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Written by Andrea Domenech

14 junio 2024

Elegancia atemporal

Subastas días 18, 19 y 27 de Junio

Elegancia atemporal

Invierte en piezas de joyería icónicas que nunca pasarán de moda

Los diseños effortless, eternos y elegantes son los indicados para tu día a día, una inversión inteligente y reflejo de tu estilo personal. Estas piezas esenciales tienen un propósito similar al de los básicos de tu armario-cápsula. Son versátiles, fáciles de combinar con cualquier atuendo, y sofisticadas como para elevar incluso el look más sencillo. Desde sortijas de diseñador, colgantes o riviéres de diamantes; estos tesoros atemporales estarán contigo toda la vida. Han trascendido al tiempo y las tendencias, alcanzando un estatus icónico que otorgan siempre un brillo inconfundible.

En nuestras próximas subastas Luxury Day de los días 18, 19 y 27 de junio podrás encontrar las joyas perfectas para empezar a construir tu joyero o para reponer o mejorar alguna de tus piezas estrella:

Rivière o tennis bracelet

La elegante simplicidad de una hilera de diamantes es lo que hace de esta joya una pieza imprescindible. Usada en solitario, o combinada con otros accesorios; con un vestido de cóctel y con tus jeans favoritos, añade un toque de sofisticación y glamour.

Lote 35316236. AUDEMARS PIGUET Criollas en oro amarillo

Criollas

Ninguna colección de joyas está completa sin al menos un par. Un diseño tan simple, de forma elegante y minimalista estiliza el rostro de quien los lleve. De mayor o menor tamaño, ovaladas o geométricas, rezuman calidez y alegría en cualquier estilismo, con potencial de convertirse en reliquia familiar.

Dormilonas

Un par de pendientes de diamantes en joyería equivale al “little black dress” que no puede faltar en tu armario: elegante, effortless y que realza cualquier look. No importa con qué los combines, aportarán luz a tu rostro de manera instantánea.

Lote 35352539 Dormilonas con diamantes de ca. 2,01 ct.

Sortija de firma

Diseños reconocibles y queridos al instante. Estas sortijas son piezas que se actualizan y mejoran cada vez que las llevas y que te levantan el ánimo cada vez que las miras. Su atractivo duradero hace de ellas una inversión segura.

Lote 35315979. Sortija CARTIER Maillon Panthère

Colgante

Cadenas finas con colgantes discretos y minimalistas. Su ligereza lo convierte en un accesorio versátil y personal, que no te querrás quitar ni para dormir. Elige el diseño que más vaya contigo.

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Últimas tendencias: nuevos paradigmas artísticos

Importante colección particular

En las últimas décadas y siguiendo el ritmo que marcaron las vanguardias, las corrientes artísticas emergen y se retroalimentan entre si con una rapidez fascinante, desdibujando los límites entre las diversas tendencias que han dado forma al paisaje artístico actual. La multiplicidad de perspectivas, influencias culturales y visiones individuales que conforman la práctica artística contemporánea, transluce mediante la infinidad de estilos y técnicas que, como ya nos planteara el arte conceptual, han revolucionado su propia noción. Artistas como Bernar Venet, Damien Hirst, Jan Fabre, Arne Quinze, David Lachapelle, nos abren la puerta a un universo tan íntimo como colectivo, que logra interpelar al espectador de tantas formas posibles como lo son sus interpretaciones. Lejos de representar los valores plásticos convencionales, el arte se encamina a través de un momento de ruptura hacia nuevos paradigmas que expanden sus límites más allá de sus tradicionales fronteras.

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De hecho, la irrupción del arte conceptual otorgó a la práctica artística una libertad, inédita hasta entonces, diluyendo las distinciones entre la vida y el arte y poniendo en cuestión dónde termina uno y empieza el otro. Asimismo, las fronteras entre disciplinas se tornan difíciles de dilucidar a consecuencia de la constante búsqueda de nuevos medios de expresión que encajen y reflejen la idiosincrasia de nuestro tiempo.

En este aspecto, la colección en licitación refleja de forma palmaria la naturaleza multidisciplinar de la práctica artística que se ha venido desarrollando en las últimas décadas, configurando un escenario que propicia el dialogo y el pensamiento divergente. Obras enigmáticas, comprometidas, retadores, satíricas, con tintes filosóficos y espirituales… más allá del eterno debate entre lo que es y no es arte, cada una de ellas está intrínsecamente unida a cuestiones que, como la publicidad, la religión, la ciencia, la cultura popular o la política han marcado la sociedad contemporánea. La amplia gama de medios que, desde la pintura y escultura hasta las instalaciones, el arte conceptual y la fotografía, encuentran una sólida y reveladora representación, se convierten no solo en un vívido testimonio de la evolución de la práctica artística, sino también de nuestra propia evolución como sociedad.

La colección y sus artistas

En el ámbito escultórico, las monumentales obras realizadas en acero de Bernar Venet, caracterizadas por una profunda investigación matemática y científica, son un lúcido ejemplo del puente que tiende el arte conceptual a la ciencia y a la naturaleza, instando a los espectadores a reflexionar sobre la intersección entre ellos.

La fascinante disparidad de propuestas creativas nos conduce hasta Jan Fabre que, como uno de los artistas multidisciplinares más influyentes de su generación, despliega en su obra un universo tan inquietante como seductor, donde insectos forrando objetos o provocadoras alegorías religiosas, aluden constantemente tanto a la dimensión del sujeto como a ideas vinculadas a la metamorfosis, la transformación espiritual y la naturaleza efímera de la vida.

La provocación y transgresión implícita en parte de la producción artística actual se materializa en artistas como Wim Delvoy, quien, sin duda, se ha convertido en una de las figuras más controvertidas a la vez que admiradas de las últimas décadas en el circuito contemporáneo. Ejemplo de ello es la obra “Birdhouse nº8”, en la que subyace una mordaz crítica hacia la desnaturalización que ha impuesto el hombre en el reino animal. De hecho, las cuestiones relacionadas con el reino animal serán objeto de interés para artistas que, como Koen Vanmechelen, han centrado sus investigaciones en los conceptos de hibridación entre especies para suscitar una reflexión en torno a cuestiones relacionados con la antropología, la bioética y la fatídica tentación del ser humano por jugar a ser Dios.

Por otro lado, y en respuesta a la industrialización y digitalización que ha definido los tiempos modernos, las técnicas tradicionales del arte textil han experimentado un resurgimiento como una forma de preservar y revitalizar tradiciones artesanales ancestrales. Este es el caso de la artista portuguesa Joana Vasconcelos, cuya producción se ha encaminado a reflotar técnicas artesanales que como el ganchillo son típicas de su país de origen.

Junto a ellos, artistas como Damien Hirst, Arne Quinze, Lori Hersberger, Jean Michel Folon o Gilbert and George reflejan la constante innovación y transformación que el mundo del arte ha experimentado en esta era y la forma en la que este es capaz de interpelar a la sociedad incidiendo e interpretando el contexto en el que se ha desarrollado.

El paisaje lírico de Fernando Zóbel

Uno de los artistas más en boga del panorama artístico actual

La brillante generación de Posguerra transformó la práctica artística de entonces en un espacio donde la pluralidad y riqueza creativa fueron un grito por la libertad. En este contexto, resulta imprescindible el trabajo de Fernando Zóbel cuya figura actuó como catalizador de la liberación artística en España. La excelencia de este periodo de posguerra ha sido respaldada por un reconocimiento internacional que en los últimos tiempos se ha visto incrementado gracias a una creciente presencia, tanto a nivel museístico como comercial. Síntoma de ello es el aumento exponencial que ha experimentado la cotización de artistas como Zóbel dentro del mercado del arte.

El reconocimiento del artista de origen filipino ha traspasado nuestras fronteras posicionándose como uno de los artistas en auge dentro del mercado internacional y muy especialmente en el mercado asiático. Gracias al momento de expansión que vive la economía asiática, el continente se ha posicionado como primera potencia dentro del mercado artístico, hasta llegar a romper con la hegemonía estadounidense. En lo que llevamos de año, Zóbel ha alcanzado magníficos resultados tanto en Europa como en Filipinas, demostrando y consolidando el idilio que vive con el mundo del coleccionismo. Sin duda, las cifras de Zóbel son la traducción de la calidad y visión con la que el genio aglutinó a toda una generación de artistas que, aún hoy en día, siguen siendo un referente de libertad y transgresión creativa.

Fotografía del catálogo de la exposición del ,Museo del Prado, 2023.

Todo en la trayectoria de Zóbel discurre en una evolución continua en la que los cambios fluyen de forma tan natural como imparable, del mismo modo en la que lo hace el caudal de un rio. Y precisamente inspirado por el rio Júcar, Zóbel se dedicó, a partir de los años 70, a experimentar con esa realidad del paisaje natural que reinterpretó desde una concepción abstracta. En ella encontró la expresión más pura de las impresiones y sensaciones que su contemplación despertaban en él.

Esta visión lírica de la realidad se traduce en lienzos como “Hocinos” de 1979 que desde Setdart presentamos en licitación. En él, las líneas sinuosas, pero precisas, se diluyen entre el cromatismo vaporoso y evanescente del fondo configurando, así, un espacio cuya estructura nos traslada a un paisaje evocador y poético.

De hecho, la obra ejemplifica el impacto que el descubrimiento del expresionismo abstracto, y en particular el de Mark Rothko, ejercieron en su evolución pictórica; empujándolo definitivamente al camino de lo abstracto. Sin embargo, el proceso creativo del que parten sus composiciones se opone a la concepción expresionista. Lejos de surgir de una gestualidad aleatoria y visceral son fruto de un planeamiento eminentemente mental. En sus obras cada elemento es ejecutado a partir de una planificación minuciosa de la superficie del lienzo gracias a la cuadricula prácticamente invisible con la que los cubre y estructura. Asimismo, Zóbel se aleja del dramatismo expresionista para basar su pintura en la desnudez de la línea y el movimiento, sugerido a través de sus trazos que cruzan el espacio y se entremezclan para envolvernos en una atmósfera en la que se respira el aire calmo del silencio. Este misticismo que desprende en cada trazo y cada mancha tiene su raíz en el profundo conocimiento de la cultura oriental y especialmente de la caligrafía japonesa, con la que Zóbel, sin necesidad de algún atisbo de representación, es capaz de evocar el carácter más sosegado y evanescente de la naturaleza. La impronta oriental se refleja también en la contraposición de valores o elementos opuestos, acercándonos a la filosofía del yin y el yang y a la búsqueda incansable del equilibro entre elementos contrarios, tan arraigada a su trayectoria. Sin lugar a dudas, estos nuevos conocimientos, enraizados en dos culturas lejanas y contrapuestas, son el germen del nacimiento de su estilo característico e inimitable, el mismo que le convertirá en el gran representante de la abstracción lírica española.

Lote ubicado en la sede de Setdart Valencia

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El poder transformador de las Segundas Vanguardias.

Importante colección particular

La colección en licitación nos introduce en las fascinantes Segundas Vanguardias de la mano de sus grandes protagonistas: Andy Warhol, Keith Haring, Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, Christo, Yves Klein o Nicky de Saint Phalle

Alrededor de la década de los años 40 arranca un periodo vibrante en la historia del arte cuya huella en el mundo de la creatividad ha ejercido un influjo decisivo en el futuro desarrollo de la práctica artística. Las Segundas Vanguardias trajeron consigo una segunda ola de innovación ruptura y transgresión que desde las Primeras Vanguardias nos conduce hacia un estimulante viaje por un siglo XX absolutamente transformador.

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Tras la Segunda Guerra Mundial y como no podía ser de otra manera, se inicia un periodo marcado por la miseria, y desasosiego. Los horrores de la contienda bélica hicieron estragos a nivel político y social pero también definieron los nuevos retos a los que la práctica artística debía enfrentarse. El proyecto utópico fallido de las vanguardias previas a la guerra y el vacío causado por la pérdida de referentes se tradujo en una nueva forma de representación dominada por un sentimiento de desgarro en el que el goce estético tal y como hasta entonces se había entendido, pierde su concepción tradicional. La crisis política y cultural que sacudió a Europa favoreció que la capital artística mundial que hasta el momento había sido Paris se desplazara hasta New York. Sin embargo y como transluce en esta colección, la polaridad entre ambos centros creativos dinamizó e incentivó la practica artística de este periodo fértil y creativamente intenso en el que los diferentes estilos y movimientos se sucedían a un ritmo frenético.

En este sentido, el conjunto que presentamos refleja y propicia el dialogo que se estableció entre las propuestas artísticas de ambas capitales. A través de artistas como Dubuffet y Sam Francis conectamos el informalismo francés con el expresionismo abstracto norteamericano, cuyo origen se cimenta sobre una misma base: la crisis existencial surgida del golpe moral que supuso la guerra. La necesidad de encontrar nuevas formas y códigos de representación que expresaran la alienación del ser humano y su pérdida de identidad los llevaron a mostrar un especial interés por le surrealismo en su concepción de la pintura como un acto psíquico. El inconsciente y la técnica del automatismo que ahora se manifiesta en el lienzo mediante signos y caligrafías de apariencia salvaje, definen por completo esta nueva concepción estética basada en las texturas, materiales y gestos, esa belleza que Dubuffet identificó como “una belleza otra” en la que la obra y su superficie se convierten en un símbolo de la imagen del mundo.

De forma paralela, el grupo COBRA representado dentro de la colección por artistas de la talla de Karel Appel o Pierre Alechinsky, vieron tanto en el arte primitivo de los niños y enfermos mentales como en el automatismo surrealista el ejemplo más auténtico de arte libre y original acercándose en este aspecto a la concepción artística de Dubuffet. Sin embargo, a diferencia de este último, sus obras son a menudo más viscerales debido al influjo que el expresionismo alemán ejerció en ellos.

Siguiendo con las expresiones artísticas abstractas y en pleno triunfo del expresionismo norteamericano, irrumpe en escena el Op Art con una premisa opuesta a la del expresionismo abstracto: mientras que en este último lo relevante era la relación entre artista y obra durante el acto de creación, figuras como Vasarely pusieron el foco sobre el espectador, quien con su acción de mirar completaba y daba sentido a la obra.

Como reacción frente a estos movimientos despojados de referencias externas, surgen a ambos lados del atlántico el Pop art y el Nuevo realismo. Mientras que el Pop, capitaneado por Andy Warhol, convirtió la trivialidad en un tema digno de tratamiento estético y la monumentalizó mediante la técnica de la ampliación reflejando los iconos de la cultura de masas de forma inteligente y crítica, el nuevo realismo de la mano de Yves Klein o Niki de Saint Phalle nació para reclamar el regreso a lo social y al ser humano como tema esencial del arte.

Artistas como Christo adscrito en un inicio al nuevo realismo, evolucionó hacia otros paradigmas creativos, como el Land Art, que nos demuestran una vez más el suelo fértil bajo el que se desarrolla el arte de la segunda mitad de siglo. Junto a su esposa, Christo trascendió los límites de las disciplinas tradicionales adentrándose de lleno en la fusión del arte con el entorno natural. Haciéndose servir de la naturaleza como lienzo, el matrimonio se unió creativamente para transformar nuestro entorno en escenarios extraordinarios creando instalaciones temporales que interactúan de forma armoniosa con la naturaleza circundante.

La efervescencia de esta etapa hizo confluir diversos movimientos que como el Street Art y el Pop Art ejercieron una influencia reciproca. Así como Warhol es considerado el rey del Pop Art, Haring fue sin duda el precursor y cabeza visible del Street Art. De hecho, ambos artistas se han convertido en un icono de la cultura newyorkina de los años 80 como “líderes” de una revolución cultural que llegó a definir toda una época. Sus vidas entrelazadas y su influencia mutua fueron sin duda el catalizador de una nueva ola dentro de la evolución de la cultura popular que definió a la perfección el espíritu de la sociedad de entonces.

En su conjunto, esta colección de arte de las segundas vanguardias es un testimonio del poder del arte para desafiar, inspirar y transformar. Cada obra es una ventana a un mundo de posibilidades infinitas, donde la imaginación es el único límite. Es un recordatorio de que el arte no solo refleja la realidad, sino que también la redefine.

Las alegorías y la opulencia barroca

Dos mujeres protagonistas de un universo creado para su deleite. Placeres dispuestos para el disfrute de dos sentidos; la vista y el gusto.

La composición de cada una de nuestras obras es clara, los personajes femeninos se disponen en el centro como un eje del que parte el escenario y el resto de los elementos. Cada uno de estos es sabiamente escogido para transmitir un mensaje, la vanidad y deleite que desembocan los sentidos. Las estancias donde se desarrolla la escena son gabinetes de curiosidades.

Por un lado el lote 35310192, la “kunstkammer” de un rico coleccionista que ha atesorado “la curación del ciego de Rubens” o una escultura en bronce del Rapto de Hipodamia además mesas repletas de joyas, conchas, relojes o monedas que ruedan hasta caer por el suelo. Esta exuberancia nos convierte en un personaje más del cuadro ya que estamos sintiendo un efecto similar de disfrute con su contemplación. La alegoría de la vista tiene dos sutiles detalles que trascienden a los tesoros materiales, uno seria la naturaleza que se manifiesta detrás de los muros de la estancia y los globos terráqueos donde se intuye el nombre de América en una clara alusión a todo el mundo que está todavía por ver y descubrir.

El gusto es un banquete que cuenta sólo con una invitada (lote 35310193). La dama ocupa un puesto de honor tan claro que todo cuando la rodea esta exhibido para que lo escoja. Cerca de una cuarentena manjares en el salón; piezas de caza penden del techo, frutas desbordando de la mesa, bandejas como la que porta el sátiro apenas tiene hueco sobre un mantel incapaz de contener tanta comida. Dos escenas se desarrollan en el fondo, una inerte con el cuadro del Banquete del Rico Epulón y una llena de vida y realismo, el almuerzo en una casa flamenca con convidados a la mesa, cocineros y criados en un ambiente de profunda cotidianeidad. Distintos mundos conviven en el mismo cuadro siendo la escena principal un derroche de exquisiteces.

¿Por qué toda esta opulencia? .¿Cuál es el mensaje que esconden las pinturas?. El lenguaje barroco empleado sugiere tanto un deleite de la contemplación de cosas bellas como un mensaje moralizante: arrastrarnos por los placeres de los sentidos puede consumirnos. La mejor manera de entender esta idea es a través de los monos que intercalan las escenas. De forma discreta interpretan un papel humano. Sus actitudes ridiculizan el propio comportamiento del hombre, la embriaguez, la gula, la vanidad entre otros pecados son puestos de manifiesto como una alerta para el espectador. El arte aquí puede jugar con nosotros y plantearnos dos caminos tras ver las obras: seguir el consejo del autor y huir de los excesos, o por el contrario dejarnos llevar por los placeres de los sentidos tras ser tentados por ellos.

De la Funcionalidad al Arte: la dignidad del mobiliario doméstico

Setdart reúne una importante selección de mobiliario

No es habitual que en una misma subasta seamos capaces de realizar un recorrido por la evolución del mobiliario de guardar y comprender sus adaptaciones a las necesidades domésticas. Desde el gótico hasta el periodo de Tous les Louis tanto la concepción del mueble como su aspecto cambia drásticamente, abandonándose a nuevos conceptos como el de confort o al mero lucimiento formal.

El noreste peninsular ha sido desde sus inicios unos de los núcleos más destacados en lo que al mobiliario se refiere. El lote 35346498, un arca gótica catalana del siglo XV es un ejemplo paradigmático del mueble que fue, hasta el siglo XVI, espejo del estatus de sus dueños. De gran base moldurada troncopiramidal, se caracterizan por una estructura de tableros ensamblados con lazos vistos de cola de milano sobre la que se aplican molduras simulando un bastidor, así como peinazos bajo la tapa. El frente, formado por dos o tres paneles (lote 35346500), presenta la que posiblemente sea la seña de identidad de las arcas fabricadas en Barcelona, esto es, un falso montante central tallado, calado y aplicado según la técnica conocida como “obra de Barcelona”.

Ya en el siglo XVI, el lote 35346501 habla de esa nueva tipología que habrá de convertirse en el mueble más representativo del Renacimiento y del Barroco: el escritorio. Si bien, especialmente a finales del siglo XVII, la función principal por la que fueron concebidos pasó a un segundo plano, gozando de un carácter casi exclusivamente de aparato, nacieron como una suerte de archivillo donde los señores depositaban los asuntos que estaban tratando de presente. El escritorio que nos ocupa, fechable en la segunda mitad del siglo XVI por sus relieves tallados de carácter manierista -los cuales pueden recordar en su carácter a los de la fachada de la Sacra Capilla del Salvador del Mundo de Úbeda-, cuenta con una tapa abatible en su frente, la cual se perderá en las décadas subsiguientes en pos del boato.

Lote 35346501. Bargueño renacentista, s. XVI.

Una nueva revolución tiene lugar a mediados del siglo XVII, pues una pieza, la cómoda, acaparará todo el protagonismo a partir del 1730, aglutinando tanto el simbolismo del escritorio como las funciones del arca y el baúl, aunque estructuralmente sea deudora de la cajonera de sacristía.

El lote 35346503, de hacia 1700, cuando la tipología aún estaba en proceso de asimilación, nos permite no sólo ver cómo la variante con tablero abatible fue otra de los caminos que tomó el mueble originalmente, sino entender las relaciones que entre Italia y España tuvieron lugar. Esa curva y contracurva que dibujan los filetes realizados en madera de limoncillo en los extremos de los cajones es posible verla en piezas catalanas, no necesariamente cómodas, sino mesas de escritorio, las cuales con facilidad pueden ser confundidas por sus homónimas italianas o viceversa.

Lote 35346503 . Cómoda con escritorio. Italiana, finales del s. XVII.

Avanzando en el XVIII es curioso comprobar las diferencias que pueden darse en dos piezas realizadas, posiblemente, en la misma década: el lote 35346499 y el 35346505. El primero es una cómoda italiana, de la región del véneto, del último cuarto del siglo XVIII, cuyo perfil de medialuna, trabajo de marquetería y tiradores la enmarcan dentro de un estilo neoclásico; por otro lado, el segundo es un armario catalán de la región histórica del Ampurdán, de pleno carácter rococó, fechado en 1782, tal vez construido como regalo de bodas a los cónyuges cuyas iniciales aparecen grabadas bajo el copete, estando este rematado por una granada, símbolo de fertilidad.

Lote 35346499. Cómoda italiana. Véneto, s. XVIII.

Lote 35346505. Armario catalán de l'Empordà, 1782

Las tendencias artísticas tardaban, por tanto, en viajar lejos de los principales núcleos, como podría ser Venecia, donde el reciente estilo neoclásico estaba ya plenamente asimilado, mientras que, en el Ampurdán, lejos de la cosmopolita Barcelona, y cercano ya al siglo XIX, seguía estando vigente un rococó cuyas rocallas hacía años habían sido denostadas por las alta esferas catalanas.

Finalmente, el siglo XIX, quizá sin la necesidad de reinventarse, opta por mezclar todos los estilos desarrollados en siglos anteriores, en una suerte de amalgama ecléctica que de la mano de la industria produce sin cesar. El lote 35248722, un entredós de Jean-Louis-Benjamin Gros de hacia 1850, combina, en ese sentido, el ornato del Luis XVI, con una tímida concavidad en los laterales que aporta ese movimiento del que se prescindió en las postrimerías del XVIII.

Lote 35248722. Entredós francés. Estilo Luis XVI, s. XIX.

Son más las piezas de guardar que complementan a las mencionadas, tipologías dispares de diferentes centros, con una calidad extraordinaria que hacen de esta licitación una buena oportunidad para hacerse con un pedazo de la historia del mueble europeo.

La Elegancia y el Virtuosismo del Mármol en la Escultura

Setdart dedica una subasta monográfica al virtuosismo del mármol

El siglo XIX fue el gran siglo de las Exposiciones, un canto al progreso industrial y a la globalización. Si bien Londres en 1851 con su primera Exposición Universal en el exprofeso Palacio de Cristal de Hyde Park se ha llevado el reconocimiento al ser el más conocido de estos eventos, fue Francia en 1798 quién inauguró esta tradición con la Exposición Industrial Francesa.

Exposiciones de Bellas Artes o de Artes e Industria fueron las que aglutinaron nuevas obras escultóricas o sobre lienzo, espoleando la creatividad de los artistas bajo el manto de la competitividad y beneficios económicos. Naturalmente la exposición de estas obras generaba debates entre los asistentes, dependiendo de la temática abordada, como podría ser la desnudez del cuerpo femenino. Uno de los aspectos más citados alrededor de los desnudos podría ser el efecto que estos provocaban en el espectador con relación a la moralidad.

Relacionada con este debate estaba la teoría de la castidad del mármol, es decir, una condición que las obras de arte poseerían y que las eximiría de ser percibidas desde el deseo sexual. Wincklemann o Mengs ya plantearon, en el siglo XVIII, la escultura entendida como representaciones ideales del cuerpo humano con un espíritu propio que no debía dar lugar a interpretaciones lascivas. Lo prístino del mármol de Carrara incidía en esta idea de pureza. Además, habría que diferencia entre el desnudo artístico y el desnudo anatómico, siendo el primero bello, de buen gusto, y el segundo realista, vulgar.

Lote 35268645. Atribuido a Antonio Frilli

Aclarado este punto es cuando se puede comprender correctamente la escultórica del mármol en el contexto del XIX y las piezas licitadas.

El lote 35360165 es uno de los lotes más antiguos de los subastados -junto con el busto del siglo XVI que corresponde al lote 35340542-, un interesante mármol de Dionisio acompañado de un can, del siglo XVIII, parcialmente perdido que sigue modelos grecorromanos, con un elegante contrapposto y dinámico cruce de piernas que crea una sinuosa línea a la altura de la cadera. Es un excelente ejemplo de la pervivencia de estos modelos que gozaron de una segunda juventud con el descubrimiento de Pompeya y Herculano hacia 1740.

Lote 35360165. Escuela italiana del s. XVII-XVIII, siguiendo modelos de la Antigüedad Clásica.

Lote 35340542. Escuela italiana del s. XVI-XVII

De Giuseppe Lazzerini, lote 35233500, es la pieza más interesante de la subasta, una representación de Pales, protectora de la tierra y del ganado doméstico. Lazzerini es un artista respaldado por el mercado, con remates recientes de hasta 35.000 euros, por lo que no es de extrañar el estimado de 30.000 a 40.000 euros de la escultura licitada en Setdart.

La diosa, parcialmente desnuda, con el busto descubierto, es buen ejemplo de lo expuesto con anterioridad con relación a la teoría de la castidad del mármol, quedando el sexo tapado de manera sutil por el drapeado, al igual que ocurre con la Venus del lote 35340545, aunque en este caso es el follaje, cincelado con gran maestría, el que nos impide ver las partes íntimas de la diosa. Se trata de una obra de marcado carácter neoclásico, inspirada no sólo en la escultórica grecorromana, sino en la obra “El Amor cautivo” del belga Charles Auguste Fraikin.

Pero no sólo del desnudo femenino y masculino vivió el siglo XIX, pues filósofos, oradores o políticos como Demóstenes -lote 35248749-, modelos de conducta para la sociedad decimonónica, encontraron su hueco en la producción de determinados artistas. Por citar a algunos personajes que vieron en Demóstenes una fuente de inspiración, tenemos a Henry Clay o a Georges Clemenceau, este último llegando incluso a escribir un libro sobre su persona.

Finalmente, en las postrimerías del siglo XIX y primer tercio del XX, el academicismo sufrió un duro revés al perder el favor de la nueva camada de artistas que encontraron la inspiración lejos de la tradición, fundamentada en los principios del clasicismo. Si bien todavía se encuentran piezas que beben de estos preceptos, como es el lote 35340398, del italiano Umberto Biagini, el periodo Art Decó encuentra en el racionalismo, la monumentalidad y la geometría los pilares sobre los que construir su expresividad. El lote 35268645 da buena cuenta de ello, pues lo que un siglo atrás era la reinterpretación del desnudo grecorromano bajo la lupa del academicismo, se torna en estos momentos en un enigmático hieratismo, casi de corte egipcio, que contiene los movimientos organicistas del modernismo de apenas veinte años atrás.

Estamos, por tanto, ante una subasta que pone el foco en la monumentalidad de la escultura, la castidad del mármol y los debates que este ha generado a lo largo del siglo XIX, con un desnudo que ha conseguido desligarse de los coercitivos cánones académicos para volar libre bajo el firmamento de las vanguardias del siglo XX.

Arte y Cultura del Extremo Oriente: Una Colección Privada a Subasta

Setdart presenta una importante colección privada de arte chino y del sudeste asiático.

Casi sesenta lotes donde escultura, elementos arquitectónicos, mobiliario y artes decorativas participan de un conjunto con vida propia, resultado de toda una vida dedicada al coleccionismo oriental. Al igual que en el siglo XVI aristócratas y reyes centraron sus esfuerzos en adquirir objetos inusuales para sus gabinetes de curiosidades, una suerte de coleccionismo renacentista impulsado por el mero afán de conocer, el siglo XIX y XX, como consecuencia de la prosperidad y el ocio, hizo que un mayor número de personas pudieran ser partícipes del coleccionismo, democratizándolo y enriqueciendo los campos que tocaba.

Si bien el coleccionismo de piezas orientales empezó ya en el siglo XIX, en parte espoleada por la forzosa apertura de Japón al extranjero mediante el Tratado Harris en 1858, los países del sudeste asiático quedaron rezagadas con respecto de sus vecinos del norte del continente, posiblemente debido a un desconocimiento de las culturas que se desarrollaron en Vietnam, Camboya, Laos, Tailandia o Birmania.

Durante el último cuarto del siglo XX se ha vivido, sin embargo, un incremento del interés por parte del mercado hacia estas culturas, principalmente por lo que supone la exploración de un terreno inexplorado que los coleccionistas han acogido de buen grado, interesándose por estas piezas y por la cultura que las engloba; nacieron, de esta manera, ferias especializadas que supieron poner en valor las obras, dándoles un lugar de importancia dentro del coleccionismo. Además, el aumento de las riquezas autóctonas en el siglo XXI, que buscan la repatriación de obras que salieron en los años 70 y 80, ha conseguido que el sudeste asiático no haya perdido el interés suscitado desde décadas atrás.

La colección que Setdart licita tuvo su germen en la década de los 90 del siglo XX, fruto del afán coleccionista de una persona que supo ver en el sudeste asiático una oportunidad, no sólo económica, sino intelectual, pues sumergirse en la vasta simbología oriental no es sencillo para la mente occidental, suponiendo todo un reto y un ejercicio de plena dedicación y estudio. Este interés por el arte no fue algo espontáneo, pues el ambiente coleccionista fue una constante en su hogar, con su padre dedicando sus esfuerzos también a otras áreas del coleccionismo.

Son muchos los lotes que podríamos destacar, sin embargo, vamos a centrarnos en unos pocos que representen su lugar de origen, creando así una red geográfica extremo oriental.

Del sur del estado del Rajastán, en India, destaca una pieza extremadamente rara por haber llegado hasta nosotros sin haber sido desmantelada: un altar o parikara jainí en mármol parcialmente policromado de los siglos X-XIII, lote 35315846. Normalmente este tipo de piezas, cuando aparecen en el mercado, lo hace por partes; el remate, un friso o alguno de los montantes. Sin embargo, el que el altar cuente con la mayoría de sus piezas es un hecho inusual, elevando la cotización de la pieza.

Lote 35315846. Parikara - altar Jainí; India, Sur de Rajasthan, Monte Abu; siglos X-XIII.

De China, como no podía ser de otra manera, hay una importante representación, aunque queremos destacar tres lotes, que si bien se licitan por separado son parte de un mismo conjunto. Se trata de tres cabezas de Louhan de los siglos XVII – XVIII, en piedra arenisca, que simbolizan el deseo, el amor y la alegría. Destacan por la expresividad de sus rostros, especialmente la representación de la alegría, con un marcado naturalismo que contrasta con el tamaño de los cráneos, dimensiones simbólicas que reflejan el grado de iluminación de los personajes, al igual que ocurre con la deidad Shou Lao.

Lotes 35315843, 35315843 y 35315844. Cabezas Luohan; China, Dinastía Qing, siglos XVII-XVIII

En Indonesia destaca una imponente pieza, lote 35315854, del siglo XVI realizada en arenisca blanca, del Imperio Mayapajit. Se trata de una Prajnaparamita, diosa budista del conocimiento trascendental. Una obra similar estuvo hasta 1978 en el Museo Nacional de Etnología de Países Bajos, año en el que fue devuelta al Museo Nacional de Indonesia, en Yakarta, donde se encuentra actualmente.

Lote 35315854. Prajnaparamita; Indonesia, Java central, periodo Majapahit, s. XVI.

De Vietnam son varias las obras que aparecen en la colección, pero destacamos el lote 35315849, una divinidad Champa del siglo XI. Las piezas de la cultura Champa, de un tiempo a esta parte, han proliferado en subasta, lo cual está directamente relacionado con ese interés suscitado en los últimos años.

Lote 35315849. Divinidad; Dong Duong, provincia de Quang Nam, Champa, Vietnam. s. XI.

En la vecina Camboya, de donde proceden también varios de los lotes, una cabeza de Vishnu del Imperio Jemer, siglos XVIII-XIX, en piedra pulida, lote 35315833. Es interesante señalar que el pulido del tercio superior de la escultura ha sido propiciado por el desgaste de manos tocando la pieza durante siglos, buscando la intercesión de la divinidad.

Lote 35315833. Cabeza de Vishnu; Camboya, Imperio Khmer, periodo pre Angkor, s. XVIII- XIX.

Finalmente, el Tíbet también tiene presencia en la subasta con varios lotes, aunque el que más interés suscita es el 35315878, una corona en plata repujada del siglo XIX. Este tipo de coronas eran portadas por los oráculos tibetanos cuando realizaban trances. Las figuras de bodhisattvas en su naturaleza más iracunda es a menudo representada por los cinco cráneos, representando cada uno de ellos a los cinco budas Dhyani o de la sabiduría.

Lote 35315878. “Oracle Crown”; Tíbet, s. XIX

El Legado de los grandes artistas del Siglo XX y XXI

Importante colección particular

Coleccionar arte es una de las actividades más apasionantes, complejas y enigmáticas que el ser humano ha desarrollado desde tiempo inmemorial. ¿Pero qué motivaciones mueven a un determinado individuo a dedicar parte de sus recursos vitales y económicos a la compra de arte de manera apasionante, constante y consciente?

En este aspecto, el extraordinario conjunto de más de 100 obras marcará un antes y un después en el mercado del arte nacional es un ejemplo paradigmático de una colección de arte contemporáneo, forjada a base de un minucioso trabajo de investigación desarrollado a lo largo de dos décadas con un ojo experto y una pasión y sensibilidad artística que translucen en cada obra. En este sentido, el artífice de haber atesorado este antológico conjunto de obras nos demuestra, una vez más, que cualquier buena colección que se precie debe ser entendida como un ente en continuo desarrollo que evoluciona a medida que nuestra comprensión, conocimientos e intereses lo hacen.

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De formación científica, pero con una intuición y espíritu creativo innato, nuestro coleccionista se inició en el apasionante sendero del mundo del arte contemporáneo a raíz de su crecimiento como profesional dentro del mundo de la publicidad. Sus viajes alrededor del mundo le brindaron la posibilidad de descubrir lo que él denomina “arte en movimiento”, aquel que, en mitad del bullicio y ritmo frenético de ciudades como New York, es capaz de transformar la vida cotidiana. De hecho, fue precisamente en la ciudad de New York cuando la visión a través de la ventanilla de su avión de los miles de pañuelo ondulantes de tonos azafranes que Christo había instalado en sus “Gates” de Central Park, hizo aflorar una necesidad de experimentar con el arte contemporáneo, que desembocó en su irrefrenable pasión por el coleccionismo.

Hablando con él, tomamos consciencia de la profunda significación que le otorga al hecho de coleccionar y, por tanto, de la trascendencia e impacto que el arte ha supuesto en su trayectoria vital. La epifanía que sintió tras su encuentro con la obra de Christo le hizo entender la capacidad transformadora del arte, cuyo poder trasciende lo meramente estético para incidir en las capas más íntimas de la psique humana.

En este aspecto, cada una de las obras meticulosamente seleccionadas encarnan una narrativa, una historia que espera ser descubierta e interpretada de nuevo con cada mirada, evolucionando constantemente a medida que nosotros lo hacemos. De hecho, la relación que se establece entre el arte y la ciencia a través de muchos de los grandes artistas que forman parte de la colección, es una muestra más del vínculo indivisible que para él existe entre la vida y el arte, actuando como dos caras de una misma moneda que se retroalimentan y enriquecen entre sí.

La colección, desarrollada en un marco temporal que abarca desde las segundas vanguardias hasta las expresiones artísticas más actuales es, en su conjunto, un fascinante relato del legado que artistas del calibre de Andy Warhol, Tom Wesselmann, Keith Haring, Christo, Jean Dubuffet, Karel Appel, Pierre Alechinsky, Peter Haley, Damien Hirst, Bernar Venet, o Jan Fabre han brindado a la historia más reciente. La amplia gama de medios que, desde la pintura y escultura hasta las instalaciones, el arte conceptual y la fotografía, encuentran una sólida y reveladora representación y se convierten no solo en un vívido testimonio de la evolución de la práctica artística, sino también en una evidencia de la propia evolución como sociedad.

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, una nueva etapa sacudió el panorama artístico: se iniciaban las segundas vanguardias y con ellas un periodo fértil y creativamente intenso en el que los diferentes estilos y movimientos se sucedían a un ritmo frenético. La crisis política y cultural que asoló Europa favoreció que la capital artística mundial se desplazara de París a New York. En este sentido, la colección que presentamos refleja y propicia el dialogo que se estableció entre las propuestas artísticas de ambas capitales. De la mano de artistas tan determinantes como Andy Warhol, David Hockney, Jean Dubuffet, Keith Haring, Sam Francis, Pierre Alechinsky, Victor Vasarely, Christo o Ives Klein iniciamos un apasionante viaje que nos introduce en el informalismo, siguiendo con el pop art, el arte cinético o el nuevo realismo hasta llegar a la irrupción del arte conceptual.

En las últimas décadas y avanzando al ritmo que marcaron las vanguardias, las corrientes artísticas emergieron y se retroalimentaron entre si con una rapidez fascinante, desdibujando los límites entre las diversas tendencias que han dado forma al paisaje artístico actual. La multiplicidad de perspectivas, influencias culturales y visiones individuales que conforman la práctica artística contemporánea, transluce mediante la infinidad de estilos y técnicas que, como ya nos planteara el arte conceptual, han revolucionado la propia noción de arte.

Los grandes iconos de Rolex

Luxury days

Rolex, la firma de relojería suiza, es casi con absoluta certeza una de las más célebres de la historia, reconocida por la calidad de sus creaciones y el savoir-faire que la caracteriza. Sus diseños representan una perpetua búsqueda de precisión, resistencia, lujo y excelencia. Desde sus inicios a comienzos del siglo XX, la marca estuvo ligada a las competiciones deportivas, siendo la primera en conseguir un reloj hermético que ponía a prueba los límites y la resistencia de la maquinaria.

En todos los ámbitos de la sociedad, encontramos a personajes célebres con distintos modelos de la reputada firma relojera. Desde Picasso o Andy Warhol, a Roger Federer o Michael Jordan, Ed Sheeran, Olivia Palermo, Victoria Beckham, Brad Pitt y Sofía Vergara.

Si eres un aficionado a los relojes, coleccionista, o buscador de tesoros que lucir en tu muñeca, en las próximas subastas “Luxury Day” de Setdart podrás pujar por auténticas joyas de la relojería. Contamos con una selección de los modelos más especiales de la firma Rolex.

Rolex Daytona 6263

Lote 35286556

El icónico Rolex Daytona 6263, es un reloj que combina la elegancia atemporal con la ingeniería de precisión. Este reloj ganó popularidad en la década de 1960 entre los entusiastas de las carreras y los conductores profesionales.

A pesar de que encontrar un modelo Daytona hoy en día en los catálogos de subastas no es extremadamente complicado, el modelo 6263 en oro amarillo de 18k es una de las últimas versiones de este icónico cronógrafo, una de las más buscadas y más difícil de conseguir. Está equipado con pulsadores atornillados para conseguir la resistencia al agua. Su impecable esfera negra y su bisel, contrastan con la caja en oro amarillo, convirtiéndolo en un reloj que irradia una sensación de sofisticación y opulencia

Rolex Green Dial Daytona Full Stickers 2023 “John Mayer”

Lote 35286557

El Rolex Daytona “John Mayer” es una obra maestra de la relojería, representando la opulencia y la precisión de la firma con su estética icónica. Adopta el nombre del músico y entusiasta de los relojes que tiene, como una de sus preciadas posesiones, este modelo.

Meticulosamente diseñado con una caja y bisel fijo con marcas taquimétrica, en resplandeciente oro amarillo de 18k, y una espectacular esfera verde que irradia elegancia. Encapsula a la perfección la esencia de Rolex: la insaciable búsqueda de la excelencia.

Rolex Submariner

Lanzado por primera vez en 1953, el Submariner fue el primer reloj de pulsera hermético que podía usarse bajo el agua. Rolex ha lanzado más de 20 versiones y sigue siendo uno de los relojes más populares del planeta. Su diseño icónico se ha mantenido prácticamente sin cambios durante casi 70 años. Se define por un bisel giratorio unidireccional, que se utiliza para contabilizar el tiempo transcurrido bajo el agua; una caja Oyster hermética, y una esfera con numeración con marcadores de puntos y bastones luminosos para facilitar la legibilidad.

Se ha visto tanto en las muñecas de numerosas figuras públicas, aunque quizá la más reconocida sea el agente secreto británico James Bond, que ha lucido varias referencias a lo largo de los años 60 y 70 en la gran pantalla.

Rolex Yatch-Master 40 Ref 126622

Lote 35311122

El modelo Yatch-Master, lanzado por primera vez en 1992, es la opción más lujosa para quienes buscan un reloj deportivo, resistente al agua con un diseño náutico. Considerado un reloj deportivo, tiene un bisel de sincronización giratorio.

Existe en una amplia variedad de metales y tamaños de caja, y varios estilos de pulsera y materiales de bisel. Comparte mucho con el Submariner, pero se acerca al acabado superior del Daytona. Es un referente de la firma, siendo increíblemente popular y buscado por su elegante diseño y su impecable calidad.

Rolex Oyster Perpetual Day-Date Vintage, año 1964

El Rolex Day-Date es uno de los relojes más icónicos de la firma, la fusión perfecta de lujo y funcionalidad. Presume de una precisión y fiabilidad excepcionales, impulsado por un movimiento automático, con un nombre que surge de su característica única de mostrar tanto el día de la semana como la fecha. Ha adornado las muñecas de innumerables líderes y personajes influyentes, como máximo símbolo de éxito y poder.

Este modelo 1803, del año 1964 es, a su vez, un reflejo de sofisticación y feminidad. Revestido con uno de los metales más raros utilizados por la firma, oro Everose, una variante del oro rosa elaborada por la relojera en su propia fundición, lo convierte en un ejemplar muy especial. Sólo el 8% de la producción de Day-Dates se produce en oro rosa. Disfruta del encanto de este icónico reloj y experimenta el legado de la artesanía Rolex en su máxima expresión.

Lote 35286555. Rolex Oyster Perpetual Day-Date Vintage, año 1964

Selena Gómez con Rolex Oyster Perpetual Day-Date

Meninas Madrid Gallery

La subasta benéfica de la colección Meninas Madrid Gallery

Las famosas meninas de Velázquez llegan a la casa de subastas Setdart; eso sí, reinventadas y reinterpretadas con la inspiración que Madrid evoca a diferentes artistas y celebridades y bajo el proyecto del artista Antonio Azzato.

Un año más, Setdart acogerá la subasta benéfica dedicada a estas icónicas esculturas que previamente han sido expuestas en diferentes espacios de la ciudad de Madrid, haciendo del espacio público un lugar de exhibición. En esta ocasión, serán 11 las Meninas que podrán ser adquiridas durante la subasta.

Meninas Madrid Gallery es una iniciativa artística que transforma las calles de Madrid en un museo al aire libre a través de reinterpretaciones escultóricas de la famosa obra “Las Meninas” de Diego Velázquez. Estas obras, de gran tamaño y diseñadas por artistas locales e internacionales, se colocan estratégicamente en diferentes lugares emblemáticos de la capital, convirtiéndose en puntos de interés cultural y turístico.

El proyecto se ha convertido en una tradición anual desde su inicio en 2018, atrayendo a visitantes de todas partes del mundo para disfrutar de esta expresión artística única y diversa. Además, cada edición presenta nuevas interpretaciones de las meninas, explorando una amplia gama de estilos, técnicas y temas, lo que garantiza una experiencia fresca y emocionante para los residentes y visitantes de Madrid año tras año.

Este año el proyecto cuenta con personalidades tales como Roca Rey, Tomás Páramo y María G. de Jaime, Critina Oria, Guitarcello y Vanesa Iacono, Natalia Jiménez, Ruth Fernandez, Beatriz Rodriguez Lobo, Edu Valcárcel, Pata de Gallo, Alberto Bueno y Úrsula Perez Ruiz. Lo que tienen en común todos ellos es su pasión por el arte y su deseo de contribuir a la rica tradición cultural de Madrid a través de sus diferentes propuestas.

Cada participante aborda temas distintos en su obra, como la identidad, la historia o la sociedad contemporánea, agregando así capas de significado y profundidad a sus piezas. Esta diversidad de enfoques y perspectivas asegura que Meninas Madrid Gallery 2024 sea una experiencia enriquecedora y estimulante para el público, invitando a reflexionar sobre el arte, la historia y la cultura de una manera más contemporánea.

El creador del proyecto, el reputado artista venezolano Antonio Azzato, ha dejado una marca indeleble en el mundo del arte contemporáneo con sus ideas imaginativas y provocativas basadas en las figuras icónicas de las meninas. Adquirir una de sus piezas exhibidas en las calles de la capital puede ser una oportunidad emocionante, y a la vez filántropa puesto que los beneficios serán entregados a la Fundación SOL (Safe Online), cuya preocupación nace de la protección de la infancia en internet, para lograr la seguridad y el bienestar de todos los menores en el entorno digital.

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Written by Andrea Domenech

24 abril 2024

Gucci: Más que una marca, un icono de moda

Gucci es sinónimo de un legado fascinante, historia viva de la moda casi un siglo después de su fundación.

Ofrecer exclusividad mientras se crea una cultura inclusiva, alternar productos clásicos y muy de moda y satisfacer las expectativas de los consumidores jóvenes tanto como sea posible, estos son algunos de los elementos estratégicos que sigue actualmente Gucci para conseguir un crecimiento explosivo que la está reposicionando con una amplia visibilidad y popularidad entre las nuevas generaciones. En este marco, Setdart presenta una subasta de 55 lotes de la icónica marca italiana en la que destacan los bolsos, objetos de culto y deseo para los amantes de la moda.

La historia de Gucci es una narrativa fascinante que se entrelaza con la evolución de la moda moderna. Desde sus modestos inicios en 1921 como una pequeña tienda de artículos de cuero hasta convertirse en una potencia global del lujo, Gucci ha mantenido una reputación impecable por su artesanía excepcional, su innovación inigualable y su estilo inconfundible.

El logo de las dos G entrelazadas proviene del nombre del fundador de la marca, Guccio Gucci, un joven florentino que, impresionado por el lujo, abrió en los años 20, en su ciudad natal, una tienda artesanal de bolsos, cinturones tricolor y mocasines trabajados en cuero de forma artesanal. Con la ayuda de tres de sus hijos –Aldo, Vasco y Rodolfo–, Guccio comenzó la expansión de la compañía abriendo sucursales en Milán y Roma. Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el mundo y la economía desperezándose, la marca comenzó su internacionalización estableciendo una sucursal en Nueva York.

Primera tienda Gucci en New York, año 1922.

Los productos de Gucci pronto se convirtieron en los favoritos de la élite italiana, y su estatus se consolidó cuando la realeza europea y las celebridades de Hollywood comenzaron a lucir sus creaciones.

A lo largo de los años, Gucci ha vestido a algunos de los nombres más influyentes del mundo del entretenimiento, la moda y la cultura. Desde Audrey Hepburn Grace Kelly, Elizabeth Taylor hasta Jacqueline Kennedy Onassis, las estrellas más brillantes han sido fotografiadas con los icónicos bolsos, zapatos y accesorios de Gucci, creando momentos que han quedado grabados en la memoria colectiva.

Jacqueline Kennedy Onassis con el bolso Gucci., 1970

Uno de los nombres más destacados es Tom Ford, cuya dirección creativa en la década de 1990 revitalizó la marca con su estética sensual y provocativa, redefiniendo la moda de la época y estableciendo a Gucci como un símbolo de glamour y sofisticación.

Tom Ford en el desfile de Gucci de 2004 de Milán

Lote 35359820. Gucci, Dionysus GG Supreme

Más recientemente, Alessandro Michele ha llevado a Gucci a nuevas alturas con su enfoque ecléctico y maximalista. Desde que asumió el cargo de director creativo en 2015, Michele ha transformado la marca con su estética extravagante y romántica, combinando elementos vintage con toques contemporáneos para crear una visión única de la moda que ha cautivado a una nueva generación de aficionados.

Lote 35359817. Gucci, Tote Ophidia GG Supreme Flora

La historia de Gucci está marcada por colaboraciones legendarias y momentos definitorios en la moda. En la década de 1960, el bolso “Jackie” se convirtió en un símbolo de elegancia gracias a su asociación con la icónica primera dama Jacqueline Kennedy. En los años 70, la marca introdujo el famoso patrón de doble G, que se ha convertido en un emblema de estatus y sofisticación.

Hoy en día, Gucci continúa siendo la elección preferida de las estrellas de cine, músicos, deportistas y líderes de opinión de todo el mundo. Sus diseños audaces, su artesanía impecable y su compromiso con la innovación han asegurado su lugar como una de las marcas más influyentes y admiradas en la industria de la moda.

Elisabeth Olsen con el bolso Gucci Sylvie

Desde las pasarelas hasta las alfombras rojas, los bolsos Gucci son un símbolo de estatus y estilo, una declaración de elegancia y distinción que trasciende las tendencias pasajeras. Con cada creación, Gucci nos recuerda que la moda es más que ropa y accesorios; es una forma de expresión, una manifestación de individualidad y un tributo a la belleza y la creatividad.

Esta subasta es un tributo a Gucci, una marca que ha dejado un sello indeleble en la historia de la moda.

Ryan Gosling en la nueva campaña de Gucci

Ecos del mundo clásico: Una biblioteca extraordinaria

Ecos del mundo clásico

Una biblioteca extraordinaria

“Yo hablo sólo conmigo y con mis libros”.

Con esta frase Plinio “el joven” manifestaba tanto su amor por la lectura como la importancia de esta en el desarrollo del conocimiento. El diálogo interno entre uno mismo y las ideas que nos proponen las páginas no es una mera conversación. El método socrático dentro de la filosofía clásica desarrollaba las ideas mediante la discusión y la puesta en duda de ellas.

Miles de años nos separan de los autores clásicos como Estrabón o Ptolomeo y, sin embargo, las ideas que propusieron han tenido un eco que aún pervive en nuestros días. Cambios de paradigma tan radicales, como la geografía en el caso del primero o de la teoría heliocentrista en el segundo, son hoy en día los pilares más básicos sobre los que se asientan algunos de los conocimientos más relevantes. La pasión por conocer el mundo y desvelar sus secretos gracias a la ciencia y la razón han definido el modo en que la humanidad progresa. No podríamos entender este desarrollo sin el poder de los libros. Si las ideas no se trasladan al papel estas pueden desaparecer o tergiversarse. Pongamos, por ejemplo, el caso de la mítica biblioteca de Alejandría.

Hacia el siglo IV A.C., la ciudad egipcia acogía no sólo un espacio donde se ambicionaba atesorar todo el conocimiento del mundo, desde manuscritos ancestrales egipcios a los últimos volúmenes de la filosofía griega, además, contaba con un espacio donde los científicos e intelectuales más prestigiosos del mundo heleno podían experimentar y estudiar, así como enseñar a las generaciones futuras. Gracias a este clima pudo Ptolomeo postular sus teorías y difundirlas hasta nuestros días. El ejemplar que presentamos a subasta es un reflejo de como ese pasado clásico ha tenido un impacto vital de forma continuada en nuestras vidas.

La protección del conocimiento a través de conformar una biblioteca o del coleccionismo de libros ha sido uno de los recursos más valiosos para el progreso. Si no hubiese sido por las bibliotecas antiguas, los autores clásicos no habrían transformado el mundo, y, sin las bibliotecas monásticas del medievo, todo ese conocimiento se habría perdido siendo imposible concebir la edad Moderna. Queda por tanto patente que todas las bibliotecas juegan en mayor o menor medida un papel fundamental en nuestra historia.

Una parte significativa de la colección que presentamos es el mundo clásico. Los autores griegos y romanos definen desde lo más profundo nuestra identidad cultural: Aristóteles, Ptolomeo, Estrabón, Plutarco o Plinio son, sin duda, los protagonistas de esta biblioteca. Los volúmenes que conforman el catálogo tienen un atractivo adicional, la fecha de impresión: el siglo XVI y el panorama del Renacimiento. Ejemplares como el incunable de la Historia Natural de Plinio dan fe de la relevancia del mundo clásico en uno de los periodos más fascinantes y claves del progreso humano. Les invitamos a recorrer una parte crucial de nuestra, a sumergirnos entre unas palabras que fueron escritas hace miles de años por las mentes más brillantes y a sentir la historia de una manera más vívida cada vez que pasamos a la siguiente página.

Grau Sala: el artista que no quiso sucumbir a las vanguardias

Desde finales del siglo XIX, Paris se convirtió el destino predilecto de una larga saga de artistas catalanes que, desde Casas y Rusiñol, hasta Miró y Clavé pasando por Nonell y Casagemas encontraron en la capital francesa el terreno fértil de una revolución artística que arranca con los impresionistas hasta culminar con las vanguardias.

En este aspecto, la convulsión que supuso la guerra civil para España precipitó el inicio de una nueva etapa migratoria, en la que Paris se erigiría como principal destino de un gran número de artistas afines al bando republicano. Gracias al carácter aglutinador que en términos de intelectualidad y creación artística definió la escena cultural parisina desde mediados del siglo XIX, la ciudad recibió un aluvión de creadores procedentes de toda Europa, que atraídos por el desarrollo artístico sin parangón que capitanearon las vanguardias, cumplieron con su deseo de abandonar las prácticas artísticas de una sociedad finisecular anclada en el pasado. Los ismos que se sucedían a un ritmo vertiginoso hicieron de Paris el sueño de cualquier artista, llegando a concentrarse en ella el mayor número de creadores por metro cuadrado de todo el mundo.

Antigua fotografía de Emlio Grau Sala junto a una de sus obras

De esta confluencia de artistas exiliados que, bajo la bandera de una absoluta libertad estética, se establecieron en Paris durante el periodo comprendido entre 1900 y 1940 nace la denominada escuela de Paris, cuyo nombre acuñado por vez primera en 1925 por el crítico de arte André Warnod, más que designar una corriente artística hegemónica, hace referencia a la posición de liderazgo que la ciudad alcanzó como capital mundial del arte occidental

Entre los múltiples artistas españoles cuya actividad se enmarca en la escuela de Paris, el de Emili Grau Sala es un caso especialmente singular. Lejos de sucumbir ante el dominio hegemónico de las vanguardias, Grau Sala rechazó adscribirse a cualquiera de los ismos que por aquel entonces gobernaban la escena artística internacional. Durante los 25 años que permaneció en Paris, desde su traslado al barrio de Montparnasse en 1936, jamás renunció a su estilo, defendiendo hasta las últimas consecuencias su fidelidad a una figuración colorista que pronto le dio a conocer como el sucesor del espíritu y los valores impresionistas.

En este sentido, las obras en licitación manifiestan la visión y actitud vital bajo la cual Grau Sala dio forma y vida a su arte. Al contrario que muchos de sus contemporáneos que como él, vivieron en pleno conflicto bélico, Grau Sala nunca ambicionó ser un cronista de su tiempo. De hecho, frente al horror de un tumultuoso contexto histórico, el artista de origen catalán construyó un auténtico canto a la vida en el que las escenas ociosas y cotidianas se tornan un auténtico refugio en el que aún queda espacio para la esperanza.

Lote 35306628 expuesto en Setdart Madrid

A través de sus pinturas embebidas en un hedonismo incondicional de naturalismo amable y poético en la estela de sus admirados Bonnard, Édouard Vuillard y Duffy, Grau Sala parece querer escapar de la realidad, recreando con cierta nostalgia un tiempo pasado y feliz, donde la vida aun podía ser un viaje de gozo. Con una pincelada ágil y un cromatismo intenso y vibrante que prescinde de los límites que impone el dibujo para dar cuerpo a las formas, el artista demostró una excelente capacidad a la hora de recrear la atmósfera elegante y vitalista de escenarios que, como los hipódromos, los espectáculos teatrales o los interiores domésticos, conformaron el corpus creativo más sobresaliente del artista. La delicadeza, gracia y finura que se desprende de ellos, sitúa a Grau Sala en la órbita de una pintura decorativa que con el postimpresionismo francés elevó sus valores plásticos a su máxima expresión.

En su obstinado propósito de construir una realidad antitética a los acontecimientos históricos, el artista nos brinda un universo creativo que bien podríamos extraer de alguno de los pasajes que Proust narra en su obra magna “En busca del tiempo perdido “de la que Grau Sala terminaría realizando una edición ilustrada.

Ni la Guerra Civil Española que lo mandó al exilio, ni la Segunda Guerra Mundial, ni la Francia ocupada por los nazis, ni el franquismo, ni la división del mundo en dos mitades irreconciliables pudieron oscurecer la obra de un artista que no cesó en su empeño de alcanzar un ideal basado en la captación armónica y lírica de la belleza, recordándonos que el lado más humano y bello de la vida también puede nacer y crecer en los tiempos más sombríos.

Próximamente en subasta...

Piezas icónicas de Diseño

Piezas icónicas de Diseño:

Setdart, en su próxima subasta de diseño programada para el 17 de abril, promete mostrar una exquisita variedad de piezas de renombrados diseñadores procedentes de diferentes rincones del mundo. Desde los países nórdicos hasta Francia, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos, Italia o España, esta subasta está destinada a cautivar a los entusiastas del diseño con sus diversas ofertas.

Arne Jacobsen, Charles y Ray Eames y Verner Panton entre otros

El movimiento de diseño escandinavo, celebrado a nivel mundial por su elegancia atemporal y funcionalidad, será uno de los protagonistas. Iconos de esta tradición, como Arne Jacobsen, Charles y Ray Eames, Verner Panton y Eero Saarinen, estarán representados con sus modelos vanguardistas. El diseño escandinavo, caracterizado por su simplicidad, honestidad y artesanía, resuena a los seguidores y coleccionistas de todo el mundo por su elegancia sobria y su enfoque en elementos esenciales, desprovistos de ornamentación innecesaria.

Entre los objetos destacados de la subasta se encuentra la icónica ‘Silla Swan’ de Arne Jacobsen, una edición especial creada para el 50 aniversario de Fritz Hansen. Esta pieza exclusiva con base giratoria de bronce fundido y pulido a mano, tiene un asiento ergonómico totalmente tapizado, el interior de cuero marrón chocolate y el exterior, de ante del mismo tono, detalles que acentúan su elegancia.

Lote 35253880. Arne Jacobsen. Swan Chair 50º Aniversario para Fritz Hansen

Otra pieza destacada es la Chaise Longue “Grasshopper”, Modelo FK-87, diseñada en 1967 por Preben Fabricius y Jørgen Kastholm. Este diseño elegante personifica la esencia del estilo escandinavo con sus líneas puras y su comodidad incomparable.

Lote 35286523. Preben Fabricius y Jørgen Kastholm

Desde Francia, nos llega la ‘Banquette’ de Charlotte Perriand, diseñada entre 1959 y 1967. Esta pieza, parte de una serie creada para los ejecutivos y el personal de la empresa minera “Miferma” en Mauritania, muestra el enfoque innovador de Perriand en el diseño de muebles funcionales.

Lote 35301986. Charlotte Perriand. Este lote está expuesto en Setdart Barcelona

Nombrando más diseños franceses, la divertida Silla ‘Ribbon’ de Pierre Paulin para Artifort añade un toque de fantasía a cualquier espacio y es una de las piezas preciadas, por ejemplo, en la colección de la Galería Nacional de Victoria en Melbourne. Así mismo, esta pieza icónica tuvo su lugar estelar en la pequeña pantalla al formar parte del attrezzo de Star Trek. Concretamente, apareció por primera vez en el episodio “The Cloud Minders”, donde esta silla se utiliza para indicar el alto estatus de la clase más acomodada e influyente.

Pasando a los diseños italianos de vanguardia, presentamos la Butaca ‘Elda’ de Joe Colombo. La versión ofrecida en nuestra subasta es una primera edición bellamente restaurada en terciopelo verde vibrante. Esta pieza icónica, sinónimo de la estética de la era espacial, hizo su debut en la gran pantalla en la película de James Bond “La espía que me amó” (1977) y es famosa por su diseño retro-futurista inspirado en cascos de barcos de fibra de vidrio. El uso innovador de materiales y el diseño ergonómico de Colombo hacen que la Butaca Elda sea tanto visualmente impactante como excepcionalmente cómoda.

El mobiliario de diseño de la segunda mitad del siglo XX es un éxito en las subastas internacionales ya que se distingue por su creatividad y originalidad. Los diseñadores de esta época desafiaron las convenciones establecidas y experimentaron con formas, materiales y técnicas de fabricación. Sus piezas icónicas se han convertido en símbolos del diseño moderno y son altamente valoradas por su belleza y funcionalidad.

Se trata de piezas que reflejan los cambios sociales, económicos y tecnológicos de la época. Estas piezas capturan la estética y el espíritu de su tiempo, desde la era del optimismo y la innovación de la posguerra hasta la experimentación y el activismo de la década de 1960 y 1970. Como resultado, estas piezas tienen un valor intrínseco como objetos históricos que cuentan cómo era el mundo en el que fueron creadas.

Otro factor importante que contribuye a su éxito es su exclusividad y rareza. Muchas de estas piezas fueron producidas en cantidades limitadas o incluso como prototipos únicos, lo que las hace altamente codiciadas por coleccionistas y entusiastas del diseño. El hecho de que sean difíciles de encontrar aumenta su valor en el mercado de subastas, donde los compradores están dispuestos a pagar precios elevados por la oportunidad de poseer un objeto único y significativo.

En resumen, el éxito del mobiliario de diseño de la segunda mitad del siglo XX en las subastas internacionales se debe a su innovación estética, su relevancia histórica y cultural, y su exclusividad y rareza. Estas piezas no solo son objetos de belleza y funcionalidad, sino también testimonios tangibles de la creatividad y la visión de los diseñadores que las crearon, lo que las convierte en inversiones valiosas y apreciadas por generaciones venideras.

Le Grand Tour: La fascinación del viajero

Setdart licita una interesante colección de bronces procedentes de las colecciones de los viajeros que recorrieron las principales capitales europeas en el siglo XIX. Más de cincuenta lotes se dan cita para saciar nuestras ansias exploradoras.

Si uno hubiera sido aristócrata en los siglos XVIII o XIX habría podido completar su formación con un periodo de viajes (entre ocho meses y ocho años) por el continente europeo. Al cumplir los 21 años, acompañado de un tutor, y con Italia como destino clave, habríamos aprendido sobre política, cultura y, como no, de arte.

A nuestro paso por Francia hubiésemos ido directos a París, donde recibiríamos clases de francés, equitación o esgrima, codeándonos con la sofisticada sociedad parisina, lo que nos ayudaría sobremanera para refinar nuestros modales y hacer gala de nuestras nuevas habilidades de vuelta a casa.

Ni que decir tiene que en Roma habríamos sido víctimas de un síndrome de Stendhal y, una vez recuperados, caídos en el irrefrenable deseo de adquirir para nuestras colecciones modelos en bronce de cuantas maravillas en mármol nos hubieran dejado sin aliento a nuestro paso por la península italiana. Estas soberbias piezas son el fruto de una fascinación por el arte grecorromano y, con el deseo de poseer un trocito de la historia de Occidente, artistas del bronce pusieron toda su destreza en emular la escultura del pasado, cenit de la creación artística.

Lote 35254038. Busto italiano de mármol blanco del Joven Augusto, s. XIX.

De entre las piezas que se licitan en esta subasta destacan algunas que beben directamente de modelos arqueológicos de la antigüedad grecorromana, como pudiera ser el lote 35253998, el cual representa a la Venus Calipigia, cuyo original fue desenterrado en Herculano en el siglo XVIII y, en la actualidad, descansa en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. Otro buen ejemplo de estas reproducciones lo encontramos en el lote 35254024, esta vez con Diana Cazadora, cuyo modelo original proviene de un bronce griego del siglo IV a. C. Las parejas de bustos, como el de Diana y Apolo, tuvieran también una muy buena acogida entre los coleccionistas, en ocasiones versionando piezas de mayor tamaño y de sobra conocidas, como el Apolo de Belvedere en un formato menor, lo que bien podemos ver en el lote 35254004.

Lote 35253998. Escultura de bronce patinado Grand Tour de Venus Callipigia.

Lote 35254024. Gran escultura de bronce Grand Tour de Diana cazadora, s. XIX

Lote 35254004. Pareja de bustos de bronce patinado Grand Tour de Apolo y Diana, Siglo XIX

Pero no sólo de escultura vivieron los broncistas del XIX, pues las artes decorativas fueron a su vez proveedoras de modelos altamente exitosos. Uno de los más fecundos fue el Vaso Warwick, representado en nuestra subasta por los lotes 35254014 y 35254011.

Lote 35254014. Jarrón italiano Grand Tour Warwick en bronce patinado y dorado. Finales del s. XIX.

Lote 35254011. Pareja de jarrones de bronce patinado Grand Tour Warwick. Siglo XIX.

Gracias a este tipo de piezas los más distinguidos viajeros pudieron llevar consigo verdaderas obras de arte creadas por los mejores artistas del momento, recuerdo de su inolvidable estancia, una suerte de memorias que, más de un siglo después, cuentan con una entidad propia, pues nos hablan de experiencias que configuraron el pensamiento de las élites europeas de los siglos XVIII y XIX y que, hoy, pueden ser adquiridas por cualquiera de nosotros para seguir escribiendo su propia historia en las colecciones contemporáneas.

Sol Lewitt: del minimalismo al arte conceptual

Sol Lewitt, representante fundamental del minimalismo y uno de los padres del arte conceptual, se convierte en uno de los protagonistas estrella de la subasta del próximo día

Sol Lewitt llegó a New York en 1953, momento en el que el expresionismo abstracto se posicionó como el movimiento artistico por excelencia de la cultura americana. Sin embargo, y a raíz de sus primeros trabajos como diseñador gráfico en colaboración con arquitectos como I.M Pei, Lewitt sintió que el expresionismo abstracto había agotado ya todas las posibilidades creativas que podía ofrecer, y que, por tanto, se había convertido en un movimiento encorsetado y obsoleto.

Fue en este contexto cuando Lewit entra en contacto con las nuevas corrientes artísticas que, como el minimalismo de los años 60, impulsaron una nueva concepción del arte completamente alejada de los postulados expresionistas. En este sentido, el corpus creativo del artista estadunidense adquirió un papel absolutamente crucial en la definición y expansión de los principios estéticos que definieron esta corriente artística, que como bien sugiere su propio nombre, se fundamentó en la extrema simplificación de las formas, la reducción de los elementos a lo esencial y el empleo de materiales industriales, logrando con ello despojar la obra de cualquier connotación emocional.

De hecho, una de las contribuciones más significativas de Lewitt al arte minimalista fue su uso de la geometría básica y las formas simples, como líneas, cuadrados y cubos. Estos elementos se combinaban de manera sistemática para crear composiciones abstractas que exploraban la relación entre forma, espacio y color.

Este es el caso del monumental gouche en licitación perteneciente a la serie “Lines in all directions”. En él, Lewitt explora la repetición y variación cromática de una simple línea que, entrelazándose en distintas direcciones, da como resultado un complejo entramado, mediante el cual el artista nos insta a reflexionar sobre la percepción de lo aparentemente sencillo.

La obra, que a diferencia de otras fue enteramente realizada por el propio artista, es en definitiva la manifestación tangible de su pensamiento, en el que las ideas que preceden a la ejecución se convierten en la auténtica obra de arte, asentando con ello, las bases del desarrollo futuro del arte conceptual.

En este aspecto, el enfoque de Lewitt hacia el arte como un proceso intelectual y conceptual en el que la materialización de la obra no tenia porqué llevarla a cabo su artífice, puso en jaque la noción tradicional de autoría, cuestionado la idea de originalidad en el arte.

Desafiando las convenciones del arte, Sol Lewitt marcó un antes y un después en el desarrollo del arte contemporáneo, influenciando a las generaciones posteriores de artistas que aún hoy en día siguen inspirándose en el legado de este creador que cuestionó nuestra comprensión del arte y su significado.

Alta joyería: Lujo y trascendencia

Las firmas de lujo y las casas líderes en el sector están apostando más que nunca por la alta joyería, aprovechando un mercado en constante crecimiento. Al adentrarnos en este fascinante universo, es crucial comprender que la creación de una joya es un proceso meticuloso que demanda un nivel excepcional de habilidad y experiencia. Además, el prestigio y la reputación de una firma juegan un papel fundamental en la valoración de sus creaciones. Nombres emblemáticos como Tiffany & Co, Cartier o Van Cleef & Arpels representan la esencia misma de la exclusividad y la excelencia, lo que intensifica el deseo por sus piezas de manera exponencial.

Tiffany & Co se erige como una de las firmas más icónicas en el universo de la alta joyería, siendo aclamada por la prensa neoyorquina como “el Rey de los Diamantes”. Fundada por Charles Lewis Tiffany en 1837, su visión original era proporcionar joyería única y artística, colaborando con destacados diseñadores internacionales como Elsa Peretti o Paloma Picasso. La legendaria película “Desayuno con diamantes”, donde Audrey Hepburn deleitaba a la audiencia mientras devoraba un croissant frente al escaparate de la tienda de Tiffany en la Quinta Avenida de Nueva York, cimentó su estatus como un auténtico ícono mediático. Entre las joyas que Hepburn lució en las imágenes promocionales de la película, el Tiffany Diamond destaca con uno de los diamantes amarillos más grandes de la historia, de un valor incalculable.

Si anhelas una sortija de Tiffany & Co con un deslumbrante diamante Fancy Yellow, aunque quizás algo más modesto que el de Audrey en “Desayuno con diamantes”, te garantizamos que te dejará sin aliento. Esta exquisita pieza estará disponible en la colección de joyas que se subastará el próximo mes de abril en Setdart.

Cartier ha sido un símbolo eterno de lujo y elegancia. Desde su fundación en 1847, ha sido el referente de la élite, creando joyas magníficas dignas de reyes, reinas y estrellas de cine. Siempre fiel a su principio de fusionar tradición e innovación, Cartier ha evolucionado hacia la creación de piezas más lúdicas, alejándose de la suntuosidad propia del siglo pasado.

La colección LOVE es una de las más emblemáticas de la firma, nacida del genio del diseñador Aldo Cipullo en 1969 con un brazalete rígido compuesto por dos mitades en forma de “C” que se unen con tornillos en miniatura. Este diseño simple y versátil encarna la esencia del amor y el compromiso inquebrantable, inspirado en los cinturones de castidad medievales, que requerían la intervención de otra persona para colocarlo o quitarlo. Cartier, pionera en el uso de celebridades para respaldar marcas, obsequió las icónicas pulseras a veinticinco parejas influyentes, como Sophia Loren y Carlo Ponti. Hoy en día, la “LOVE” sigue cautivando corazones y continúa siendo un éxito de ventas para la firma, como lo fue hace medio siglo. Ha sido vista en la muñeca de numerosas personalidades, incluyendo la de la Princesa Diana, Meghan Markle, Jennifer Aniston y Kylie Jenner, entre otras.

Si anhelas lucir en tu muñeca una de las piezas más emblemáticas de Cartier, no te pierdas la oportunidad de pujar por la espectacular pulsera LOVE en oro blanco de 18 quilates, con diamantes, talla brillante, en nuestra próxima subasta de abril.

En Setdart, nos enorgullece presentar en cada subasta una selección exquisita de las mejores firmas de alta joyería. Si compartes nuestra pasión por las grandes marcas, te invitamos a participar en nuestro evento Luxury Day el 8 de abril, donde tendrás la oportunidad de pujar por joyas de renombre mundial, incluyendo piezas de Cartier, Bvlgari y Tiffany & Co.

Woman aflame, la última de su estirpe. Dalí y sus alegorías del inconsciente

Woman aflame, la última de su estirpe. Dalí y sus alegorías del inconsciente.

Setdart brinda una ocasión única para adquirir el monumental bronce realizado por Salvador Dalí “Woman aflame” expuesta actualmente en el MOCO Museum de Barcelona. La pieza, que cuenta con tan solo 8 ejemplares numerados, un evento excepcional dado las escasas ocasiones en las que un bronce daliniano de esta envergadura e importancia sale al mercado.

En Spleen II, uno de sus poemas recopilados en Las flores del mal, Baudelaire habla de un mueble lleno de cajones que ocultan gavetas que, a su vez, esconden cajones aún más pequeños. Para el poeta francés este viejo secreter es una metáfora de una mente llena de recuerdos y secretos anidados unos dentro de otros, pero también de los múltiples compartimentos en los que se fragmenta un solo temperamento: “un gran mueble de cajones atiborrado de facturas, versos dulces, esquelas, procesos, romances… Con abundantes cabellos enredados en recibos, oculta menos secretos que mi triste cerebro”.

Las cajoneras fueron también para Dalí metáforas de la complejidad de la psique. Su inspirador, sin embargo, no fue Baudelaire sino Freud, quien se erigió como el gran lucero de todos los surrealistas. En La interpretación de los sueños presenta la imagen del mueble con cajones como trasunto del inconsciente y de su tendencia a ocultarse.

El genio ampurdanés pintó su primer Escritorio antropomórfico en 1936, año en que llevó a cabo una de sus obras más celebradas, La Venus de Milo con cajones. Al año siguiente pintaría el emblemático óleo La jirafa en llamas, donde la iconografía del motivo freudiano se enriquece con ominosas connotaciones vinculadas a la difícil situación política que estaba atravesando el país.

Casi cincuenta años más tarde, Dalí realiza una escultura monumental en la que retoma el tema de la mujer con cajones con el fin de establecer nuevos diálogos con su propio pasado y, al mismo tiempo, experimentar con las posibilidades técnicas e ideosincráticas de un bronce a tan gran escala: Woman Aflame (1980) es una clave de bóveda del surrealismo daliniano de la última época.

En esta subyugante escultura, quedan sintetizadas algunas de las obsesiones dalinianas más íntimas, que al sobredimensionarse en un bronce monumental, adquieren nuevos significados. El imponente cuerpo femenino se curva a la altura del torso doblándose hacia atrás y cubriéndose los ojos con la mano derecha, extremando el gesto de desorientación y pérdida que ya estaba presente en la figura de La jirafa en llamas. Confluyen en la estatua los elementos del fuego y los cajones como símbolos premonitorios y psicológicos. La llama aquí no sale de una jirafa sino que repta como crestas de dragón por una pierna torneada, por cuya parte frontal se suceden los cajones del “guardarropa antropomórfico”, como lo denominó el propio Dalí. “Sólo el psicoanálisis puede abrir esos cajones secretos”, decía Dalí siguiendo a Freud.

En el cuadro del Museo de Basilea el fuego se vinculó a la guerra civil española y a la premonición de la Segunda Guerra Mundial. En esta pieza monumental de 1980, en cambio, cabe vincularlo con el erotismo y la pasión insatisfecha, en relación a los problemas confesados por el artista de su impotencia sexual.

Asimismo, las muletas que sostienen la espalda de la musa (otro puntal básico del imaginario del artista surrealista) sugieren sentidos ambivalentes, pues son anclajes frágiles con la realidad y al mismo tiempo formas de acceder al subconsciente.

En cuanto a la técnica, el bronce presenta un acabado de gran calidad, apreciable en el modelado y las texturas. El vestido se adhiere al cuerpo, emulando la técnica griega de los paños mojados, dotando de sensualidad las curvas y de poder enigmático a la alegoría daliniana.

La licitación de Woman aflame es, por tanto, un acontecimiento de total relevancia para todos aquellos coleccionistas apasionados por el universo único e incomparable que el genio de Figueras dio a luz.

Simbolismo oriental: sencillez y elegancia

Setdart presenta una completa subasta con una gran variedad de lotes orientales. China, Japón, Camboya, Tailandia o Laos están entre los lugares representados, con importantes piezas que repasamos a continuación.

Parece que cuando se presenta una subaste de arte oriental, la cultura china ha de ser la que más obra aporte debido, en parte, a su ingente éxito desde hace siglos en Europa y Estados Unidos. De un tiempo a esta parte, sin embargo, el arte del sudeste asiático ha conseguido abrirse un hueco en el mercado internacional, con remates millonarios, por ejemplo, dentro de la Dinastía Jemer, citando algunos de los territorios que orbitan alrededor del gigante chino.

En Setdart también hemos querido hacernos eco de esta pluralidad, atendiendo toda la demanda que occidente requiere de oriente, como siglos atrás, por lo que vamos a realizar un breve recorrido de algunas de los lotes de mayor calado que saldrán a subasta el mes que viene.

China es, como no podría ser de otra manera, el gran protagonista, esta vez con piezas en cloisonné y porcelana que van desde el periodo Wanli hasta el periodo Tongzhi, ya en el siglo XIX.

Lote 35246182. Pequeña taza de la Dinastía Ming. China, 1573-1620

Comenzamos cronológicamente con el lote 35246182, pieza del periodo Wanli, notable tanto por la procedencia, pues cuenta con etiqueta de John Sparks, uno de los más importantes comerciantes de arte oriental en Inglaterra en el siglo XX, como por su técnica, conocida como trabajo del diablo o ling long (exquisito en mandarín). Esto es debido a la grandísima habilidad que requería por parte del artífice, tanto el cortar la pasta como su cocción posterior, para crear la intrincada retícula que podemos hoy contemplar por todo el depósito.

Lote 35310166 expuesto en Setdart Madrid

Lote 35310167 expuesto en Setdart Madrid

Avanzando hacia el periodo Qianlong topamos con los lotes 35310166 y 35310167, dos importantes piezas realizadas en esmalte cloisonné. Sobre una base de bronce, los esmaltes en polvo, que tras la cocción y su fundición darán colorido a la superficie, quedan separados por filetes metálicos conformando celdas. Finalmente, todo se lija y pule para dar homogeneidad a la obra, dorándose con posterioridad los filetes. Lo relevante de la pareja de jarrones es, precisamente, que hayan llegado hasta nosotros sin haber sido separados a lo largo del tiempo, práctica habitual producto de los infortunios del tiempo. Además, cuenta con una representación cargada de simbolismo, como es la de shou dai niao o pájaro con banda de seda, un juego de palabras habitual en la cultura china, pues shou dai vendría a significar algo así como banda de seda, mientras que shou significa, a su vez, longevidad. Además, cuando se combina con narcisos o shou xian, funciona a modo de pictograma, pues es una manera de desear longevidad y plena vida a toda una generación de una misma familia. Si hablamos del loto la cosa se complica aún más, pues cuenta con multitud de significados, nuevamente, como consecuencia de complejos juegos de palabras. En este caso, tanto en la pareja de jarrones como en el incensario, la flor de loto, símbolo de belleza y pureza, pues nace del lodo y sale a la superficie, aparece acompañada de zarcillos y semillas o lian zi; zi significada, a su vez, hijos, de manera que su representación torna en deseo para su poseedor de tener múltiples descendientes.

Lote 35310170. Jarrón; China, Dinastía Qing, Periodo Tongzhi, 1862- 1874.

Continuamos hacia el siglo XIX y otra de las piezas más relevante de la subasta aflora: el lote 35310170. Su interés radica en el vistoso esmalte que domina el fondo de la pieza, conocido como powder blue. Originado en el siglo XV, durante el periodo Kangxi fue imitado, buscando un efecto similar soplando el polvo de azul cobalto sobre la superficie sin cocer, vidriándose posteriormente. La decoración está realizada con polvo de oro, representándose dragones, símbolo imperial, buscando la perla de la sabiduría, entre nubes ruyi y hongos lingzhi, los cuales, cuando aparecen juntos, simbolizan el deseo de conseguir la inmortalidad. Todo esto parece cobrar más sentido cuando vemos la inscripción en la base del jarrón y descubrimos que la porcelana fue concebida como regalo al patriarca de la familia.

Lote 35358681. Figuras de Basara Taisho y Sanchira Taisho. Japón, periodo Edo, siglos XVII-XVIII

Abandonamos, ahora sí, China y nos dirigimos hacia el este, a Japón, en busca del lote 35358681, una pareja de impresionantes esculturas en madera de los siglos XVII-XVIII, todavía con parte de la policromía original. Representan a Basara Taisho y a Sanchira Taisho, dos de los doce generales protectores de Bhaisajyaguru, el buda de la medicina. Esta guardia no es más que yakshas o espíritus de la naturaleza que se consagraron al doctor tras escuchar uno de sus sutras.

Finalmente, dirigiéndonos al sur, llegamos a Laos, Tailandia y Camboya, con los lotes 35358688, 35358652 y 35358437, respectivamente. Aquí cabe destacar la escultura de Buda de la cultura Jemer, fechable en el siglo XIII d. C. Realizada en piedra arenisca, material en que suelen estar talladas este tipo de piezas, supone una importante adhesión al catálogo de la subasta pues, como veníamos comentando, están consiguiendo importantes remates y suponen una interesante inversión de cara al futuro.

Lote 35358688. Pareja de maquetas de pagodas de Laos con 2 budas del reino de Lan Na, s. XIX

Lote 35358652. Dos fragmentos de Ushnisha, Rattanakosin. Tailandia, s. XIX.

Lote 35358437. Buda. Cultura Khmer, s. XII d.C.

Son muchos los lotes que nos dejamos en el tintero, pues estamos ante una subasta con importantes obras que consideramos cubren con nota gran parte del espectro geográfico del territorio oriental, siendo difícil tratar todas con la profundidad que se merecen. No obstante, estamos seguros de que cosecharán un buen resultado, ya que cuenta con una amplia gama de piezas para los diferentes tipos de coleccionista, abarcando un buen repertorio.

Los felices años 20: Colección privada de Art Nouveau y Art Decó

Setdart presenta una importante colección privada enfocada en el primer tercio del siglo XX. No es habitual licitar extensas colecciones dedicadas a periodos tan concretos de la historia del arte. En este caso, dentro de ese inicio de siglo, encontramos pintura, escultura, cerámica y vidrio de las más relevantes manufacturas europeas.

Divida en tres bloques, con más de quinientos lotes en total, esta colección nos permite recorrer las tendencias artísticas que tuvieron lugar a comienzos del siglo pasado, años de notables cambios estilísticos que trajeron de vuelta técnicas y materiales de épocas pasadas, con el vidrio como gran protagonista.

En pintura destaca la figura de Celso Lagar, con un óleo sobre cartón y tres dibujos sobre papel; así como un óleo sobre lienzo atribuido a Eugenio Lucas Velázquez. La obra del salmantino es una vista de puerto, temática recurrente en su producción y que goza de buena acogida entre los coleccionistas, con remates, en los últimos diez años, que suelen oscilar entre los 3.000 y los 9.000 euros.

Celso Lagar. Lote 35309596 expuesto en Setdart Madrid

En cuanto al goyesco Eugenio Lucas, habitual de las subastas españolas, cuenta remates en sus óleos sobre lienzo que suelen ir entre los 2.000 y los 4.000 euros, aunque no es raro ver subidas extraordinarias que quintupliquen las estimaciones mencionadas.

Eugenio Lucas Velázquez. Lote 35315242 expuesto en Setdart Madrid

Ya en el segundo bloque, y dejando atrás la pintura, nos centramos en escultura y cerámica. Extensísima selección de casi doscientos lotes, con figuras clave del modernismo català como pudieran ser Lambert Escaler o Josep Clarà; del Decó alemán, representado por Adolf Jahn Stettin o por Max Hermann Fritz, entre otros; de la vecina Francia, por mencionar a algunos de los artistas, tenemos a los icónicos pelícanos de Max le Verrier o las máscaras Art Nouveau de Albert Carrier “Belleuse”. Así podríamos seguir casi sin interrupción, pues célebres manufacturas y nombres propios se suceden en esta subasta sin darnos un descanso.

Sin embargo, se hace oportuno dedicar un pequeño apartado a dos artistas que, creemos, merecen este reconocimiento. El primero no necesita presentación, pues es de sobra conocido en el mercado del arte: Mariano Benlliure. En esta ocasión, son dos las obras del valenciano que escollan sobre el resto y, ¿por qué motivo? Pues se trata de dos bocetos inéditos para sendos monumentos, a Henri de Lacaze-Duthiers y a Pedro Alonso, el primero en Banyuls-sur-Mer, Francia, y el segundo en Noreña, Asturias. Esta catalogación ha sido posible gracias a la ayuda de Doña Lucrecia Enseñat Benlliure, a la que volvemos a agradecer su colaboración.

Finalmente, queremos hablar de una obra que puede darnos una sorpresa. Se trata del lote 35309511, gallo en bronce pavonado de Charles Artur, con sello de la Fundición Valsuani. La obra del francés se encuentra muy bien posicionada en el mercado del arte, con unos remates que oscilan entre los 3.000 y los 30.000 euros. ¿Es posible que la licitada en Setdart dé la sorpresa? El 19 de marzo saldremos de dudas.

El último bloque, el del día 20 de marzo, es el que más lotes concentra, doscientos doce, esta vez centrado exclusivamente en vidrio. Francia, Italia y España son los países que cuentan con una mayor representación, siendo el primero el que desarrolló una mayor y más variada industria vidriera en este primer tercio de siglo. Algunos ejemplos paradigmáticos de la muestra son: lote 35315232, jarrón con escenas invernales de Daum; se trata de uno de los leitmotivs de la fábrica de Nancy, los cuales suelen cosechar buenos remates en el mercado, alrededor de los dos mil euros. De Lalique, otro habitual en las subastas de vidrio, son varias las piezas licitadas, aunque destacaremos el lote 35315219, Coq nain, un car mascot, piezas con una cronología muy concreta, pues vivieron un importante auge desde 1920 hasta comienzos de 1930, cuando dejaron de estar de moda.

Lote 35315219 expuesto en Setdart Madrid

Finalmente, y volviendo al ámbito catalán, lugar donde el vidrio contó con el mayor desarrollo de la península ibérica, cabe mencionar a Josep Maria Gol y a Xavier Nogués & Ricard Crespo, ambos con representación en el Museu Nacional d’Art de Catalunya y ahora también en Setdart. Del primero es el lote 35309789, selección de seis copas características de su estilo, con un denso esmaltado sobre el fondo incoloro; de los segundos, una delicada pieza, lote 35309657, de la serie de borratxets, temática recurrente en el binomio catalán en excelente estado de conservación, y que bien podría encontrar acomodo en museos catalanes.

Xavier Nogués y Ricard Crespo. Lote 35309657

Son muchas las piezas que dejamos en el tintero, pero es tarea imposible hacer mención a todas las que son relevantes sin extendernos en demasía, por lo que recomendamos echar un vistazo a todo el catálogo y aprovechar la oportunidad para hacernos con algunas de las extraordinarias piezas licitadas por Setdart en los próximos días 18, 19 y 20 de marzo.

Los diamantes son para siempre

El valor emocional y simbólico que se asocia desde hace décadas a los diamantes se debe a una eficaz estrategia de negocio y, especialmente, a una excelente campaña de marketing sostenida a lo largo del tiempo que ha conseguido asentar la idea de que esta piedra es una declaración de amor y compromiso.

Lote 35308250. Expuesto en Setdart Madrid

Lote 35358874. Expuesto en Setdart Barcelona

Hasta finales del siglo XIX los diamantes solo se podían encontrar en lugares remotos, como la India y Brasil, y la producción era muy reducida. Pero hacia 1870 se empezaron a explotar minas de diamantes en Sudáfrica, disparándose el flujo de estos minerales en el mercado y desplomándose su precio. Las empresas productoras de diamantes deciden unirse para crear un monopolio y controlar su precio. Así fue como nació De Beers Consolidated Mines.

La compañía no solo tomó el control de la oferta y la demanda del producto, actuando de manera similar al oro y otros metales preciosos, sino que consiguió convertir los diamantes en la mayor demostración de amor.

Lanzó su famosa campaña publicitaria con el eslogan “Un diamante es para siempre” (“A Diamond is Forever”) en la década de 1940, el cual fue considerado el mejor lema publicitario del siglo XX. Promovía la idea de que un diamante era un símbolo eterno del amor, y que era la elección perfecta para una sortija de compromiso. Cuanto más grande y de mejor calidad, mayor era la muestra de amor.

Lote 35309335. Expuesto en Setdart Madrid

Lote 35352209. Expuesto en Setdart Barcelona

La estrategia de De Beers fue tan sólida que, incluso ahora que la compañía no tiene el monopolio del mercado, sus competidores siguen la estela de su campaña de marketing.

Si tienes algo que celebrar, en Setdart te animamos a que sea con diamantes. En la próxima subasta del día 13 de marzo presentamos una variada selección de piezas para que incorpores a tu joyero, piezas muy especiales y atemporales, clásicas, con versatilidad, que se adaptan a cada personalidad y cada ocasión… y todas con diamantes:

Lote 35308252 . Expuesto en Setdart Madrid

La sonrisa eterna, una colección de budas

La sonrisa eterna

una colección de budas

La intrincada historia de la escultura budista en el Sudeste Asiático se despliega como un fascinante tapiz que se remonta al siglo VI. En ese período una transformación cultural conocida como la esfera cultural india arraigó profundamente, dando origen a un esplendoroso arte religioso al servicio del budismo Theravada. En estas tierras, se alzaron reinos budistas, algunos florecieron majestuosamente durante siglos, mientras que otros sucumbieron ante la invasión de vecinos más poderosos.

Las representaciones de Buda en Tailandia, Birmania, Laos y Camboya se destacan como verdaderas joyas, celebradas a nivel mundial por su artesanía exquisita. Estas imágenes no solo capturan la esencia del budismo Theravada, sino que también poseen rasgos y estilos distintivos que se entrelazan y enriquecen mutuamente a lo largo del tiempo. Aunque algunas reflejan características étnicas específicas, todas ellas fueron meticulosamente creadas bajo estrictos cánones iconográficos, fórmulas y diagramas, en conformidad con las veneradas prácticas de este linaje budista.

Este viaje artístico se convierte en una ventana a un pasado donde la creación de iconos de Buda en templos se erige como una búsqueda ferviente de la máxima potencia espiritual. Buscando emular un prototipo original que, según la creencia, fue moldeado en vida de Buda, los artistas de la época dedicaron su talento a perfeccionar el desarrollo artístico de estos iconos, convirtiéndolo en la máxima expresión de sus habilidades.

Lote 35358648. Monje Upagupta. Chiang Saen, reino de Lan Na. Siglo XVII

Lote 35358648. Buda de pie. Escuela Fang, norte de Tailandia. s. XVI

Así, entre las sombras de la historia, emergen estas imágenes canónicas de Buda, conocidas no solo por su impacto mágico, sino también por ser veneradas como actos de mérito, ya sea que se instalen en majestuosos templos o permanezcan en la penumbra de la historia. Además de estas imponentes representaciones, se generaban en gran cantidad pequeñas imágenes de bronce, plata, piedra, madera y terracota, resguardadas en los misteriosos almacenes de los templos.

En este enigma artístico, las estatuas de Buda, ataviadas con sobrias túnicas de monje y desprovistas de adornos, encarnan la renuncia a los deseos mundanos. La continuidad de esta convención visual no solo simboliza la abdicación de lujos terrenales, sino que también sirve como recordatorio perenne de que Buda, en su renuncia como príncipe heredero, abandonó los placeres mundanos por una vida de sabiduría y compasión.

Estas representaciones trascienden el arte para revelar la esencia serena y pacífica del budismo Theravada, ofreciendo a los espectadores un portal a la espiritualidad atemporal enraizada en las tierras del Sudeste Asiático, libre de cualquier deseo y con una sonrisa eterna.

Lote 35376031. Cabeza de Buda. Reino de Lan Na. Fang, s. XV.

Artes decorativas: Distinción y belleza

Históricamente las Artes Decorativas se han visto relegadas a un papel secundario, eclipsadas por la Bellas Artes: pintura, escultura y arquitectura. Desde Setdart, queremos reivindicar su figura por su papel preponderante dentro de las mejores colecciones del panorama internacional.

Porcelana, vidrio, piedras duras, madera, plata, carey, bronce e ingenios mecánicos. Las artes decorativas tienen la virtud de reunir multitud de técnicas y materiales dispares a su abrigo, lo que, tal vez, sea parte de su encanto y, al mismo tiempo, complejidad. El mobiliario es buen ejemplo de ello, aunque cada uno de los géneros que componen este cajón de sastre ha sido víctima de las tendencias y modas del momento.

El lote 35376062, pieza excepcional de mobiliario, nos habla de esa estrecha relación que hubo entre los Países Bajos e Inglaterra, con las características molduras rizadas en madera de ébano, chapeado de palosanto y carey procedente de las rutas comerciales internacionales, o la chambrana baja en H, propia del mueble flamenco y neerlandés, sobre patas de cebolla. En el siglo XVIII París se erige como epicentro del gusto europeo, dictaminando las directrices estilísticas. El lote 35238691, cómoda Luis XV, se vale del plumeado con la chapa de palo de violeta para dotar de dinamismo al frontis y laterales, acompañados, como es habitual, de bronce dorado en tiradores, escudetes de bocallave y cul-de-lampe.

Otra pieza importante, y no sólo por estar realizada en rodonita y nefrita, es el lote 35376064, la tazza rusa de mediados del siglo XIX, pues es un vivo reflejo, algo tardío, de la influencia que tuvo el redescubrimiento de Pompeya y Herculano en el siglo XVIII en la historia del arte. Posiblemente realizada en la Fábrica Imperial de Piedras Duras de Ekaterimburgo, en los Montes Urales, hubo de ser creada con el fin de adornar alguna de las estancias reales de los Románov.

En Francia, tanto la porcelana como el vidrio tuvieron especial importancia. La primera debido al éxito de la Manufactura Real de Sèvres, que gracias a su refinamiento y buen gusto se impuso al resto de manufacturas nacionales. A su sombra, y con el deseo de proveer de piezas a la manera de Sèvres a la población burguesa, nacieron multitud de fábricas, no exentas de calidad, a las que la historiografía ha bautizado como Viejo París. El lote 35310155 es un magnifico ejemplo de lo que estas eran capaces de lograr a comienzos del siglo XIX. En cuanto al vidrio, Baccarat es, con permiso de Saint-Louis, protagonista indiscutible. El lote 35310158 revela la novedosa técnica del vidrio opalescente, tan en boga en el siglo XIX y creado al añadir fosfatos u óxidos durante el proceso de fusión. Se trata de una pareja de jarrones o “vases de fantasie”, con una cronología concreta de 1845 a 1870.

Lote 35310155. Expuesto en Setdart Madrid

Lote 35310158. Expuesto en Setdart Madrid

Siglo XX: El nacimiento de una nueva era

Como viene siendo costumbre en Setdart, volvemos a apostar por el diseño del siglo XX, esta vez poniendo el foco en el mueble nórdico, Francia e Inglaterra, y España e Italia, sin olvidar el vidrio italiano. Cuatro subastas temáticas que, el próximo jueves 7 de marzo, harán las delicias de los amantes de las vanguardias

Puede dar vértigo pensar que, a mediados de los años 80 del siglo XIX, cuando nacieron Mies van de Rohe o Le Corbusier, se acababa de establecer la III República Francesa, el Reino de Prusia vivía su apogeo o los interiores de los palacetes aristocráticos madrileños, como bien atestiguó Eugenio Rodríguez y Ruiz de la Escalera en 1898, se encontraban atestados de piezas cargadas de un cuestionable historicismo ecléctico. ¿Cómo es posible que en 1929 se pudiera crear una de las sillas más icónicas de la historia del arte prescindiendo de la madera y con unas líneas tan modernas?

La transición hacia el siglo XX es especialmente interesante en lo que al mobiliario se refiere, pues los avances industriales, unidos a las Exposiciones Internacionales, comienzan a desdibujar las fronteras estilísticas y a remar hacia un estilo cada vez más global, donde lo diáfano gana enteros, y los arquitectos toman el control del diseño del mueble, comenzando la figura del diseñador a tomar especial importancia, en colaboración con firmas que permitían producir esos proyectos en serie.

De esta manera, si echamos un vistazo al catálogo de Setdart, encontramos nombres como Knoll, Fritz Hansen, Lange Production, Cado, Cassina o Maxalto al lado de los del mencionado van der Rohe, Warren Platner o Arne Jacobsen. Estos binomios, seña de identidad del diseño del siglo XX, aseguran una calidad y respeto a la obra original que, aun produciéndose años después de su concepción, salvaguardan su filosofía.

Lote 35253879. Arne Jacobsen para Fritz Hansen

Acceder a la subasta de Diseño de Vanguardia: Países nórdicos

Entrando de lleno en las piezas licitadas, es inevitable hablar de la ya citada silla Barcelona, concebida en origen para la Exposición de Barcelona de 1929 por el que fuera director de la Bauhaus, el cual encontró en Estados Unidos el caldo de cultivo perfecto para el desarrollo de su actividad creadora y docente. Precisamente en Illinois fue donde conoció a Florence Knoll, concediéndole los derechos para lo explotación de su obra, incluyendo la “colección Barcelona”, presente en la subasta.

Le Corbusier es otro de los nombres destacados del día 7, junto a Pierre Jeanneret, primo suyo, y Charlotte Perriand. Este fructífero triunvirato, que se alargará desde 1927 hasta 1937, abordó con éxito el problema de “l’equipement d’intérieur de l’habitation”, es decir, la nueva organización de los espacios domésticos por medio de muebles modulares de gran versatilidad. La colaboración con Cassina nace en 1964, firmando el primer contrato de exclusividad para la explotación de su obra. Entre estas reediciones encontramos las butacas Grand Confort LC2, convertidas hoy en clásicos atemporales.

Lote 35286503. Le Corbusier. Sillones LC2 para Cassina

Acceder a la subasta de Diseño de Vanguardia: Francia e Inglaterra

Dentro de la península ibérica estas colaboraciones también son habituales, como puede ser la del diseñador Jaime Hayón, Premio Nacional de Diseño en el año 2021, para Fritz Hansen. Destacamos el Sillón Ro o la pareja de sillones Fri, respectivamente.

Lote 35253884. Jaime Hayón. Sillón Ro para Fritz Hansen

Lote 35286498. Jaime Hayón. Sillones Fri para Fritz Hansen

Acceder a la subasta de Diseño de Vanguardia: Italia y España

Finalmente, en la subasta de vidrio italiano la pequeña isla de Murano es líder indiscutible, como no podía ser de otra manera, con artistas de la talla de Ercole Barovier en colaboración con Barovier & Torso, empresa familiar de la que se convertiría en cabeza visible en 1936 y, tras la unión en 1942 a Ferro-Toso, cambiaría su nombre al mencionado. El lote 35376050 pertenece a la serie Porpora iniciada en 1954, cuyo leitmotiv es la pigmentación en tonos malva sin fusión del vidrio.

Lote 35376050. Ercole Barovier, para Barovier & Torso

En conclusión, se trata de una oportunidad única para adquirir piezas que han dejado su huella de manera inmarcesible en la historia del arte, obras que han abandonado su condición de útiles domésticos para elevarse como iconos del diseño, concebidos por toda una generación a la vanguardia de la creación industrial.

Acceder a la subasta de Diseño de Vanguardia: El vidrio italiano

Skateboard Decks: El boom de la cultura urbana

La irrupción de la cultura urbana fue sin duda una de las grandes revoluciones del siglo XX que como no podía ser de otra forma, encontró en el arte una de sus máximas expresiones. En este sentido, la aparición del skateborading como uno de los símbolos por antonomasia de este movimiento sociocultural, se convirtió también en un medio de expresión para muchos de los grandes artistas y diseñadores que capitanearon el arte urbano.

¿Pero cuáles son los orígenes de esta fructífera unión entre el mundo del skate y el mundo del arte?

En 1963, en la ciudad de Malibú, se creó el primer skate de la historia, pero no sería hasta los años 80 cuando causando auténtico furor entre las nuevas generaciones de la época dando lugar a un nuevo fenómeno: ‘los skaters’. Desde entonces, el skateboard se ha convertido en una filosofía de vida para muchos siendo aun hoy en días uno de los elementos clave de la cultura urbana.

Lote 35346040. Después de Jean-Michel Basquiat

Por otro lado, el éxito del Street art o arte urbano pese a surgir de forma simultánea al skateboard durante la década de los años 60, no alcanzó su máximo apogeo hasta la década de los 90, cuando gracias a artistas como Keith Haring o Basquiat se convirtió en un fenómeno de alcance mundial que ha pasado a la historia como una de las revoluciones artísticas fundamentales del siglo XX.

Por tanto, no nos debe extrañar que el carácter underground y rebelde del skatebording terminara vinculándose creativamente al del arte urbano o Street art. Unos sancionados por expresar su arte en las paredes, otros por utilizar el mobiliario urbano a su antojo… Sin duda de la combinación de ambos surge una de las expresiones por excelencia de los movimientos contraculturales.

La subasta que tendrá lugar el próximo día 4 de marzo representa una autentica novedad dentro del mercado nacional. La colección de más de 100 skates serigrafiados en colaboración con algunos de los artistas, skaters y diseñadores contemporáneos más aclamados es sin duda el conjunto más amplio jamás reunido por una casa de subastas nacional.

El valor de estas tablas creadas en colaboración con las marcas más icónicas del sector se encuentra en las ediciones limitadas, de las cuales muchas de ellas han sido tan exitosas que han llegado al sold out, así como en el diseño y en las ilustraciones que, decorando su parte inferior, se han convertido en el canal perfecto a través del que divulgar el mensaje que el arte callejero lanzó al mundo.

Entre las tablas en licitación encontramos auténticas joyas como la que Kate Haring diseñó en colaboración con la marca New York City Skateboards, en 1986 o las colaboraciones de grandes artistas en activo tan destacados como Damien Hirst, Yayoi Kusama, Jeff Koons, Felipe Pantone, Hiroshi, Murakami, Merilyn Minter o Pure Evil.

De hecho, la fiebre de los skates serigrafiados llevó a las grandes figuras de esta autentica filosofa de vida como Bucky Lasek Tom Knox, , Jason Dill o Jake Donnelly a diseñar sus propias tablas junto a marcas tan míticas como Santa Cruz, Supreme Element o The skateroom.

En definitiva, esta subasta que rescata la esencia de la época de esplendor del skate nos demuestra el impacto que ha alcanzado en el mercado del arte y el lujo, pero también como en los últimos tiempos y gracias a este tipo de expresiones artísticas el arte se ha democratizado para hacerse más accesible al gran público y a nuevos coleccionistas.

Arte sacro: de lo divino y lo humano

Setdart licita más de quinientas piezas procedentes de una exclusiva colección de arte sacro. Toda una vida dedicada al coleccionismo devocional.

¿Podría llegar siquiera Lutero a imaginar lo que desencadenarían sus noventa y cinco tesis en la puerta de la iglesia de Todos los Santos de Wittenberg? Siglos después, la imaginería sigue estando presente en las calles, con artistas contemporáneos que continúan la senda de aquellos que, años atrás, dotaron de pasión a la madera.

La Iglesia, junto con la Corona, ha sido uno de los principales comitentes de obras de arte a lo largo de la historia, sólo desplazados por la burguesía, cuyo poder fue aumentando exponencialmente desde el siglo XVII. Si bien, y en especial a partir del siglo XIX, la producción de obra sacra ha declinado, todavía existen destacados artistas elaborando piezas de una calidad excepcional y que nada tienen que envidiar a las de talleres anteriores de gran renombre.

No es nada común que una colección de este tipo salga al mercado, pudiendo disfrutar de todo un recorrido por la historia del arte sacro. Destaca el lote 35268623, una Virgen de las Angustias, talla granadina de finales del siglo XVII, la cual podemos inscribir en el círculo estilístico del taller de los Mora. Se trata de un magnífico ejemplo de la síntesis entre madera y textil, tan propio de esta tipología de pieza vestidera, pues la capa de terciopelo con bordados de hilo de oro y plata data del siglo XVIII.

Avanzando hasta el siglo XX topamos con uno de los nombres propios de la subasta en el lote 35248518, Castillo Lastrucci, sobradamente conocido en Sevilla por su prolífico papel en Semana Santa, con obra en hermandades como la de El Dulce Nombre o la Hiniesta.

Finalmente, y ya en el siglo XXI, Manuel Martín Nieto recoge el testigo, con hasta cuatro piezas, aunque destaca el lote 35268619, una Piedad donde podemos ver materializadas las palabras de Andrés Luque Teruel sobre el imaginero: “es uno de los máximos responsables del intenso brote naturalista que caracteriza la evolución y la brillante transformación de la escultura neobarroca andaluza en las dos primeras décadas del siglo XXI”.

Tesoros de Oriente

Setdart presenta, como parte de una colección privada anglo-española, una selección de piezas orientales que aglutinan gran parte de las técnicas artísticas que fascinaron a occidente desde el siglo XVI.

Si bien las tierras orientales de Asia no eran desconocidas para los europeos, en parte gracias a Marco Polo, hasta el siglo XV estas dos culturas habían vivido de manera prácticamente ajena entre sí, estableciendo pequeños vínculos intermitentes protagonizados por mercaderes o nómadas. Gracias a los avances en materia geográfica que marcan el comienzo de la Edad Moderna, las riquezas de los cinco continentes se convierten en un todo que inicia un incansable flujo por el globo, el cual continúa hasta el día de hoy.

Pioneros en esta red de comunicaciones marítimas fueron España y Portugal, cuya avalancha de productos, nunca antes concebidos, a los puertos de Sevilla y Lisboa provoca una fascinación febril que se traduce en elucubraciones, leyendas y, sobre todo, ingentes intercambios comerciales. El monopolio duraría únicamente un siglo, pues pronto ingleses y holandeses reclamarían su pedazo de pastel con la creación de las compañías de las Indias orientales.

Catalina de Austria o Felipe II fueron también embelesados por los tesoros orientales, distribuyéndolos en forma de obsequios por las cortes europeas o formando parte de sus colecciones personales.

Este gusto no decayó en los siglos siguientes, sino más bien al contrario, alcanzó su cenit en el siglo XVIII con la porcelana como protagonista. Creada ex profeso en los alfares de Jingdezhen, combinaba motivos chinescos con elementos o tipologías de la tradición occidental, en ocasiones obedeciendo a encargos particulares.

Ejemplos paradigmáticos, que hablan de esta unión extraordinaria, se pueden encontrar en las piezas que licitamos.

Lote 35312897. Expuesto en Setdart Madrid

El lote 35312897, un plato del periodo Wanli, es un buen primer testimonio de esas piezas hechas para la exportación, y cuyo nombre, tal vez, guarde relación con las carracas portuguesas, buques mercantes portugueses que poblaban las costas del viejo continente.

Lote 35314969. Expuesto en Setdart Madrid

Lote 35314919. Expuesto en Setdart Madrid.

Avanzando un poco en el tiempo, ya dentro de la Dinastía Qing, periodo Kangxi, en el umbral del siglo XVIII, aparece la porcelana de Batavia o “café con leche”, representada en el lote 35314969, la cual toma su nombre de la actual Yakarta, donde la Compañía Holandesa de las Indias Orientales había establecido su centro de operaciones; posiblemente debiera su tonalidad a la cerámica Yixing, en un deseo de aunar sus características con las de la porcelana. Sin abandonar el periodo Kangxi, otras de las piezas que recuerdan la síntesis de culturas son las del lote 35314919, con monturas en plata neerlandesa.

Lote 35315011. Expuesto en Setdart Madrid

Finalmente, y como prueba de toda la influencia que la cultura china ha tenido en occidente, una pieza, la del lote 35315011 que, tras un primer vistazo, podría pasar por un jarrón cantonés de la familia rosa para la exportación, pero que tras un análisis más pormenorizado revela su verdadero origen: Inglaterra. No son pocas las manufacturas europeas que, debido al éxito de la porcelana china, emularon su estilo para una clientela ávida de “chinerías” a precios más populares, como podría ser el caso de Chelsea o Samson, esta última en Francia.

Estamos ante una oportunidad única para acercarnos a obras de arte que siguen despertando un fervor artístico sin precedentes entre los coleccionistas, obras extraordinarias que aglutinan los pareceres artísticos de dos mundos obligados a entenderse.

Entre aromas e historia: El mundo exquisito del coleccionismo de puros habanos

El coleccionismo de puros habanos es una afición apasionante que combina la artesanía, la cultura y el placer sensorial. Los puros habanos, conocidos por su calidad excepcional, se producen exclusivamente en Cuba, utilizando técnicas de cultivo y elaboración que se han perfeccionado a lo largo de siglos.

La esencia del coleccionismo de puros habanos va más allá de simplemente fumarlos; implica apreciar la diversidad de sabores, aromas y la complejidad de cada vitola. Los coleccionistas de puros encuentran satisfacción en descubrir y adquirir ediciones limitadas, puros de reserva y aquellos con años de añejamiento que han desarrollado perfiles de sabor únicos.

La selección de puros para una colección requiere conocimiento y cuidado. Los coleccionistas buscan marcas prestigiosas como Cohiba, Montecristo o Romeo y Julieta, entre otras, cada una con su propia historia y tradición. Además, las ediciones especiales y las series conmemorativas son altamente valoradas por su rareza y exclusividad.

Lote 35358264. Veinticinco puros Cohiba Siglo VI.

Lote 35358247. Veinte Montecristo Especial

El almacenamiento adecuado es crucial en el coleccionismo de puros. Los entusiastas invierten en humidores de alta calidad, controlando cuidadosamente la temperatura y la humedad para preservar la frescura y el sabor de sus puros. Algunos coleccionistas incluso eligen guardar sus tesoros en cajas originales, conservando la autenticidad y el valor histórico de cada pieza.

Setdart presenta una pequeña colección de puros habanos, humidores y utensilios donde destacan las marcas más reconocidas por los amantes del mundo de los habanos.

Lote 35358272. Caja humidor para puros Gentili (Italia)

– Cohiba, venerada por su prestigio y calidad, exhibe su inconfundible marca en esta colección, ofreciendo puros que encarnan la excelencia y la elegancia. Los Cuaba Millenium Distinguidos Reserve 2000, una edición limitada de carácter distinguido, añaden un toque de exclusividad con su rica historia y cuidada elaboración.

– Davidoff, conocida por su meticulosa artesanía y atención al detalle, aporta a la subasta una selección que refleja la sofisticación de esta marca icónica. Los Romeo y Julieta, con su romanticismo impregnado en cada vitola, añaden un toque de pasión y tradición a la colección, mientras que los Bolívar, con su fuerza y carácter, son una elección audaz para aquellos que buscan experiencias intensas.

– Montecristo, venerada por su legado y su distintivo sabor, comparte su presencia en esta subasta, ofreciendo a los coleccionistas la oportunidad de adquirir puros que encapsulan la maestría tabacalera. Además, la presencia duplicada de Davidoff subraya la versatilidad y calidad que caracteriza a esta prestigiosa marca.

Los humidores y utensilios, como los cortapuros, que acompañan a esta colección están igualmente diseñados para realzar la experiencia del coleccionista.

Vuelta al oro amarillo y a tamaños más pequeños en los diseños actuales de relojes de lujo

En el fascinante mundo de la relojería de lujo, las tendencias evolucionan constantemente y, en la actualidad, estamos siendo testigos de un resurgimiento que lleva a las marcas más prestigiosas de la industria de vuelta a sus raíces. El oro amarillo, con su atemporal elegancia, y los relojes de tamaños más pequeños, con su encanto discreto, están marcando un retorno triunfal a la vanguardia del diseño relojero.

En nuestra próxima subasta de relojes de lujo, estamos encantados de presentar algunas piezas cuidadosamente seleccionadas que encajan en esta nueva tendencia de la relojería. Marcas icónicas como Cartier, Rolex, Patek Philippe, Jaeger-LeCoultre, Chopard, Baume & Mercier, IWC o Piaget lideran el camino, ofrecen piezas que encarnan la sofisticación y el lujo en cada pulso.

Oro amarillo: Un regreso a la opulencia clásica

El oro amarillo, con su brillo cálido y atemporal, ha sido durante mucho tiempo un símbolo de opulencia y distinción. En esta subasta, encontrará piezas excepcionales que incorporan este metal precioso de manera magistral. Desde el distintivo brillo de un Cartier hasta la artesanía impecable de un Rolex, el oro amarillo se presenta en una gama de tonalidades que elevan cada reloj a una obra maestra de la relojería.

El encanto de lo pequeño: Relojes que redefinen la elegancia

Si bien en la actualidad reciente la tendencia era a favor de relojes de mayor tamaño, el mercado actual ve un cambio hacia la elegancia discreta de los modelos más pequeños. Las marcas de renombre están redescubriendo la belleza de los relojes compactos, ofreciendo diseños que se adaptan perfectamente a la muñeca y que hacen una declaración de estilo sin ser abrumadores.

Patek Philippe: Herencia y Perfección en Cada Segundo

La casa Patek Philippe, conocida por su meticulosa artesanía y su compromiso con la perfección, presenta en nuestra subasta piezas que encapsulan la nueva ola de elegancia. Descubra relojes que combinan la belleza clásica del oro amarillo con tamaños más pequeños, demostrando que la sofisticación no siempre se mide en dimensiones, sino en detalles finamente elaborados.

Lotes 35309271 y 35279750. Patek Philippe

Rolex: Innovación y Estilo Imperecedero

Rolex, una marca sinónimo de innovación y durabilidad, se une a la tendencia con relojes que fusionan la robustez con la elegancia. En nuestra subasta, explore modelos que destacan por su tradición y esplendor en oro amarillo y por su diseño compacto, encapsulando la visión de Rolex para la relojería.

Cartier: Elegancia inigualable en cada giro

Cartier, conocido por su elegancia distintiva, está reeditando modelos de los años 80, capturando la esencia del lujo atemporal y fusionando el diseño clásico con las tendencias modernas.

Jaeger-LeCoultre, Chopard, Baume & Mercier, IWC y Piaget: Diversidad y excelencia en la subasta

No se pierda la oportunidad de explorar también las ofertas de Jaeger-LeCoultre, Chopard, Baume & Mercier, IWC y Piaget en nuestra subasta. Cada una de estas marcas aporta su propia narrativa única al evento, con relojes que combinan la innovación técnica con la elegancia refinada.

Jaeger-LeCoultre, Chopard, Baume & Mercier, IWC y Piaget: Diversidad y excelencia en la subasta

Le invitamos a explorar nuestra subasta de relojes de lujo del próximo 6 de junio, donde la vuelta al oro amarillo y a tamaños más pequeños están presentes como testigos de relojes que, por las nuevas tendencias, han ganado en revalorización.