Category Archives: Lotes Selectos

LOTE EN SUBASTA

Lote en subasta:

ACEVEDO, Miguel (Lopera, Jaén, 1947).
“Gondoleros”, Venecia, 2012.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Firmado, fechado y titulado al dorso.
Medidas: 50 x 73 cm; 69 x 92 cm (marco).

Miguel Acevedo es un pintor costumbrista que, ya de pequeño, dio muestras de su vocación pictórica. Se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba. En 1965 tomó el traje de luces y actuó como novillero en varias corridas, pero, al final y ante las dificultades de promoción de este mundo, se impuso la pintura. En 1969 logró el segundo premio en un concurso de pintura al aire libre que contaba con la participación de numerosos profesionales, y termina la carrera de Artes y Oficios en dos años, graduándose con catorce. Este prodigio del dibujo y de la pintura, con diecisiete años, en 1965, ganó el Primer Premio de Pintura de Andalucía.

Al decirle que en Gijón había un ambiente propicio para la pintura, se dirigió a esta ciudad en 1971, donde conoce a José Sáenz Cristóbal y logra vender obras. En 1974 se instala definitivamente en Gijón. En 1991 se traslada a La Navata, en Madrid, donde vive desde entonces. En 1997 pasó seis meses en la factoría Disney de Burbank en California enseñando luces al aire libre a los dibujantes de esta empresa. Son conocidos sus paisajes de la Sierra de Guadarrama o de Asturias, Andalucía o Salamanca, entre otros enclaves, así como imágenes de fiestas populares como la Romería del Rocío; también aparecen en su obra la pesca y el mundo taurino. Son característicos de su pintura los colores intensos y las luces contrastadas, con mucho contraluz.

Su obra ha podido contemplarse en numerosas ciudades españolas como Gijón, Barcelona, Zaragoza, Nogal en Oviedo, Madrid, etc. Temáticamente, gusta de los espacios abiertos, de ahí su preferencia por los exteriores naturales: montañas, rebaños, etc. Es un maestro del tratamiento de la luz al aire libre. . Asimismo, es capaz de combinar un dibujo realmente detallado con la ausencia del mismo para crear movimiento, algo a lo que también da una gran importancia. Actualmente está representado en importantes colecciones nacionales y regionales.

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Cáliz; Cataluña u Occitania, principios del siglo XIV.
Plata y plata vermeil.
Presenta restos de marcas en la base.
Medidas: 21 x 14,5 cm.

Procede del “Thesaurus Gosconensis”, que se dispersó a principios del siglo XIX tras el asalto de las tropas napoleónicas a la Força de Goscons (conocido actualmente como Castillo de Goscons).  Los Goscons fueron un linaje originario del valle de Goscons, situado en el Montnegre y actualmente incluido en el término municipal de Arenys de Munt (Barcelona). Los miembros de este linaje poseían una antigua fortaleza, y ostentaron derechos de jurisdicción sobre una extensa zona del Maresme y el Vallès Oriental.

Está documentado que ostentaron la castellanía de la fortaleza de Montpalau, bajo el dominio de los vizcondes de Cabrera, y que poseyeron los señoríos de Sacreu y de la Quadra de Goscons. La rama troncal de esta estirpe se extinguió en el siglo XIII con Brunissenda de Goscons, hija de Tomás y Ferrara de Goscons, al contraer matrimonio en 1266 con Pere de Arquer. Sus descendientes pasaron a apellidarse Arquer de Goscons, asumiendo los privilegios y dignidades de sus antecesores. En el nudo central del fuste de este cáliz se puede leer la inscripción grabada “DEUS ARCUM SUUM TENDIT” (“Dios tensa su arco”), precisamente el lema de la familia Arquer, a la que pertenecían los Goscons en la fecha de realización de la pieza, principios del siglo XIV. La familiar Arquer, Arquier, Arque o Arquero procedía de Francia, y pasó a España en el siglo XIII buscando el amparo de los Condes de Barcelona.

Este cáliz gótico, datado a principios del siglo XIV y procedente de la zona de Cataluña-Occitania, está realizado en plata repujada, cincelada y grabada, con copa en plata vermeil, un recurso expresivo que busca el contraste de colores muy típico de la platería de la época. el pie, de perfil lobulado a base de curvas ingletadas, típico del último gótico, está decorado en tres de sus lóbulos con motivos grabados y repujados relacionados con la Pasión de Cristo, y por tanto directamente alusivos a la Eucaristía. En uno de ellos vemos la cruz sobre un suelo rocoso, sobre un fondo matizado mediante punteado, una técnica típica de la platería gótica, que también vemos en los otros tres lóbulos. Acompañan a la cruz los instrumentos de la Pasión: tenazas, lanza, esponja empapada en vinagre, etc. En otro lóbulo vemos una túnica flanqueada por dados, representados sin intención de tridimensionalidad, en un estilo sintético y convencional equivalente al de la pintura contemporánea. Este motivo alude al episodio en el cual los soldados le quitan la túnica a Cristo y se la juegan a los dados. Finalmente, el tercer lóbulo aloja la representación de la columna a la que ataron a Cristo para su flagelación, acompañada por dos látigos y rodeada por la soga con que se ató al Salvador.

Este pie es plano, suavemente escalonado en su perímetro, que está decorado en su alzado con una banda grabada a base de rombos. El pie se alza en su centro para unirse con el fuste, que presenta una estructura de astil típicamente gótica. Ésta sigue la compartimentación facetada del pie, en siete lados. Este gusto por las facetas, de inspiración arquitectónica y continuada desde el pie hasta la unión con la copa, es típico del cáliz gótico. Aquí vemos un nudo inferior con redes de rombos grabadas y cornisas salientes en la base y la parte superior, sobre él un cuerpo liso, siempre facetado, y fajado por una moldura lisa, sobre el cual se sitúa directamente el nudo, protagonista de la estructura de astil. Éste es de nuevo hexagonal, y aunque se basa en la forma de manzana achatada típica del cáliz gótico se convierte en un prisma totalmente geométrico gracias a este riguroso facetado. En su parte superior, lisa, ostenta la inscripción mencionada más arriba, el lema de la casa Arquer. Su perfil está decorado con redes de rombos grabadas, manteniendo una clara unidad estilística con el pie y el resto del fuste. Sobre este nudo vemos un carrete de nuevo facetado, que da paso a la copa, lisa ya rompiendo con el uniforme facetado, si bien lo mantiene en la subcopa, muy reducida. Ésta está formada por una corona de hojas, de las cuales las más grandes coinciden con los ángulos del facetado inferior.

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LEÓN Y ESCOSURA, Ignacio (Oviedo, 1834 – Toledo, 1901).
“El antiguo retrato”.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 20 x 15 cm; 38 x 32,5 cm (marco).

Ignacio León y Escosura inicia su formación en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña, y posteriormente se traslada a Madrid para completar sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, con Federico de Madrazo como maestro. Estudió también en el extranjero, con estancias en París y Roma, donde viaja pensionado. Participó en diversas muestras europeas, como la de Berlín de 1886, la Universal de París de 1889, la Internacional de Madrid de 1892 y la de Munich de 1897.

En las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid obtuvo varios premios: mención honorífica (1862 y 1864), condecoración (1881 y 1892) y segunda medalla (1867). En la Exposición Universal de Londres de 1886 se le concede también la segunda medalla. De la calidad de sus pinturas habla el hecho de que, sin que él se lo propusiera, dos obras suyas fueran expuestas en el Museo del Louvre como auténticos Velázquez y Murillo. Actualmente se conservan obras de León y Escosura en el Museo del Prado, los museos Metropolitan y de Brooklyn de Nueva York y el Museo de Bellas Artes de Asturias, entre otros.

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Escuela aragonesa de los siglos XIII – XIV.
“Santo”.
Madera tallada y policromada.
Medidas: 72 cm (altura de la talla); 7 x 27 x 18 cm (peana).
Procede de la colección del Dr. Rafael Anglés Guerri, profesor archivero de la Universidad de Barcelona.

 
Escultura de bulto redondo tallada en madera y policromada, fechada en el primer gótico, entre los siglos XIII y XIV. Representa a un santo de pie, de cuerpo entero, vestido con túnica dorada y manto rojo, y tocado con mitra de obispo. Alza la mano derecha en señal de bendición, y en la izquierda portaría originalmente algún objeto, quizás el báculo de obispo o un atributo iconográfico que permitiera su identificación.

Con la llegada del gótico se produce un sustancial cambio estético en toda Europa, tanto en la arquitectura como en la pintura y la escultura. El hieratismo simbólico y atemporal del románico deja paso a un afán de realidad y de sentido narrativo que hunde sus raíces en la escultura clásica y fuerza a los artistas a tomar como modelo a la naturaleza. Los escultores góticos pretenden, por tanto, representar el mundo visible tal y como es. De este modo se trata de humanizar los gestos y actitudes de los personajes, que adquieren individualidad.

Se dejan atrás las convenciones estéticas –como los grandes ojos destacados sobre el resto de la cara, que simbolizaban el alma del personaje- y se busca una representación naturalista de rostros, anatomías, indumentaria, etc. Siguiendo esta nueva línea estética las figuras abandonan sus posturas verticales, simétricas y hieráticas para adoptar otras cada vez más expresivas y gestuales, con un mayor realismo en el movimiento. A la vez, se busca representar las emociones de los personajes, mediante elocuentes gestos del rostro y las manos.

El gótico sufre una evolución, desde el clasicismo del siglo XIII, donde se busca la serena belleza del naturalismo idealizado, hasta un cierto manierismo de las formas que se advierte en la estilización y alargamiento de las figuras, ya en el siglo XIV. La escultura gótica alcanzará su mayor auge entre los siglos XIII y XIV, donde seguirá predominando la escultura monumental heredada del mundo románico, especialmente como complemento de la arquitectura.

ABELLÓ PRAT, Joan (Mollet del Vallès, Barcelona, 1922 – Barcelona, 2008).
“Atardeciendo”, 1965.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en la zona inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso.
Medidas: 82 x 65 cm; 108,5 x 93 cm (marco).

Pintor y grabador, Joan Abelló inicia su formación de forma autodidacta, teniendo en sus primeras pinturas una gran influencia las obras que Joaquín Mir realizó en Mollet. A continuación estudió en la Academia Baixas y en el Real Círculo Artístico de Barcelona (1941), para más tarde ser discípulo de Pere Pruna, trabajando durante dos años en su estudio (1944-46). Pruna le enseñó las técnicas del mural y del grabado, y además aprendió restauración en el taller de Miracle.

En 1945 expone su obra en Barcelona por primera vez, y al año siguiente inicia su trabajo en el estudio de Carlos Pellicer, con quien estuvo durante catorce años. Completó sus estudios con viajes a Londres, Bélgica, París y la Isla de Man, entre otros lugares. En los años sesenta vuelve a su localidad natal, donde se interesa de nuevo por lo paisajes del Vallés y del Mediterráneo, aunque no abandona sus grandes viajes por Europa, África, Costa de Marfil, Marruecos y Brasil.

Destacado coleccionista, en 1996 donó su fondo de arte al Ayuntamiento de Mollet, que creó tres años después el Museo Municipal Joan Abelló. Anexo al museo se encuentra la casa natal del artista, que desde 2002 acoge un taller de restauración y centro de estudios artísticos. Abelló inicia su trayectoria desarrollando una cierta tendencia impresionista, para a finales de los cuarenta iniciarse en el postimpresionismo sin perder vínculos con su lenguaje inicial, siempre con una explosión de colores aplicada con violentas pinceladas.

Años después su estilo irá evolucionando, practicando una pintura más matérica por influencia del informalismo, y acentuando su expresionismo sin dejar nunca la figuración. A partir de 1940, año en que realiza su primera exposición en su localidad natal, antes incluso de trasladarse a Barcelona a estudiar, Abelló celebrará exposiciones tanto en España como en Londres, París, Nueva York y Moscú. En 2002 fue nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi. Está representado en el Museo que lleva su nombre, además de en el MACBA de Barcelona, colección Courtauld de Londres, el Ashmolean Museum de Oxford, el Museo Vaticano, el Poldersmuseum de Bélgica y en el Legado Francesc Galí.

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SANVISENS MARFULL, Ramón (Barcelona, 1917 – 1987).
“Llançà”.
Óleo sobre lienzo. Reentelado.
Firmado en el ángulo inferior derecho. Con etiqueta al dorso de la galería La Pinacoteca, de Barcelona.
Medidas: 73 x 92 cm; 92,5 x 111 cm (marco).

Sanvisens inicia en 1933 su formación en la Escuela de Artes y Oficios del Clot, Barcelona, como discípulo de Domènec Soler. Dos años después ingresa en la Escuela de La Lonja de Barcelona, donde tuvo como maestro a Luis Muntané. Durante la Guerra Civil fue movilizado, pero al terminar la contienda retoma sus estudios en La Lonja, esta vez como seguidor de Monreal y Tejada, Miquel Farré, Francesc Labarta y Enric Monjo. En 1944 realiza su primera exposición individual, en las Galerías Españolas de Barcelona. Al año siguiente se traslada a París, donde estudió a Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Bonnard. En 1946 obtiene una beca para desplazarse a Holanda y estudiar a Rembrandt, Vermeer y Hals.

Regresa al cabo de un año a Barcelona y obtiene una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, de la que será nombrado secretario en 1971. En paralelo Sanvisens funda su propia escuela de arte, en el año de 1949. Ya plenamente consagrado, Sanvisens celebró exposiciones en destacadas salas de arte de Barcelona, como Barcino, Syra, Rovira, La Pinacoteca y Noucents, así como en Igualada, Sitges y la ciudad italiana de Bolonia. En 1986 se celebró la última exposición en vida del pintor, organizada por la Fundación La Caixa de Barcelona, muestra que se exhibió después en Madrid. Tras su muerte, en 1987, le fue dedicado un homenaje en el Círculo Artístico de Sant Lluc.

Su pintura, de carácter postimpresionista en sus inicios y siempre arraigada en las tradiciones catalana y francesa, fue evolucionando hacia un fauvismo con ciertos matices expresionistas. Conecta asimismo con el paisajismo colorista de Joaquín Mir, a quien conoció mientras pintaba paisajes en Gualba en 1940, para derivar después en un creciente protagonismo del color en la línea de los “fauves” franceses. A lo largo de su carrera obtuvo diversos reconocimientos por su obra, entre ellos las Medallas Masriera de Oro y de Plata y otros galardones en la Escuela de Sant Jordi y la Bienal de Arte de Montblanc. Actualmente Sanvisens está representado en los principales museos de Cataluña, entre ellos el de Arte Contemporáneo de Barcelona.

En este lienzo Sanvisens plasma un rincón de la localidad gerundense de Llançà, protagonizado por los intensos azules, verdes y blancos del paisaje de la Costa Brava. A estos tonos de base se suman toques de rojo, ocre y marrón, que aportan vibración a la escena. El pintor parte de un primer plano abierto, eliminando toda tensión espacial, en el que vemos a varias mujeres y niños que hacen una pausa en sus quehaceres diarios para charlar. Este espacio central se abre al fondo, entre los edificios de paredes encaladas, para mostrarnos la cercana orilla del mar, cuyos intensos tonos azules reflejan con naturalismo los colores del cielo.