Fruto de más de 40 años de coleccionismo, esta bodega que Setdart ofrece contiene caldos y licores de los más codiciados por los amantes del buen paladar.

Cualquiera que pase por delante de la casa de este industrial en una calle tranquila de un pueblecito de Badajoz, no puede imaginar la bodega que esconden sus muros. Apiladas desde el suelo hasta el techo, botellas de vino y licor, tesoros vinícolas únicos, han envejecido tranquilamente mientras pasaban las décadas.

Se trata de una colección personal que cuenta la historia de su coleccionista. Como buen apasionado, en un principio no compraba para invertir. Cada botella se compraba para disfrutarla con amigos y familia, según las propias palabras de este coleccionista. Pero llega el momento de racionalizar y permitir que otros compartan el placer que él ha obtenido amasando dicho tesoro.

Charlando con este hombre, curtido por la experiencia y su afición, concluye: “Todo el mundo puede convertirse en un gran aficionado al vino, empezando con vinos sencillos y desarrollando la capacidad de ver las diferencias de sabor y olor.  Al final, todo es emoción. Llega ese momento en el que estás maduro para ello. Tus sentidos están abiertos y esto te permite conectar, discernir y evaluar”.

Vinos Españoles

Entre las joyas ibéricas que iluminan esta subasta, se alzan con majestuosidad los emblemáticos Vega Sicilia Único, cuyas añadas susurran historias de elegancia y longevidad, un tributo al tiempo y a la tierra que los vio nacer.

También está presente Ribera del Duero con varias botellas de Pingus, un vino que desafía los límites de la perfección, y el Priorat con L’Ermita, una obra maestra que cautiva por su complejidad y carácter único

De la tierra de Toro, la audacia se revela a través de Teso La Monja, una bodega que redefine la grandeza con vinos de intensidad inigualable. Y como no, no podía faltar la Rioja con grandes añadas de Gran Reserva de vinos como Castillo de Ygay, La Nieta o Viña El Pisón.

Vinos Franceses

Nuestro coleccionista también rindió homenaje a la elegancia y la sofisticación de los vinos franceses con una selección excepcional de añadas legendarias que han definido la excelencia enológica a lo largo de los siglos.

Desde la mítica región de Borgoña llega la majestuosidad de Romanée-Conti, en el que cada añada es un testimonio de la maestría enológica o el Échézeaux, un tesoro de la Côte de Nuits que deslumbra con su complejidad y elegancia.

Procedentes de Pomerol, varias botellas de Petrus se erigen como un tesoro vinícola que revelan la riqueza y carácter de esta denominación.

También de la región de Burdeos, presentamos una selección exclusiva de los grandes châteaux que han marcado la historia del vino: Château Lafite Rothschild, Château Mouton Rothschild, y Château Cheval Blanc, que representan la cima de la excelencia bordelaise, contando la historia de su terruño y la dedicación de generaciones de enólogos.

Los vinos de la Côte de Nuits también se hacen presentes con el inigualable Richebourg, y también son dignos de mención, Château Haut-Brion, Château Latour, y Château Palmer, llegados de las veneradas tierras de Pessac-Léognan y Margaux, vinos que revelan sus personalidades únicas en cada añada, llevando consigo la esencia misma de la tradición vinícola francesa.

También podemos ver el incondicional Château d’Yquem, un vino dulce de Sauternes que ha conquistado los paladares más exigentes.

Licores

Es inevitable destacar en esta colección una selección de botellas de licores excepcionales, verdaderas joyas para los paladares más refinados y para coleccionistas ávidos de experiencias inolvidables.

Entre las botellas más apreciadas de esta subasta, encontramos 25 cautivadoras expresiones del whisky The Macallan. Desde el Select Reserve 1946, una joya atemporal que rinde homenaje a la destilería, hasta el 25 Anniversary Malt, el Gran Reserva 18 años, el 30 años Blue Label, o el evocador Replica 1841, cada botella es un testimonio del refinamiento y la destreza que caracterizan a esta destilería legendaria.

De la destilería The Dalmore tenemos una obra maestra en forma de un whisky destilado en 1973, una creación que despierta los sentidos con sus capas de complejidad y sofisticación y De Ardberg Provenance a Bowmore 30 años, nos invita a explorar las sutilezas del tiempo y la maestría del arte del destilado.

No podemos pasar por alto la presencia imponente de dos excepcionales cognacs de la casa Hennessy, el Eclipse y el Paradis Imperial. Cada sorbo es una experiencia sensorial que trasciende el tiempo, una fusión de savoir-faire y la magia destilada en el corazón de la región de Cognac.

La tradición española en la destilería de licores también está presente en esta colección donde encontramos exquisitas creaciones de las Bodegas Rubio Millán como el Luis Felipe Gran Reserva, un brandy que encarna la maestría artesanal y la dedicación a la excelencia o el Luis Felipe 100 años, una síntesis de un siglo de destilación que revela capas de complejidad y carácter.

Desde la cuna del brandy, Jerez, presentamos dos tesoros más: el Conde de Garvey Solera Gran Reserva, un brandy que fusiona la tradición con la modernidad, y el Cardenal Mendoza Non Plus Ultra, una expresión máxima de la artesanía jerezana.

Champagnes

Los Champagnes son verdaderas joyas efervescentes que añaden un toque de exquisitez y celebración a esta colección.

Desde la casa Krug, el Clos du Mesnil 2000 deslumbra con su elegancia y complejidad, revelando la esencia de la prestigiosa región de Le Mesnil-sur-Oger. El Magnum de Ruinart L’Exclusive 2000 irradia sofisticación, destacando la destreza de esta histórica bodega que ha perfeccionado el arte de la burbujeante excelencia.

La presencia del Louis Roederer Cristal 1995 añade un toque de glamour a la subasta, recordándonos por qué este Champagne es la elección de los conocedores más exigentes. La Cuvée Dom Pérignon Millésime Vintage 1990, proveniente de la legendaria casa Moët & Chandon, captura la esencia de una añada excepcional con su elegancia atemporal, y no podemos pasar por alto el Salon Blanc de Blancs Le Mesnil 2002, un Champagne que representa la pureza y la perfección de las uvas Chardonnay de la región de Le Mesnil-sur-Oger.

Estas botellas, cuidadosamente seleccionadas, no solo son burbujas en una copa, sino testimonios efervescentes de la maestría y el arte que solo los grandes Champagnes pueden ofrecer.

¿Es usted el propietario de la próxima bodega que aparecerá en la subasta de vinos de Setdart?

En Setdart realizamos subasta de vinos periódicamente. Si desea vender su colección de vinos, en Setdart nuestros expertos le aconsejarán la mejor estrategia a seguir. Envíe un correo a tasaciones@setdart.com, un whatsapp al número 638 388 127 o llámenos al 932 46 32 41. Estamos a su servicio para conseguir la mejor rentabilidad.

Setdart licitará un interesante conjunto de bronces franceses y belgas del siglo XIX y XX, inmejorable oportunidad para incluir a algunos maestros de esta aleación en nuestras colecciones

Deudor de la escultura monumental, el bronce ha gozado de la atención de las grandes cortes europeas desde el siglo XVI, haciéndose un hueco en las colecciones más relevantes del viejo continente. Ha jugado un papel clave en las relaciones diplomáticas entre las diferentes monarquías, adecuándose como regalos, por ejemplo, en agradecimiento por la obtención de favores o, al contrario, con la voluntad de obtenerlos. Su reducido tamaño no ha sido sino una ventaja para artífices y coleccionistas, pues requieren de menor cantidad de metal y su ligereza facilita el transporte, características que han impulsado su difusión.

El bronce de pequeño tamaño fue, desde su nacimiento, concebido como objeto de colección, destinado a engalanar las wunderkammer o cámaras de maravillas de la alta nobleza, pues reproducían la estatuaria clásica recientemente descubierta en la Italia del Quattrocento. Fue tal su éxito que los broncistas se vieron obligados a ingeniárselas para conservar el modelo original y poder vaciar más de un ejemplar.

La transformación de la industria del bronce llegaría, sin embargo, ya en el primer tercio del siglo XIX en Francia, de la mano de Achille Collas, quien patentaría una máquina capaz de reproducir esculturas a menor escala, la réduction méchanique, y de las propias casas de fundición, que permitirían a los artistas una propagación masiva de sus piezas. Ejemplos de esto los encontramos en las piezas licitadas de los belgas Léandre Grandmoulin y Albert Hambresin, cuyas firmas están acompañadas por la rúbrica de la Fonderie Nationale Des Bronzes y de la Compagnie des Bronzes de Bruxelles, respectivamente.

De todos los artistas que se lanzaron a trabajar el bronce en la Francia decimonónica, gracias a las posibilidades que ofrecía, fue protagonista Auguste Rodin, el cual hizo de este brillante metal su seña de identidad. Las piezas del parisino, cuando son de gran formato, pueden alcanzar cifras millonarias en subasta, lo que habla de la alta estima en que el mercado tiene al escultor, siendo números más modestos, aunque nada desdeñables, los de sus piezas de pequeño formato. Por poner un ejemplo, la misma pieza que podemos ver en Setdart, el busto de Suzon, con las mismas marcas de fundición, salió en Christie’s París, con una estimación idéntica, y acabó por rematarse en 30.000 euros. Además, es posible encontrarla en diferentes museos, como el Musée Rodin o el Brooklyn Museum.

El bronce en pequeño formato ha sido y sigue siendo una apuesta segura para los coleccionistas, siendo piezas nacidas para los amantes del arte, aunando la expresividad de la escultura y el virtuosismo de la miniatura.

Una de las mujeres artistas que más impacto y repercusión ha causado en el panorama artístico de las últimas décadas llega a Setdart con una de sus icónicas obras-fetiche. Además de formar parte de grandes colecciones públicas, sus creaciones, tan polémicas como seductoras, han cautivado  al exigente sector del mercado del arte internacional.

Rulos, paletas de maquillaje, bolsos de lujo, carros de la compra o coches… todos ellos han sido objeto de la lente bajo la que Sylvie Fleury transforma la naturaleza de estos objetos para dotarlos de nuevos y subliminales mensajes mediante los cuales pone en jaque los valores de la sociedad actual.

En un contexto histórico dominado por el neoliberalismo irrumpe a mediados de los años 90 en la escena artística la artista de origen suizo que saltó a la fama gracias a su obra Shopping bags. Fleury ha construido las bases de su trayectoria entorno a una fascinante reflexión acerca del consumismo mediante la cual, además de enfrentarnos a la realidad social de nuestro tiempo, nos invita a reconsiderar y cuestionar las dinámicas y valores que han regido esta sociedad de consumo.

Bajo esta premisa, Fleury se apropiará a aquellos elementos visuales y estéticos heredados del pop art, del minimal y del arte conceptual para explorar y ahondar en aquellos códigos que han cimentado la imagen de la feminidad y la masculinidad a la luz del consumismo. Fleury nos plantea de este modo dos líneas de debate que se imbrican en su obra demostrando la incidencia de la cuestión de genero en relación con nuestras pautas de consumo y nuestro deseo materialista desaforado.

En este sentido, y como sucede en el caso de la obra en licitación, Fleury traslada aquellos objetos relacionados con el lujo, la moda y la belleza femenina al contexto artístico poniendo el foco de atención en los mecanismos que han contribuido a la creación constante de nuevas y superfluas necesidades, permitiendo al espectador revaluar las políticas contemporáneas de género, belleza y consumismo.

Los elementos que habitualmente emplea para sus esculturas, performance, instalaciones, pinturas tridimensionales o ready-mades suelen ser objetos prefabricados y de ámbito doméstico que, como en el caso de los rulos y horquillas dispuestos dentro de una urna, envuelve de un aura de armonía, belleza y sacralidad que eleva aquello cotidiano y “vulgar “a la categoría de fetiche.

Como en la mayoría de sus obras, la artista trata de evocar una multiplicidad de estereotipos de género señalando el horizonte de sus respectivos clichés y, como en el caso de la mujer, estos están estrechamente relacionados con el obsesivo culto a un canon de belleza casi inalcanzable que mediante una publicidad que nos bombardea constantemente nos han hecho desear de forma obsesiva.

Sin perder el toque irónico y su reconocida atracción por todo aquello que envuelve el mundo del glamour, Fleury nos pone frente a un espejo que nos devuelve nuestra imagen más frívola y superficial.

Los caracteres griegos que encontramos en algunas de las obras maestras del Museo del Prado son el ejemplo más claro de orgullo, tanto de su origen como su oficio:  Δομήνικος Θεοτοκόπουλος. La historia ha decidido apodarlo como “el Greco” por su nacimiento en Creta; allí asimiló la tradición del icono bizantino y posteriormente el gusto veneciano de Tiziano y Tintoretto. Estas dos influencias se reunirían en un estilo propio, sin comparación en Europa. Esta característica maniera avanzaba una modernidad que tardaría siglos en llegar, sin embargo, la huella de su genio caló en sus discípulos.

El volumen de sus encargos al igual que las dimensiones de muchas de sus obras dan fe de que el artista precisaba de colaboradores que le permitieran abordar trabajos colosales. Los más aventajados serían Jorge Manuel, hijo del artista, y el toledano Luis Tristán. Este último conseguiría en vida una reconocida reputación ya que, durante su juventud, en el taller del Greco logró un parecido tan alto con las obras del maestro que, en algunos casos, hasta le fueron atribuidas. Su estilo cambió tras sus años de estancia en Italia con apenas veintiún años. De vuelta a Toledo su forma de pintar había tornado hacia un naturalismo caravagista, alejándose de la estética manierista, pero sin olvidar parte del bagaje aprendido de su juventud a la sombra del genio cretense.

Esta dualidad de estilos podía manifestarse al mismo tiempo en un cuadro, decantándose en mayor o menor medida por uno, según los gustos del cliente o según los recursos que le convinieran mejor para cada obra en concreto. Es, por tanto, un autor versátil gracias a sus influencias e igualmente con una gran creatividad a la hora de crear modelos propios. Sus composiciones fueron replicadas tanto por su taller como por sus seguidores.  Este hecho prueba que el legado de su estilo y sus obras han perdurado hasta nuestros días. Setdart ha presentado en estos últimos años varias obras notables de Luis Tristán, destacando en la próxima subasta el “San Jerónimo penitente”.

La  imagen  del viajero,  ya sea paseando, vagando frente al mar u observado absorto el infinito, permanece enraizada a nuestro imaginario colectivo gracias, en parte, a la literatura y filosofía surgida durante el Romanticismo que cultivó con verdadero entusiasmo el carácter intimista y subjetivo  que desde entonces impregnó su relato.

De hecho, la herencia romántica ha perdurado  hasta llegar a nuestros días mediante multitud de artistas que han encontrado en la figura del viajero una forma de autorreferencia, cuyo viaje se transforma en una alegoría del periplo que vive el propio artista. Desde Friedrich y su “Caminante frente al mar” han sido muchos los que han adoptado y adaptado la formula narrativa del  viajero que, siempre de espaldas, observando ensimismado  el paisaje, encarna la idea de ese eterno viaje introspectivo con el que la figura del artista se identifica.

En este sentido y pese a su aparente oposición, la obra de Eduardo Úrculo  se acercó durante los años 80 a esta visión romántica a través de las lecturas de la obra de  Charles  Baudelaire o Verlaine, pero también de pintores que, como David Hooper, impregnaron la concepción del viajante  de un aura nostálgica e introspectiva.

Será a partir de entonces cuando la pintura de Úrculo virará hacia una temática de carácter más narrativo, en la que la soledad del hombre moderno, encarnada en  la figura del viajero errante, llenará sus composiciones. En este sentido la obra en licitación forma parte de este gran ciclo de pinturas que en sus manos se convierten en  alegorías del propio viaje creativo del artista.  La pintura, presidida por sus  inconfundibles hombres de espaldas que ataviados con gabardinas y sombreros observan expectantes la ciudad que se eleva ante ellos, hereda de la obra de Hopper ese “silencio poético” que se desprende de una estética de lo contemplativo.

 “El viaje es la memoria a cuestas, con todas sus esencias y perfumes, circunstancias y sustancias” Eduardo Úrculo.

En efecto, Úrculo se encuentra entonces en una etapa que podríamos llamar de introspección, en la que la  visión del viaje ya fuera por el mundo o por su interior se plasmará mediante una figuración de simplificado realismo cuya narrativa resulta tan nostálgica como misteriosa e inquietante. En lo estrictamente pictórica, los contrastes cromáticos acusados, la economización de formas y la dramatización de luces y líneas que estructuran el espacio, dan luz a una imagen que Úrculo convirtió en uno de los mayores iconos de su producción.

Las pasiones de los dioses del Olimpo se convirtieron en las historias míticas que mayor interés y empatía despertaron en la devoción de los fieles griegos. Si tenemos que hablar de la patrona del amor, Afrodita, este sentimiento adquirió una gran intensidad debido a que la Diosa encarnaba los valores del amor, la belleza, el erotismo y la pasión. El pueblo griego representó  su panteón de un modo ideal y severo, simbolizando así la perfección más absoluta y la distancia entre la divinidad y la mortalidad.

Situado en una zona elevada junto a la costa turca, rodeado de jardines de mirto, vides y cipreses y dispuesto en una columnata circular con dos accesos, el templo de Afrodita en Cnido, permitía al fiel contemplar la figura de la diosa en todo su esplendor. La escultura de Afrodita de Cnido logró que todo el que la viera quedara cautivado, su desnudez sutil conseguía despertar la imaginación, pero su realismo la convirtió en una mujer veraz, al mismo tiempo mundana y divina. Prueba del absoluto hechizo que provocó su belleza la encontramos en las numerosas leyendas de hombres que perdieron la cabeza por la misma estatua, o los miles de peregrinos que durante siglos acudieron a admirarla.

Las historias que rodean la creación de la obra no distan del mito de la propia Afrodita. Se sabe que Phryné, amante de Praxíteles, fue el modelo que inspiró la escultura. Contemplada por el escultor al emerger de las aguas, la belleza de Phryné generó una impresión tan sobresaliente, que Praxíteles inmortalizó el momento y a su amada elevándolos así a la eternidad. Con esta obra maestra cambiaría el curso del arte y buena parte de nuestra cultura, ya que se trata del primer desnudo femenino conocido en la estatuaria griega. La audacia y la novedad de la escultura se vio empañada por la controversia al ser rechazada por su inicial comitente, la ciudad de Cos.

Sin embargo, a pesar de la polémica la escultura no sólo alentó el inició de un nuevo tema de la historia del arte, sino que marcaría un canon sobre el ideal de belleza en la representación del cuerpo femenino. Las proporciones y rasgos de la estatua servirían de modelo para las generaciones futuras al personificar la máxima del ideal clásico. Este éxito propició la copia e imitación de la obra original y desde el siglo IV a.C. hasta nuestros días, se ha venido replicando como un eco de la escultura primigenia, en el que sus rasgos principales se aprecian con un espíritu semejante.

La fascinación del pueblo romano por la cultura griega alentó tanto el coleccionismo de esculturas antiguas como de copias e incluso reproducciones. Las excavaciones arqueológicas han sacado a la luz en todo el Imperio Romano un buen numero de Venus Púdicas poniendo de manifiesto su trascendencia en la Historia.

Nos complace presentar una versión romana de excepcional calidad. La nítida superficie de mármol adquiere la sedosa textura de la piel. Los movimientos sesgados por el paso del tiempo parecen no detenerse. Imaginemos por un instante el efecto realista que tendría esta pieza gracias a la policromía naturalista y su correcta ubicación espacial. Un ejemplo único que actúa como un eco de la mítica Afrodita de Cnido, la belleza del cuerpo femenino elevada a la eternidad.

En una época en la que Paris se había consolidado como el epicentro artístico por antonomasia, las experimentaciones pictóricas de un grupo de jóvenes artistas entraron en escena para dar un giro radical al mundo del arte que desembocaría en el inicio de las vanguardias.

Los nombres de Matisse, Derain y  Vlaminick quedarían unidos por siempre bajo el nombre de Les Fauves, en referencia al espíritu rebelde y fiero que les dominó. En sus obras usaban colores puros y arbitrarios, exageraban el dibujo y forzaban la perspectiva hasta lograr asombrar  a quienes veían sus obras por vez primera.

En este aspecto, es muy probable que la personalidad y obra de Vlaminick sea la que dé forma más fiel y extrema encarnó la idiosincrasia fauvista. Pese a la corta existencia del grupo (1904- 1907), el espíritu fauve permaneció en Vlaminick de forma inapelable, convirtiendo sus lienzos en un lugar donde verter de forma tan intuitiva como vehemente sus propias emociones. Ejemplo de ello es el lienzo en licitación, cuya creación, pese a no inscribirse en la etapa propiamente fauvista permanece impregnada del carácter espontáneo instintivo y arrollador que caracterizó a Vlaminick.

Entendiendo el color como la liberación espontánea de lo instintivo, Vlaminick plasmó a través de sus paisajes no solo su propio temperamento, sino que también expresó su propio sentir respecto al contexto histórico belicista.

Su carácter rebelde y contestatario, queda registrado en su obra mediante una pincelada nerviosa y gruesa, de empastes densos que no hacen más que potenciar la arrebatada y flamante expresividad del paisaje, cuyo agresivo cromatismo ya no necesita de la exaltada vivacidad propiamente fauvista, sino que mediante tonalidades sombrías pero contrastadas, logra extraer toda la potencia de las fuerzas de la naturaleza. En este sentido, el legado de Van Gogh, reconocido como el verdadero padre del expresionismo, fue del todo determinante en el desarrollo de la obra de Vlaminick, quien quedó completamente conmocionado tras asistir a la exposición que tuvo lugar en Paris en el año 1901

Como para las expresionistas alemanas, Van Gogh fue para los fauvistas un referente imprescindible, no solo por el empleo de una  pincelada vibrante y una paleta de colores encendidos, sino también en la manera de representar ciertos géneros, como el autorretrato, el retrato y el paisaje. En cuanto a esta última temática, Vlaminick sintió una especial admiración por la forma en la que Van Gogh luchaba por expresar, en el cuadro, su estado interior.

Vlaminick no solo admiró las cualidades formales de la pintura de Van Gogh, sino que también fue un referente en cuanto a la intensidad de su visión artística y vital porque, del mismo modo que sucede con la pintura de Van Gogh, los suyos fueron sin duda, unos paisajes surgidos de la pasión y de un instinto salvaje.