y dualismos entre pintura y escultura, entre figura y símbolo, se expresa en esta pieza de modo magistral y sugerente.

Setdart ha presentado en subasta una cuidada selección de mobiliario y artes decorativas. Muebles, datados entre los siglos XV y XIX, que ponen de manifiesto la importante evolución de este género dependiendo de la época y el gusto artístico de cada territorio.

Entre las piezas destaca una excepcional arquilla alemana del siglo XVII. De herencia renacentista, se trata de un tipo de bargueño que continúa los modelos instaurados en Augsburgo. Una ciudad alemana que se convirtió en uno de los principales centros de producción de muebles, famosos por su fina e intrincada marquetería.

Grandes nombres de la plástica del siglo XX concurren en la próxima subasta de lotes selectos en Setdart. Salvo el ecuatoriano Oswaldo Guayasamin, se trata mayormente de artistas españoles, todos ellos con rotunda proyección internacional: Miquel Barceló, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Manolo Valdés, Francisco Leiro, Luis Feito, Eusebio Sempere, entre otros…

Varias de estas pinturas proceden de la galería valenciana Puchol, como la magnífica “Taula” de Miquel Barceló (lote 35214478), fechada en 1985, época en la que el creador mallorquín se embebía de influencias dispares que aquí confluyen: la herencia del expresionismo abstracto americano y el legado barroco. Los objetos del bodegón se funden en el magma cromático a tonos ocres que remiten al claroscuro de tradición castellana, por una parte, y por otra, evoca las tierras y empastes de Dubuffet, Fautrier y Tàpies, referentes importantes para Barceló.

Polifacético e infatigable como pocos, Javier Mariscal ha hecho de la creatividad su razón de ser. Tras 40 años de trayectoria a sus espaldas, la pulsión creativa sigue siendo para él, una necesidad tan básica como respirar.

Naif, irreverente e irónico como siempre, Javier Mariscal vive inmerso en un continuo desarrollo artístico que afronta con el entusiasmo y compromiso propios de quienes han logrado hacer de su vocación su forma de vida. Prueba de ello, son las 12 obras que Setdart licitará el próximo día 23 en una subasta monográfica sin precedentes, dedicada a su producción pictórica.

La implicación del artista en el proceso de selección de las obras, otorga un valor añadido al conjunto de óleos, acrílicos, acuarelas y tintas, reunidos en la que supone la primera colaboración de Mariscal con una casa de subastas.

Frente a las escasas ocasiones de adquirir su obra en licitación, la colección que actualmente se puede visitar en la sede barcelonesa de Setdart, representa una oportunidad inédita en el sector, que nos redescubre la faceta como dibujante tras la Mariscal piensa, concibe y vertebra toda su trayectoria.

El próximo 10 de diciembre Setdart subastará un total de nueve esculturas magníficamente trabajadas de José Cubero Gabardón (Málaga, 1818-1877), una cuidada selección de piezas únicas que ponen de manifiesto el interés del artista por el mundo taurino y el folclore andaluz. 

Obras sobresalientes del periodo renacentista, del barroco y el rococó coincidieron en la subasta del mes de  diciembre.

De las piezas más importantes reunidas por Setdart en su galería online de Alta Época cabe citar, en primer lugar, el retrato del monarca Felipe III realizado por el pintor vallisoletano Juan Pantoja de la Cruz (véase lote 35119802). El artista traduce el porte regio con singular destreza, describiendo fielmente una indumentaria caracterizada por la riqueza de las calidades y por la presencia de los símbolos como el Toisón de oro, que se dispone sobre la armadura. Ésta, plagada de brocados y alusiones alegóricas, se inspira en las guarniciones encargadas en Milán cuando el monarca era un infante (actualmente conservadas en la Real Armería del Palacio de Real de Madrid). De busto largo y sobre un fondo en el que destaca el cortinaje, la obra presenta patrones estéticos similares a los de que se aprecian en el retrato de Felipe III de Juan Pantoja que se encuentra en el Museo del Prado.

Convertido en un juego de poder como ningún otro reloj ha logrado anteriormente, el Cosmograph Daytona es el modelo de Rolex más ansiado, más codiciado y con mayor éxito comercial de los últimos tiempos. Todas las versiones que se han presentado desde su lanzamiento en 1963 son buscadas frenéticamente por los coleccionistas de tan ansiados artículos de lujo.

“La anatomía me fascina”, asevera Jaume Plensa: “la anatomía se rige no sólo por elementos orgánicos, también por cosas inexplicables. Y estas son las cosas que me interesan”.

Podríamos decir que toda la obra de este gran escultor y grabador gira en torno al cuerpo, aunque aproximándose a él desde una gran variedad de lenguajes y simbolismos. Es significativo que Plensa haya coleccionado grabados anatómicos desde temprana edad.  La atención puesta en estas láminas médicas se deja sentir en el “Atlas de anatomías imaginarias” que se subasta estos días en Setdart. Se trata de una carpeta con nueve grandes xilografías sobre papel diseñado por el artista (confeccionado a mano por Toni Serdá), que se montan sobre paneles, a modo de rompecabezas de gran fuerza expresiva.

Giovanni Battista Piazzetta fue uno de los artistas más influyentes del settecento veneciano. La teatralidad rococó de su estilo se desarrolló especialmente en la temática religiosa, dedicando en cambio a la pintura de género y al retrato un tratamiento más intimista y personal.

Esto último queda patente en dos lienzos que pueden adquirirse en Setdart Subastas, en los que el género del retrato alcanza una elevada calidad. En ambos casos, el pintor prioriza la expresión del retratado, cuyo rostro ocupa gran parte del cuadro y cuyas facciones aparecen labradas con naturalidad mediante una audaz modulación lumínica.

El compromiso de por vida del ecuatoriano Oswaldo Guayasamín con las clases oprimidas y las culturas aborígenes, lo convirtió en uno de los pintores latinoamericanos más apreciados, estatus que décadas después de su muerte sigue conservando.

Sus raíces indígenas arraigan en cada una de sus creaciones, desde aquellas primeras obras expresionistas en las que recordaba la muerte de tantos niños (entre ellos, su mejor amigo de infancia) en la Guerra de los Cuatro Días, hasta las obras maduras en las que se universalizan los grandes temas: el luto de una madre, el lastre del colonialismo o la xenofobia.

Es uno de los artistas puntales de la esfera contemporánea cubana, y a pesar de la vastedad iconográfica que despliega su imaginación, cuando contemplamos cualquiera de sus obras se manifiesta siempre un pálpito mágico que sólo él es capaz de convocar.

Hablamos de Roberto Fabelo,  pintor y escultor cuya obra ha ido granjeándose con un merecido reconocimiento en las últimas décadas, además de elevadas cotizaciones. En las subastas Christie’s, por ejemplo, una obra sobre seda muy similar en tema y tratamiento a varias de las que se están subastando estos días en Setdart, alcanzó la cifra récord de 437.500 USD (concretamente, el título “Viaje al jardín fantástico, de 2016).  También “El jardín fantástico” de 2006 se remató en Christie’s por 271.060 €, siendo ésta una pintura de características similares a “De madrugada al Rocío”, un óleo de 2009 actualmente en Setdart Subastas (véase lote 35011322).

Uno de los temas recurrentes en la producción picassiana fue la del artista y la modelo. Lo vemos en los grabados de la Suite Vollard, en pinturas de los años sesenta, y en dibujos a tinta como el que nos ocupa.

Esta obra original de Picasso procede de los herederos de Joan Junyer, un artista muy allegado al pintor malagueño, al que vemos aquí representado junto al pintor y a Maria Thérèse Walter, la musa y pareja de Picasso en aquellos años (el dibujo está fechado en 1931). De la amistad de Junyer y Picasso se conservan infinitas cartas y regalos como este dibujo que el maestro dedica a su protegido.

Manolo Valdés y Rafael Solbes revolucionaron el panorama artístico español en los últimos años del franquismo. Fundaron Equipo Crónica, y bajo esta firma fueron señeros de un pop politizado y corrosivo sin precedentes en el país. En sus obras, la cultura de masas y la historia del arte se solapaban en palimpsestos ingeniosos.

Solbes falleció en 1981, lo que supuso para Manuel Valdés el arranque de una carrera en solitario que, sin abandonar el interés por dialogar con la pintura del pasado, se caracterizaría por un mayor refinamiento reflexivo en detrimento del humor irreverente y el desparpajo de su etapa anterior.

Este retrato de Felipe IV, realizado un año después de que se disolviera Equipo Crónica, atestigua este proceso de depuración plástica. Parte de un retrato velazqueño en el que el monarca era representado de cuerpo entero. En el homenaje de Valdés, los rasgos desaparecen bajo pinceladas sintéticas que economizan las formas. La gorguera queda reducida a planos geométricos, lo mismo que el traje cortesano. Valdés regresará a este retrato en años posteriores, versionándolo en una serie de “Caballeros” que sostienen en su mano derecha un collage, en lugar de la carta original que pintó Velázquez. Sin embargo, en esta primera versión al óleo el rey es representado de medio cuerpo. La reducción cromática al negro, amarillo y blanco dota de intensidad espectral a la figura, como arquetipo cargado de simbolismo por ser depositario de una larga historia de representación del poder.

Las pinturas y grabados de Manolo Valdés dan cuenta de un hondo conocimiento y una franca admiración por los grandes maestros, de los que tomó libremente lo que consideró oportuno en lugar de contemplarlos en su trono, como a intocables. Reinterpretar, versionar y recrear fue su divisa.

Una mujer descansa junto al fuego del hogar, en el que cuelga un caldero de sopa. Un haz de ramas secas, preparadas para arder, se hacinan sobre el suelo. Nicolás Massieu capta con gran sensibilidad este momento apacible, mágico, de recogimiento.

Nos introduce con sutileza en la estancia rústica, donde la joven campesina permanece ensimismada, ajena a nuestra intrusión. Sólo accedemos a ver sesgadamente su perfil, velado por el cabello negro que cae en mechones rebeldes sobre sus párpados semicerrados.

El carácter polifacético de  la obra de Antoni Clavé  desprende  la esencia vital de un creador  universal que,  en su itinerario artístico, abrazó y conquistó  ámbitos tan diversos como la pintura, la escultura, el grabado  la ilustración o la escenografía. La renovación y libertad creativa que lo abanderaron transluce a lo largo de una trayectoria en continua   evolución que lo consagran como una de las grandes figuras del arte de la segunda mitad del Siglo XX. Entre la diversidad de etapas por las que transcurre su obra, la que aquí nos ocupa, viene a demostrarnos el inconfundible sello abstracto con el que Clavé logró un rotundo reconocimiento internacional.

Su actividad artística anterior a la Guerra Civil transitó entre las pinturas murales, la decoración ornamental y el diseño publicitario. A raíz de entonces, y especialmente en la faceta como cartelista, inicia un proceso de experimentación  con las novedosas  técnicas de vanguardia y la introducción de nuevos materiales. Tras vivir los primeros años del conflicto en el frente, en 1939 se ve obligado a abandonar España y a instalarse en Francia. París, que por aquel entonces era un hervidero de exiliados republicanos, ejercerá un papel esencial en la trayectoria del artista catalán, quien ávido de experiencias artísticas y sumergido en un proceso de exploración continuo, pronto se convertiría, junto a Ismael de la Serna, Oscar Domínguez o Francisco Bores, entre otros, en uno de  los personajes principales de la  segunda generación de artistas que, bajo el ala protectora de Picasso, conformaron la  Escuela de París. Como no podía ser de otra manera, la amistad que mantuvieron desde 1944 hasta la muerte del malagueño, tuvo un papel determinante en el camino hacia la abstracción que a partir de entonces experimentó la obra de Calvé.