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La expansión colonial europea en el norte de África durante el siglo XIX fue determinante en el deseo de numerosos artistas  por viajar y explorar un mundo desconocido. De la representación de sus paisajescostumbres y conflictos surgió la llamada pintura orientalista, un género con personalidad propia dentro del arte decimonónico, y que cultivaron apasionadamente grandes maestros como Eugene Delacroix, Dominique Ingres o Mariano  Fortuny.Junto a esta conquista, el éxito de la literatura de viajes, el deseo de encontrar temas pictóricos novedosos y el espíritu aventurero que los caracterizó, llevó a muchos artistas a un viaje hacia el paraíso soñadoque asimilaron en sus obras con la recreación de un Oriente exótico y cautivador.Prueba de ello, es la selección de obras que el día 15 de julio ofrecemos en nuestra subasta de arte oriental.

5 RAZONES PARA QUE LOS COLECCIONISTAS AMEN PATEK PHILIPPE

Los coleccionistas de Patek Philippe no son como los otros coleccionistas de relojes. No les gusta llamar la atención y por eso les encanta la discreta elegancia de Patek Philippe. En pocas palabras, los propietarios de un Patek saben que tienen lo mejor en artesanía, tradición y diseño puesto en su muñeca. Por ello, es conveniente saber las cinco razones que hacen que los coleccionistas amen Patek Philippe.

Quiere saber por qué los vinos de gran formato pueden ofrecer mucho más?Se lo explico con estos lotes destacados de nuestra subasta de vinos franceses del próximo día 14 de junio.

Nada da más fe de la generosidad de un anfitrión, tanto en el sentido económico como en el espiritual, que una botella grande en la mesa. Hay algo profundamente civilizado y despreocupadamente grandioso en servir vino en formato grande. Habla de conocimiento y amabilidad, de risa, debate y alegría.

Incluso los nombres de estas botellas de gran formato son conmovedores: jeroboam, matusalén, salmanazar, nabucodonosor … Un”Mathusalem de Margaux” suena más romántico que “botella”, ¿verdad? (lote 35260135)

Al margen de las consideraciones actuales, los temas relacionados con la tauromaquia han sido proyectados en las artes plásticas a lo largo de varias centurias, evidenciando el profundo arraigo  que la poética taurina ha ejercido en el imaginario  de  un sinfín de reputados artistas que no dudaron en inmortalizar a través de sus pinceles, su particular  concepción del mundo taurino. En este sentido, los dibujos y grabados de Goya marcan  un punto de inflexión  en este tipo de representaciones dominadas hasta entonces, por su carácter lúdico y amable. Posteriormente, los pintores impresionistas encontraron en el universo taurino el escenario perfecto en el que transformar el color en luz y las multitudes en manchas y pinceladas, donde la plaza, se convirtió en una metáfora del combate entre la vida y la muerte al que se enfrenta el animal. Dentro del periodo de vanguardias, no podemos dejar de mencionar a Pablo Picasso quien, de todos los pintores tauromáquicos fue probablemente el más emblemático. Entre los múltiples temas que el artista exploró a lo largo de su vida, su pasión por las corridas de toros adquiere una especial significación que reflejó  a través de múltiples prácticas artísticas  .

La fascinación que el toreo suscitó a nivel plástico y estético ha sido sinónimo de éxito dentro del mercado del arte internacional, donde pintores como Sorolla, Zuloaga, Regoyos, Dalí o Botero han conquistado el mundo del coleccionismo. Sin ir más lejos, artistas contemporáneos como Miquel Barceló han alcanzado  su cotización  récord con  obras  como “Multero”, cuyo remate ascendió hasta los 3 millones y medio de dólares. Otro caso destacado, es sin duda, el de Juan Barjola, quien  tras alcanzar sus mejores resultados gracias a inconfundibles  tauromaquias como las que próximamente  licitaremos en Setdart, ha  logrado estabilizar y consolidar su valor.

A finales del siglo XIX y principios de siglo XX, durante el fugaz período de paz y bonanza económica denominado la belle époque, se desarrolla una corriente de renovación artística en prácticamente todo el mundo occidental: el modernismo. Como lo dice su nombre, es un estilo que busca crear un arte nuevo, joven y moderno, en contraposición con las corrientes dominantes de la época, como lo eran el academicismo e historicismo. El modernismo se esparce rápidamente por Europa y América a través de revistas de arte y de la facilidad de dispersión del arte gráfico. Así mismo, las exposiciones universales como la de Barcelona o París, presentan tanto al público general como a artistas y mecenas la oportunidad de intercambiar ideas, de acceder a un mercado global y de sumergirse en una estética que comprende desde la arquitectura y la pintura y que reivindica la igualdad de las artes decorativas.

¿Por qué es tan importante la procedencia?

La procedencia de un vino (su origen, ciclo de vida y almacenamiento) es de suma importancia al comprar y vender en una subasta.

¿Qué es lo primero que se busca en una botella de vino? ¿La región? ¿El productor? ¿La vendimia? Cuando se trata de comprar en una subasta, hay un elemento de la identidad de un vino que es más importante que todos estos criterios juntos, porque si la procedencia de un vino -su origen, ciclo de vida y almacenamiento- no es inmaculada, ni siquiera se puede salvar la mejor cosecha de la más grandiosos grand crus. Para los coleccionistas de vino serios, la procedencia es primordial.

El arte oriental siempre ha ejercido gran fascinación sobre el hombre occidental. Desde los primeros contactos comerciales a lo largo de la Ruta de la Seda, los europeos han quedado fascinados por el extraño material translúcido que los chinos eran capaces de modelar con tanta maestría: la porcelana.

Desde hace ya unas décadas, el arte chino contemporáneo chino inició un periodo  de expansión e internacionalización que queda reflejado en el creciente interés que suscitó en el panorama artístico occidental. En un lapso relativamente corto, el arte contemporáneo chino pasó de ser prácticamente invisible y desconocido para el público general a estar presente,  a partir de los años 90, en un gran número de escenarios artísticos a nivel mundial. Su explosión definitiva tuvo  lugar durante la primera década del siglo XXI, momento en el que emerge  de su consideración más bien underground para  posicionarse en un lugar privilegiado dentro del competitivo mercado del arte occidental donde su valoración será cada vez mayor.

El éxito  que desde entonces experimentará, se traduce en una carrera  enfebrecida  por lograr  comercializar  las obras más representativas de este arte que, alcanzando sus más altas cotas en los últimos años, ha logrado convertirse en protagonista habitual de las subastas internacionales más prestigiosas. Sin ir más lejos, Christie’s y Sotheby’s pasaron de licitar esporádicamente alguna de estas  piezas a realizar subastas periódicas dedicadas íntegramente al arte contemporáneo chino. Este fenómeno. no es de extrañar si tenemos en cuenta algunos de los resultados obtenidos  en estos primeros años del nuevo milenio, cuando  la cotización  de artistas como Zeng Fanzhi se disparó hasta los 9.703.490$  alcanzados  en Christie’s  en el año 2008.

“Este es el hombre”. Estas fueron las palabras pronunciadas por Pilato cuando presentó a Jesucristo, sufriendo y escarnecido, a la multitud antes de su crucifixión. Su intención era burlarse de él, mofándose junto con los soldado

Las casas más emblemáticas de fabricación de juguetes que se desarrollaron en la Europa de entreguerras, están representadas en la colección que Setdart licita estos días en su galería online: un mundo en miniatura conformado por elegantes limusinas, descapotables de Citroën, trolebuses, motos con sidecar, coches Rico de los años veinte y treinta, figuras circenses y todo tipo de personajes de la casa alemana Günthermann…

Demétre Chiparus (1886-1947) es uno de los máximos exponentes de la escultura Art Déco. Nacido en Romanía, estudia primero en Italia con el escultor Raffaello Romanelli y 1912 se traslada a Paris para estudiar en la École des Beaux-Arts bajo la dirección de Jean Boucher y Antonin Mercie.

El estilo Art Deco está asociado tanto con lujo como con modernidad, combinando materiales caros, manufacturas exquisitas y formas modernas. Chiparus perfecciona la técnica de la crisolelefantina, combinando materiales como el marfil y bronce sobre elegantes bases de ónix o mármol. La demanda de objetos decorativos para residencias, nuevos hoteles y grandes transatlánticos empujan el mercado y aseguran el éxito de escultores y decoradores.

El pintor vasco Ignacio Zuloaga (1870-1945) llega a la capital francesa en 1889 y como buen bohemio de fin de siglo se instala primero en Montmartre, en donde se encuentra con artistas paisanos vascos y catalanes. Por recomendación suya se inscribe en una de las academias libres a cargo del ecléctico pintor Henri Gervex, quien acoge en su estudio a artistas de vanguardia y en donde conoce a Utrillo, Casas y Rusiñol, todos miembros del grupo barcelonés “Els 4 Gats”.

Una veduta es una representación detallada de vistas urbanas, típica de la pintura italiana del siglo XVIII. Fueron especialmente populares entre los aristocráticos viajeros de Grand Tour, quienes adquirían vistas de los lugares visitados en el continente, como los Foros Romanos o el Gran Canal. Hacia mediados del siglo XVIII Venecia se convierte en el centro indiscutible de los vedutisti, liderados por miembros de prominentes familias de pintores como los Canal o los Guardi.

Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (1697 – 1768) goza de tal popularidad entre los turistas ingleses de Grand Tour, que decide embarcarse entre 1746 y 1756 a Inglaterra para estar expandir su mercado. Su obra es admirada por la alta burguesía y la aristocracia inglesa, convirtiéndose en éxito comercial y en fuente de inspiración para artistas locales como William Marlow, Samuel Scott y William James.

Desde su primera juventud, Joaquim Mir formó parte de los círculos artísticos más antiacadémicos. A los veinte años, en su Barcelona natal, con sus amigos Isidre Nonell y Ramon Pichot, entre otros, formaron la Colla del Safrà, un grupo heterodoxo sin otro dogma que la libertad creadora.

Cada uno de ellos reinventó a su modo la pintura al aire libre, y distintos rincones de la ciudad condal y sus pueblos aledaños (desde Montjuic a Sant Martí de Provençals) se tiñeron de un color azafranado. El predominio del tono rojizo del azafrán en sus pinturas daría nombre al grupo (“safrà”). Quizás porque vivían en una ciudad acosada por las bombas, el cristal a través del que mirar las calles era de color azafrán. Torbellinos de violencia agitaban la Barcelona de finales del siglo, sacudida por ataques anarquistas, que eran castigados con drásticas represiones. La industrialización acelerada había acuciado la miseria de amplias capas sociales.

José María Sert(Barcelona, 1874 – 1945) fue el más eminente pintor decorador de su tiempo, y su estilo se caracterizó por una gran imaginación al servicio de un lenguaje retórico influido por el orientalismo y el expresionismo de Goya.

Su carácter único e inconfundible encontró gran aceptación entre las clases acomodadas de todo el mundo, que lo contrataron para la realización de numerosos proyectos decorativos.Más de siete mil metros cuadrados de palacios, grandes salonesy residencias privadas internacionales vieron sus muros decorados con la solemnidad de las pinturas de Sert, en un momento en el que la pintura mural comenzaba a verse obsoleta y demodé.

Una vez más, Setdart reúne en su colección de vinos una exquisita selección, dando preeminencia en esta ocasión a las variedades autóctonas, procedentes de las sagas más reputadas del territorio español: con denominación de origen riojana, de Ribera de Duero y Priorat, entre otras. Todas ellas cumplen los más elevados requisitos de calidad, mimo de las barricas y sabiduría viticultora.

Todo amante del vino tiene una cita ineludible el 12 de mayo en la galería online de Subastas Setdart, donde el amplio muestrario de vinos tintos satisfará una variada gama de gustos, con sus intensidades, aromas y texturas.

A modo de ejemplo, dentro de los vinos del Priorat, podemos citas los de Clos Martinet del 1997 (35227147) y las botellas de Clos de l’Obac de la misma añada (35260039). Clos de l’Obac (Costers del Siurana) fue fundado en 1987 en una tierra de orografía complicada, con un proyecto centrado en rescatar el espíritu de los viejos vinos cartujanos a través de la replantación y la recuperación de las tierras que conformaron las antiguas tierras que rodean la cartuja de Scala Dei, del siglo XII.

La vertiginosa transformación de la capital francesa durante el último tercio del siglo XIX, fruto de la renovación urbanística promovida por Haussmann, con sus avenidas y bulevares por los que iban a lucir sus galas la pujante burguesía, hizo que todo Europa fijara sus ojos en París.

Y por supuesto, el papel de los artistas en el París de la Belle Èpoque fue determinante para concretar esa imagen emblemática en la que realidad y mito se entrelazan.

Viajar a París y exponer en sus elegantes galerías era el sueño de cualquier estudiante de arte. El pintor catalán Román Ribera se instaló en la ciudad tras realizar estudios en Roma, y pronto su notable virtuosismo técnico llamó la atención de marchantes y coleccionistas.

Vivien Leigh was one of the most iconic and admired actresses of the 20th century, acclaimed both for her exceptional talent and her captivating beauty.

From an early age she was interested in acting and played countless roles on West End stages, before being catapulted to international fame with her triumphal role as Scarlett O’Hara in “Gone with the Wind” (1939), one of the highest-grossing films in cinema’s history.

From the beginning of her torrid love affair and subsequent marriage  with the great British star of that moment Sir Laurence Oliver, all spotlights were on the most outstanding couple of the London scenarios. They both also acted with great success on the big screen during Hollywood’s heyday, playing roles that defined an entire generation and consolidated their reputation as two of the brightest stars.

La llegada en la década de los años 50 del arte abstracto en España significó no solo la adopción de una estética determinada si no el posicionamiento critico  frente al régimen de autarquía  instalado desde la dictadura franquista. El aislamiento al que fue sometido el país  supuso un muro casi infranqueable en la introducción de las prácticas artísticas  que desde la irrupción de las vanguardias históricas dominaban por completo  el panorama artístico fuera de nuestras fronteras. Teniendo en cuenta el carácter subversivo y a menudo críptico de estas estas nuevas expresiones artísticas, no es de extrañar que el régimen franquista viera en ellas  una amenaza a los valores tradicionales en los que, a través de un arte académico y conservador construyeron  la identidad del país. Por  tanto,  el triunfo de la abstracción en España,  va mucho más allá de lo puramente plástico y estético, simbolizándose en ella, la génesis de una ilusión que definió a toda una generación de artistas   que soñó  y luchó por conquistar la libertad a través de la que era su única y mejor arma:  el arte.

Vivien Leigh fue una de las actrices más icónicas y admiradas del siglo XX, aclamada tanto por su excepcional talento como por su cautivadora belleza. Desde joven se interesa por la actuación e interpreta un sinnúmero de papeles en los escenarios del West End antes de ser catapultada a la fama internacional por su triunfal papel como Scarlett O’Hara en “Lo que el Viento se Llevó” (1939), una de las películas más taquilleras de la historia del cine

La saga de la porcelana producida en la ciudad francesa de Limoges comienza en 1768, cuando una mujer en la localidad de St. Yrieixin encuentra una sustancia suave y blanca en la tierra. Poco se imaginaba que se trataba de caolin – “oro blanco” – caracterizado por su rareza e ingrediente elemental en la producción de porcelana.

Luis Feito vivía en París cuando realizó “485 bas” (1965). Era una época en que su obra empezaba a llamar la atención de las galerías más prestigiosas de la capital francesa.En los ambientes madrileños ya formaba parte de la vanguardia más adelantada, como cofundador del grupo El Paso.

Era un recurso usual en sus pinturas abstractas de mediados de los años sesenta sustituir los títulos por números, con lo que sugería deliberadamente una idea de seriación, de continuidad investigativa de obra en obra. Ciertamente, la producción de estos años manifiesta una audaz investigación técnica, compositiva y formal. En “485 bas”, el lienzo es un arduo campo de batalla donde se despliegan irresolubles tensiones entre el orden y el caos, mediante la bipartición horizontal en el cielo áureo y la tierra volcánica, abierta a su vez con una herida roja que borbotea empaste y color.