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Artes decorativas: Distinción y belleza

Artes decorativas: Distinción y belleza

Históricamente las Artes Decorativas se han visto relegadas a un papel secundario, eclipsadas por la Bellas Artes: pintura, escultura y arquitectura. Desde Setdart, queremos reivindicar su figura por su papel preponderante dentro de las mejores colecciones del panorama internacional.

Porcelana, vidrio, piedras duras, madera, plata, carey, bronce e ingenios mecánicos. Las artes decorativas tienen la virtud de reunir multitud de técnicas y materiales dispares a su abrigo, lo que, tal vez, sea parte de su encanto y, al mismo tiempo, complejidad. El mobiliario es buen ejemplo de ello, aunque cada uno de los géneros que componen este cajón de sastre ha sido víctima de las tendencias y modas del momento.

Lote 35376062

El lote 35376062, pieza excepcional de mobiliario, nos habla de esa estrecha relación que hubo entre los Países Bajos e Inglaterra, con las características molduras rizadas en madera de ébano, chapeado de palosanto y carey procedente de las rutas comerciales internacionales, o la chambrana baja en H, propia del mueble flamenco y neerlandés, sobre patas de cebolla. En el siglo XVIII París se erige como epicentro del gusto europeo, dictaminando las directrices estilísticas. El lote 35238691, cómoda Luis XV, se vale del plumeado con la chapa de palo de violeta para dotar de dinamismo al frontis y laterales, acompañados, como es habitual, de bronce dorado en tiradores, escudetes de bocallave y cul-de-lampe.

Lote 35238691
Lote 35247265

 

Otra pieza importante, y no sólo por estar realizada en rodonita y nefrita, es el lote 35376064, la tazza rusa de mediados del siglo XIX, pues es un vivo reflejo, algo tardío, de la influencia que tuvo el redescubrimiento de Pompeya y Herculano en el siglo XVIII en la historia del arte. Posiblemente realizada en la Fábrica Imperial de Piedras Duras de Ekaterimburgo, en los Montes Urales, hubo de ser creada con el fin de adornar alguna de las estancias reales de los Románov.

Lote 35376064

En Francia, tanto la porcelana como el vidrio tuvieron especial importancia. La primera debido al éxito de la Manufactura Real de Sèvres, que gracias a su refinamiento y buen gusto se impuso al resto de manufacturas nacionales. A su sombra, y con el deseo de proveer de piezas a la manera de Sèvres a la población burguesa, nacieron multitud de fábricas, no exentas de calidad, a las que la historiografía ha bautizado como Viejo París. El lote 35310155 es un magnifico ejemplo de lo que estas eran capaces de lograr a comienzos del siglo XIX. En cuanto al vidrio, Baccarat es, con permiso de Saint-Louis, protagonista indiscutible. El lote 35310158 revela la novedosa técnica del vidrio opalescente, tan en boga en el siglo XIX y creado al añadir fosfatos u óxidos durante el proceso de fusión. Se trata de una pareja de jarrones o “vases de fantasie”, con una cronología concreta de 1845 a 1870.

Lote 35310155. Expuesto en Setdart Madrid
Lote 35310158. Expuesto en Setdart Madrid

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Siglo XX: El nacimiento de una nueva era

Siglo XX: El nacimiento de una nueva era

 

 

Como viene siendo costumbre en Setdart, volvemos a apostar por el diseño del siglo XX, esta vez poniendo el foco en el mueble nórdico, Francia e Inglaterra, y España e Italia, sin olvidar el vidrio italiano. Cuatro subastas temáticas que, el próximo jueves 7 de marzo, harán las delicias de los amantes de las vanguardias

Puede dar vértigo pensar que, a mediados de los años 80 del siglo XIX, cuando nacieron Mies van de Rohe o Le Corbusier, se acababa de establecer la III República Francesa, el Reino de Prusia vivía su apogeo o los interiores de los palacetes aristocráticos madrileños, como bien atestiguó Eugenio Rodríguez y Ruiz de la Escalera en 1898, se encontraban atestados de piezas cargadas de un cuestionable historicismo ecléctico. ¿Cómo es posible que en 1929 se pudiera crear una de las sillas más icónicas de la historia del arte prescindiendo de la madera y con unas líneas tan modernas?

Lote 35286383

La transición hacia el siglo XX es especialmente interesante en lo que al mobiliario se refiere, pues los avances industriales, unidos a las Exposiciones Internacionales, comienzan a desdibujar las fronteras estilísticas y a remar hacia un estilo cada vez más global, donde lo diáfano gana enteros, y los arquitectos toman el control del diseño del mueble, comenzando la figura del diseñador a tomar especial importancia, en colaboración con firmas que permitían producir esos proyectos en serie.

De esta manera, si echamos un vistazo al catálogo de Setdart, encontramos nombres como Knoll, Fritz Hansen, Lange Production, Cado, Cassina o Maxalto al lado de los del mencionado van der Rohe, Warren Platner o Arne Jacobsen. Estos binomios, seña de identidad del diseño del siglo XX, aseguran una calidad y respeto a la obra original que, aun produciéndose años después de su concepción, salvaguardan su filosofía.

Lote 35253885. Eero Saarinen para Knoll
Lote 35253879. Arne Jacobsen para Fritz Hansen

 

 

Entrando de lleno en las piezas licitadas, es inevitable hablar de la ya citada silla Barcelona, concebida en origen para la Exposición de Barcelona de 1929 por el que fuera director de la Bauhaus, el cual encontró en Estados Unidos el caldo de cultivo perfecto para el desarrollo de su actividad creadora y docente. Precisamente en Illinois fue donde conoció a Florence Knoll, concediéndole los derechos para lo explotación de su obra, incluyendo la “colección Barcelona”, presente en la subasta.

Le Corbusier es otro de los nombres destacados del día 7, junto a Pierre Jeanneret, primo suyo, y Charlotte Perriand. Este fructífero triunvirato, que se alargará desde 1927 hasta 1937, abordó con éxito el problema de “l’equipement d’intérieur de l’habitation”, es decir, la nueva organización de los espacios domésticos por medio de muebles modulares de gran versatilidad. La colaboración con Cassina nace en 1964, firmando el primer contrato de exclusividad para la explotación de su obra. Entre estas reediciones encontramos las butacas Grand Confort LC2, convertidas hoy en clásicos atemporales.

Lote 35286503. Le Corbusier. Sillones LC2 para Cassina

 

 

Dentro de la península ibérica estas colaboraciones también son habituales, como puede ser la del diseñador Jaime Hayón, Premio Nacional de Diseño en el año 2021, para Fritz Hansen. Destacamos el Sillón Ro o la pareja de sillones Fri, respectivamente.

Lote 35253884. Jaime Hayón. Sillón Ro para Fritz Hansen
Lote 35286498. Jaime Hayón. Sillones Fri para Fritz Hansen

 

 

Finalmente, en la subasta de vidrio italiano la pequeña isla de Murano es líder indiscutible, como no podía ser de otra manera, con artistas de la talla de Ercole Barovier en colaboración con Barovier & Torso, empresa familiar de la que se convertiría en cabeza visible en 1936 y, tras la unión en 1942 a Ferro-Toso, cambiaría su nombre al mencionado. El lote 35376050 pertenece a la serie Porpora iniciada en 1954, cuyo leitmotiv es la pigmentación en tonos malva sin fusión del vidrio.

Lote 35376050. Ercole Barovier, para Barovier & Torso

En conclusión, se trata de una oportunidad única para adquirir piezas que han dejado su huella de manera inmarcesible en la historia del arte, obras que han abandonado su condición de útiles domésticos para elevarse como iconos del diseño, concebidos por toda una generación a la vanguardia de la creación industrial.

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Skateboard Decks: El boom de la cultura urbana

Skateboard Decks: El boom de la cultura urbana

La irrupción de la cultura urbana fue sin duda una de las grandes revoluciones del siglo XX que como no podía ser de otra forma, encontró en el arte una de sus máximas expresiones. En este sentido, la aparición del skateborading como uno de los símbolos por antonomasia de este movimiento sociocultural, se convirtió  también en un medio de expresión para muchos de los grandes artistas y diseñadores que capitanearon el arte urbano.

¿Pero  cuáles son los orígenes de esta fructífera unión entre el mundo del skate y el mundo del arte?

Lote 35352076. Keith Haring. 1986

En 1963, en la ciudad de Malibú, se creó el primer skate de la historia, pero no sería hasta los años 80 cuando causando auténtico furor entre las nuevas generaciones de la época  dando lugar a un nuevo fenómeno: ‘los skaters’. Desde entonces, el skateboard se ha convertido en una filosofía de vida para muchos siendo aun hoy en días uno de los elementos clave de la cultura urbana.

Lote 35346040. Después de Jean-Michel Basquiat
Lote 35352089. Kris Markovich

Por otro lado, el éxito del Street art o arte urbano pese a surgir de forma simultánea al skateboard durante la década de los años 60, no alcanzó su máximo apogeo hasta la década de los 90, cuando gracias a artistas como Keith Haring o Basquiat se convirtió en un fenómeno de alcance mundial que ha pasado a la historia como una de las revoluciones artísticas fundamentales del siglo XX.

Por tanto, no nos debe extrañar que el carácter underground y rebelde del skatebording terminara vinculándose creativamente al del arte urbano o Street art. Unos sancionados por expresar su arte en las paredes, otros por utilizar el mobiliario urbano a su antojo… Sin duda de la combinación de ambos surge una de las expresiones por excelencia de los movimientos contraculturales.

Lote 35346042. Madsaki
Lote 35352080. Haroshi
Lote 35346010. M. Chat

La subasta que tendrá lugar el próximo día 4 de marzo  representa una autentica novedad  dentro del mercado nacional. La colección de más de 100 skates serigrafiados en colaboración con algunos de los artistas, skaters y diseñadores contemporáneos más aclamados es sin duda el conjunto más amplio jamás reunido por una casa de subastas nacional.

El valor de estas tablas creadas en colaboración con las marcas más icónicas del sector se encuentra en las ediciones limitadas, de las cuales muchas de ellas han sido tan exitosas que han llegado al sold out, así como en el diseño y en las ilustraciones que, decorando su parte inferior, se han convertido en el canal perfecto a través del que divulgar el mensaje que el arte callejero lanzó al mundo.

Entre las tablas en licitación encontramos auténticas joyas como la que Kate Haring diseñó en colaboración con la marca New York City Skateboards, en 1986 o las colaboraciones de grandes artistas en activo tan destacados como Damien Hirst, Yayoi Kusama, Jeff Koons, Felipe Pantone, Hiroshi, Murakami, Merilyn Minter o Pure Evil.

Lote 35346039. Yayoi Kusama para MOMA
Lote 35352079. Damien Hirst
Lote 35352167. Takashi Murakami

De hecho, la fiebre de los skates serigrafiados llevó a las grandes figuras de esta autentica filosofa de vida como Bucky Lasek Tom Knox, , Jason Dill o Jake Donnelly a diseñar sus propias tablas junto a marcas tan míticas como Santa Cruz, Supreme Element o The skateroom.

En definitiva, esta subasta que rescata la esencia de la época de esplendor  del skate nos demuestra el impacto que ha alcanzado en el mercado del arte y el lujo, pero también como en los últimos tiempos y gracias a este tipo de expresiones artísticas el arte se ha democratizado para hacerse más accesible al gran público y a nuevos coleccionistas.

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Arte sacro: de lo divino y lo humano

Arte sacro: de lo divino y lo humano

Setdart licita más de quinientas piezas procedentes de una exclusiva colección de arte sacro. Toda una vida dedicada al coleccionismo devocional.

¿Podría llegar siquiera Lutero a imaginar lo que desencadenarían sus noventa y cinco tesis en la puerta de la iglesia de Todos los Santos de Wittenberg? Siglos después, la imaginería sigue estando presente en las calles, con artistas contemporáneos que continúan la senda de aquellos que, años atrás, dotaron de pasión a la madera.

La Iglesia, junto con la Corona, ha sido uno de los principales comitentes de obras de arte a lo largo de la historia, sólo desplazados por la burguesía, cuyo poder fue aumentando exponencialmente desde el siglo XVII. Si bien, y en especial a partir del siglo XIX, la producción de obra sacra ha declinado, todavía existen destacados artistas elaborando piezas de una calidad excepcional y que nada tienen que envidiar a las de talleres anteriores de gran renombre.

Lote 35268623

No es nada común que una colección de este tipo salga al mercado, pudiendo disfrutar de todo un recorrido por la historia del arte sacro. Destaca el lote 35268623, una Virgen de las Angustias, talla granadina de finales del siglo XVII, la cual podemos inscribir en el círculo estilístico del taller de los Mora. Se trata de un magnífico ejemplo de la síntesis entre madera y textil, tan propio de esta tipología de pieza vestidera, pues la capa de terciopelo con bordados de hilo de oro y plata data del siglo XVIII.

Avanzando hasta el siglo XX topamos con uno de los nombres propios de la subasta en el lote 35248518, Castillo Lastrucci, sobradamente conocido en Sevilla por su prolífico papel en Semana Santa, con obra en hermandades como la de El Dulce Nombre o la Hiniesta.

Lote 35248518

Finalmente, y ya en el siglo XXI, Manuel Martín Nieto recoge el testigo, con hasta cuatro piezas, aunque destaca el lote 35268619, una Piedad donde podemos ver materializadas las palabras de Andrés Luque Teruel sobre el imaginero: “es uno de los máximos responsables del intenso brote naturalista que caracteriza la evolución y la brillante transformación de la escultura neobarroca andaluza en las dos primeras décadas del siglo XXI”.

Lote 35268619
Lote 35268624
Lote 35248507
Lote 35268620

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Tesoros de Oriente

Tesoros de Oriente

Setdart presenta, como parte de una colección privada anglo-española, una selección de piezas orientales que aglutinan gran parte de las técnicas artísticas que fascinaron a occidente desde el siglo XVI.

 

Si bien las tierras orientales de Asia no eran desconocidas para los europeos, en parte gracias a Marco Polo, hasta el siglo XV estas dos culturas habían vivido de manera prácticamente ajena entre sí, estableciendo pequeños vínculos intermitentes protagonizados por mercaderes o nómadas. Gracias a los avances en materia geográfica que marcan el comienzo de la Edad Moderna, las riquezas de los cinco continentes se convierten en un todo que inicia un incansable flujo por el globo, el cual continúa hasta el día de hoy.

Pioneros en esta red de comunicaciones marítimas fueron España y Portugal, cuya avalancha de productos, nunca antes concebidos, a los puertos de Sevilla y Lisboa provoca una fascinación febril que se traduce en elucubraciones, leyendas y, sobre todo, ingentes intercambios comerciales. El monopolio duraría únicamente un siglo, pues pronto ingleses y holandeses reclamarían su pedazo de pastel con la creación de las compañías de las Indias orientales.

Catalina de Austria o Felipe II fueron también embelesados por los tesoros orientales, distribuyéndolos en forma de obsequios por las cortes europeas o formando parte de sus colecciones personales.

Este gusto no decayó en los siglos siguientes, sino más bien al contrario, alcanzó su cenit en el siglo XVIII con la porcelana como protagonista. Creada ex profeso en los alfares de Jingdezhen, combinaba motivos chinescos con elementos o tipologías de la tradición occidental, en ocasiones obedeciendo a encargos particulares.

Ejemplos paradigmáticos, que hablan de esta unión extraordinaria, se pueden encontrar en las piezas que licitamos.

Lote 35312897. Expuesto en Setdart Madrid

El lote 35312897, un plato del periodo Wanli, es un buen primer testimonio de esas piezas hechas para la exportación, y cuyo nombre, tal vez, guarde relación con las carracas portuguesas, buques mercantes portugueses que poblaban las costas del viejo continente.

Lote 35314969. Expuesto en Setdart Madrid
Lote 35314919. Expuesto en Setdart Madrid.

Avanzando un poco en el tiempo, ya dentro de la Dinastía Qing, periodo Kangxi, en el umbral del siglo XVIII, aparece la porcelana de Batavia o “café con leche”, representada en el lote 35314969, la cual toma su nombre de la actual Yakarta, donde la Compañía Holandesa de las Indias Orientales había establecido su centro de operaciones; posiblemente debiera su tonalidad a la cerámica Yixing, en un deseo de aunar sus características con las de la porcelana. Sin abandonar el periodo Kangxi, otras de las piezas que recuerdan la síntesis de culturas son las del lote 35314919, con monturas en plata neerlandesa.

Lote 35315011. Expuesto en Setdart Madrid

Finalmente, y como prueba de toda la influencia que la cultura china ha tenido en occidente, una pieza, la del lote 35315011 que, tras un primer vistazo, podría pasar por un jarrón cantonés de la familia rosa para la exportación, pero que tras un análisis más pormenorizado revela su verdadero origen: Inglaterra. No son pocas las manufacturas europeas que, debido al éxito de la porcelana china, emularon su estilo para una clientela ávida de “chinerías” a precios más populares, como podría ser el caso de Chelsea o Samson, esta última en Francia.

Estamos ante una oportunidad única para acercarnos a obras de arte que siguen despertando un fervor artístico sin precedentes entre los coleccionistas, obras extraordinarias que aglutinan los pareceres artísticos de dos mundos obligados a entenderse.

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La extraordinaria bodega de un coleccionista apasionado

La extraordinaria bodega de un coleccionista apasionado

Fruto de más de 40 años de coleccionismo, esta bodega que Setdart ofrece contiene caldos y licores de los más codiciados por los amantes del buen paladar.

 

Cualquiera que pase por delante de la casa de este industrial en una calle tranquila de un pueblecito de Badajoz, no puede imaginar la bodega que esconden sus muros. Apiladas desde el suelo hasta el techo, botellas de vino y licor, tesoros vinícolas únicos, han envejecido tranquilamente mientras pasaban las décadas.

Se trata de una colección personal que cuenta la historia de su coleccionista. Como buen apasionado, en un principio no compraba para invertir. Cada botella se compraba para disfrutarla con amigos y familia, según las propias palabras de este coleccionista. Pero llega el momento de racionalizar y permitir que otros compartan el placer que él ha obtenido amasando dicho tesoro.

Charlando con este hombre, curtido por la experiencia y su afición, concluye: “Todo el mundo puede convertirse en un gran aficionado al vino, empezando con vinos sencillos y desarrollando la capacidad de ver las diferencias de sabor y olor.  Al final, todo es emoción. Llega ese momento en el que estás maduro para ello. Tus sentidos están abiertos y esto te permite conectar, discernir y evaluar”.

 

 

Vinos Españoles

Entre las joyas ibéricas que iluminan esta subasta, se alzan con majestuosidad los emblemáticos Vega Sicilia Único, cuyas añadas susurran historias de elegancia y longevidad, un tributo al tiempo y a la tierra que los vio nacer.

También está presente Ribera del Duero con varias botellas de Pingus, un vino que desafía los límites de la perfección, y el Priorat con L’Ermita, una obra maestra que cautiva por su complejidad y carácter único

De la tierra de Toro, la audacia se revela a través de Teso La Monja, una bodega que redefine la grandeza con vinos de intensidad inigualable. Y como no, no podía faltar la Rioja con grandes añadas de Gran Reserva de vinos como Castillo de Ygay, La Nieta o Viña El Pisón.

 

Vinos Franceses

Nuestro coleccionista también rindió homenaje a la elegancia y la sofisticación de los vinos franceses con una selección excepcional de añadas legendarias que han definido la excelencia enológica a lo largo de los siglos.

Desde la mítica región de Borgoña llega la majestuosidad de Romanée-Conti, en el que cada añada es un testimonio de la maestría enológica o el Échézeaux, un tesoro de la Côte de Nuits que deslumbra con su complejidad y elegancia.

Procedentes de Pomerol, varias botellas de Petrus se erigen como un tesoro vinícola que revelan la riqueza y carácter de esta denominación.

También de la región de Burdeos, presentamos una selección exclusiva de los grandes châteaux que han marcado la historia del vino: Château Lafite Rothschild, Château Mouton Rothschild, y Château Cheval Blanc, que representan la cima de la excelencia bordelaise, contando la historia de su terruño y la dedicación de generaciones de enólogos.

Los vinos de la Côte de Nuits también se hacen presentes con el inigualable Richebourg, y también son dignos de mención, Château Haut-Brion, Château Latour, y Château Palmer, llegados de las veneradas tierras de Pessac-Léognan y Margaux, vinos que revelan sus personalidades únicas en cada añada, llevando consigo la esencia misma de la tradición vinícola francesa.

También podemos ver el incondicional Château d’Yquem, un vino dulce de Sauternes que ha conquistado los paladares más exigentes.

 

 

 

Licores

Es inevitable destacar en esta colección una selección de botellas de licores excepcionales, verdaderas joyas para los paladares más refinados y para coleccionistas ávidos de experiencias inolvidables.

Entre las botellas más apreciadas de esta subasta, encontramos 25 cautivadoras expresiones del whisky The Macallan. Desde el Select Reserve 1946, una joya atemporal que rinde homenaje a la destilería, hasta el 25 Anniversary Malt, el Gran Reserva 18 años, el 30 años Blue Label, o el evocador Replica 1841, cada botella es un testimonio del refinamiento y la destreza que caracterizan a esta destilería legendaria.

 

De la destilería The Dalmore tenemos una obra maestra en forma de un whisky destilado en 1973, una creación que despierta los sentidos con sus capas de complejidad y sofisticación y De Ardberg Provenance a Bowmore 30 años, nos invita a explorar las sutilezas del tiempo y la maestría del arte del destilado.

No podemos pasar por alto la presencia imponente de dos excepcionales cognacs de la casa Hennessy, el Eclipse y el Paradis Imperial. Cada sorbo es una experiencia sensorial que trasciende el tiempo, una fusión de savoir-faire y la magia destilada en el corazón de la región de Cognac.

La tradición española en la destilería de licores también está presente en esta colección donde encontramos exquisitas creaciones de las Bodegas Rubio Millán como el Luis Felipe Gran Reserva, un brandy que encarna la maestría artesanal y la dedicación a la excelencia o el Luis Felipe 100 años, una síntesis de un siglo de destilación que revela capas de complejidad y carácter.

 

Desde la cuna del brandy, Jerez, presentamos dos tesoros más: el Conde de Garvey Solera Gran Reserva, un brandy que fusiona la tradición con la modernidad, y el Cardenal Mendoza Non Plus Ultra, una expresión máxima de la artesanía jerezana.

 

 

Champagnes

Los Champagnes son verdaderas joyas efervescentes que añaden un toque de exquisitez y celebración a esta colección.

Desde la casa Krug, el Clos du Mesnil 2000 deslumbra con su elegancia y complejidad, revelando la esencia de la prestigiosa región de Le Mesnil-sur-Oger. El Magnum de Ruinart L’Exclusive 2000 irradia sofisticación, destacando la destreza de esta histórica bodega que ha perfeccionado el arte de la burbujeante excelencia.

La presencia del Louis Roederer Cristal 1995 añade un toque de glamour a la subasta, recordándonos por qué este Champagne es la elección de los conocedores más exigentes. La Cuvée Dom Pérignon Millésime Vintage 1990, proveniente de la legendaria casa Moët & Chandon, captura la esencia de una añada excepcional con su elegancia atemporal, y no podemos pasar por alto el Salon Blanc de Blancs Le Mesnil 2002, un Champagne que representa la pureza y la perfección de las uvas Chardonnay de la región de Le Mesnil-sur-Oger.

Estas botellas, cuidadosamente seleccionadas, no solo son burbujas en una copa, sino testimonios efervescentes de la maestría y el arte que solo los grandes Champagnes pueden ofrecer.

¿Es usted el propietario de la próxima bodega que aparecerá en la subasta de vinos de Setdart?

 

En Setdart realizamos subasta de vinos periódicamente. Si desea vender su colección de vinos, en Setdart nuestros expertos le aconsejarán la mejor estrategia a seguir. Envíe un correo a tasaciones@setdart.com, un whatsapp al número 638 388 127 o llámenos al 932 46 32 41. Estamos a su servicio para conseguir la mejor rentabilidad.

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Maestros del metal: brillo & pátina

Maestros del metal: brillo & pátina

Setdart licitará un interesante conjunto de bronces franceses y belgas del siglo XIX y XX, inmejorable oportunidad para incluir a algunos maestros de esta aleación en nuestras colecciones

Deudor de la escultura monumental, el bronce ha gozado de la atención de las grandes cortes europeas desde el siglo XVI, haciéndose un hueco en las colecciones más relevantes del viejo continente. Ha jugado un papel clave en las relaciones diplomáticas entre las diferentes monarquías, adecuándose como regalos, por ejemplo, en agradecimiento por la obtención de favores o, al contrario, con la voluntad de obtenerlos. Su reducido tamaño no ha sido sino una ventaja para artífices y coleccionistas, pues requieren de menor cantidad de metal y su ligereza facilita el transporte, características que han impulsado su difusión.

El bronce de pequeño tamaño fue, desde su nacimiento, concebido como objeto de colección, destinado a engalanar las wunderkammer o cámaras de maravillas de la alta nobleza, pues reproducían la estatuaria clásica recientemente descubierta en la Italia del Quattrocento. Fue tal su éxito que los broncistas se vieron obligados a ingeniárselas para conservar el modelo original y poder vaciar más de un ejemplar.

La transformación de la industria del bronce llegaría, sin embargo, ya en el primer tercio del siglo XIX en Francia, de la mano de Achille Collas, quien patentaría una máquina capaz de reproducir esculturas a menor escala, la réduction méchanique, y de las propias casas de fundición, que permitirían a los artistas una propagación masiva de sus piezas. Ejemplos de esto los encontramos en las piezas licitadas de los belgas Léandre Grandmoulin y Albert Hambresin, cuyas firmas están acompañadas por la rúbrica de la Fonderie Nationale Des Bronzes y de la Compagnie des Bronzes de Bruxelles, respectivamente.

De todos los artistas que se lanzaron a trabajar el bronce en la Francia decimonónica, gracias a las posibilidades que ofrecía, fue protagonista Auguste Rodin, el cual hizo de este brillante metal su seña de identidad. Las piezas del parisino, cuando son de gran formato, pueden alcanzar cifras millonarias en subasta, lo que habla de la alta estima en que el mercado tiene al escultor, siendo números más modestos, aunque nada desdeñables, los de sus piezas de pequeño formato. Por poner un ejemplo, la misma pieza que podemos ver en Setdart, el busto de Suzon, con las mismas marcas de fundición, salió en Christie’s París, con una estimación idéntica, y acabó por rematarse en 30.000 euros. Además, es posible encontrarla en diferentes museos, como el Musée Rodin o el Brooklyn Museum.

El bronce en pequeño formato ha sido y sigue siendo una apuesta segura para los coleccionistas, siendo piezas nacidas para los amantes del arte, aunando la expresividad de la escultura y el virtuosismo de la miniatura.

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Sylvie Fleury: el objeto como fetiche

Sylvie Fleury: el objeto como fetiche

 

 

 

Una de las mujeres artistas que más impacto y repercusión ha causado en el panorama artístico de las últimas décadas llega a Setdart con una de sus icónicas obras-fetiche. Además de formar parte de grandes colecciones públicas, sus creaciones, tan polémicas como seductoras, han cautivado  al exigente sector del mercado del arte internacional.

Sylvie Fleury

Rulos, paletas de maquillaje, bolsos de lujo, carros de la compra o coches… todos ellos han sido objeto de la lente bajo la que Sylvie Fleury transforma la naturaleza de estos objetos para dotarlos de nuevos y subliminales mensajes mediante los cuales pone en jaque los valores de la sociedad actual.

En un contexto histórico dominado por el neoliberalismo irrumpe a mediados de los años 90 en la escena artística la artista de origen suizo que saltó a la fama gracias a su obra Shopping bags. Fleury ha construido las bases de su trayectoria entorno a una fascinante reflexión acerca del consumismo mediante la cual, además de enfrentarnos a la realidad social de nuestro tiempo, nos invita a reconsiderar y cuestionar las dinámicas y valores que han regido esta sociedad de consumo.

Bajo esta premisa, Fleury se apropiará a aquellos elementos visuales y estéticos heredados del pop art, del minimal y del arte conceptual para explorar y ahondar en aquellos códigos que han cimentado la imagen de la feminidad y la masculinidad a la luz del consumismo. Fleury nos plantea de este modo dos líneas de debate que se imbrican en su obra demostrando la incidencia de la cuestión de genero en relación con nuestras pautas de consumo y nuestro deseo materialista desaforado.

Lote 35112510 expuesto en la sede de Setdart Barcelona

En este sentido, y como sucede en el caso de la obra en licitación, Fleury traslada aquellos objetos relacionados con el lujo, la moda y la belleza femenina al contexto artístico poniendo el foco de atención en los mecanismos que han contribuido a la creación constante de nuevas y superfluas necesidades, permitiendo al espectador revaluar las políticas contemporáneas de género, belleza y consumismo.

Los elementos que habitualmente emplea para sus esculturas, performance, instalaciones, pinturas tridimensionales o ready-mades suelen ser objetos prefabricados y de ámbito doméstico que, como en el caso de los rulos y horquillas dispuestos dentro de una urna, envuelve de un aura de armonía, belleza y sacralidad que eleva aquello cotidiano y “vulgar “a la categoría de fetiche.

Lote 35112510

Como en la mayoría de sus obras, la artista trata de evocar una multiplicidad de estereotipos de género señalando el horizonte de sus respectivos clichés y, como en el caso de la mujer, estos están estrechamente relacionados con el obsesivo culto a un canon de belleza casi inalcanzable que mediante una publicidad que nos bombardea constantemente nos han hecho desear de forma obsesiva.

Sin perder el toque irónico y su reconocida atracción por todo aquello que envuelve el mundo del glamour, Fleury nos pone frente a un espejo que nos devuelve nuestra imagen más frívola y superficial.

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Luis Tristán, el legado del Greco en sus discípulos

Luis Tristán, el legado del Greco en sus discípulos

 

 

Los caracteres griegos que encontramos en algunas de las obras maestras del Museo del Prado son el ejemplo más claro de orgullo, tanto de su origen como su oficio:  Δομήνικος Θεοτοκόπουλος. La historia ha decidido apodarlo como “el Greco” por su nacimiento en Creta; allí asimiló la tradición del icono bizantino y posteriormente el gusto veneciano de Tiziano y Tintoretto. Estas dos influencias se reunirían en un estilo propio, sin comparación en Europa. Esta característica maniera avanzaba una modernidad que tardaría siglos en llegar, sin embargo, la huella de su genio caló en sus discípulos.

Circulo del Greco, San Andrés. Licitado en Setdart

El volumen de sus encargos al igual que las dimensiones de muchas de sus obras dan fe de que el artista precisaba de colaboradores que le permitieran abordar trabajos colosales. Los más aventajados serían Jorge Manuel, hijo del artista, y el toledano Luis Tristán. Este último conseguiría en vida una reconocida reputación ya que, durante su juventud, en el taller del Greco logró un parecido tan alto con las obras del maestro que, en algunos casos, hasta le fueron atribuidas. Su estilo cambió tras sus años de estancia en Italia con apenas veintiún años. De vuelta a Toledo su forma de pintar había tornado hacia un naturalismo caravagista, alejándose de la estética manierista, pero sin olvidar parte del bagaje aprendido de su juventud a la sombra del genio cretense.

Jorge Manuel Theotokópoulos. San Juan Bautista. Licitado en Setdart

Esta dualidad de estilos podía manifestarse al mismo tiempo en un cuadro, decantándose en mayor o menor medida por uno, según los gustos del cliente o según los recursos que le convinieran mejor para cada obra en concreto. Es, por tanto, un autor versátil gracias a sus influencias e igualmente con una gran creatividad a la hora de crear modelos propios. Sus composiciones fueron replicadas tanto por su taller como por sus seguidores.  Este hecho prueba que el legado de su estilo y sus obras han perdurado hasta nuestros días. Setdart ha presentado en estos últimos años varias obras notables de Luis Tristán, destacando en la próxima subasta el “San Jerónimo penitente”.

A la izquierda el lote en licitación con número 35306865, y a la derecha otra versión del artista vendida en el año 2023 en Setdart, con un remate de 19.000 €

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Eduardo Úrculo y la figura del viajero

Eduardo Úrculo y la figura del viajero

 

La  imagen  del viajero,  ya sea paseando, vagando frente al mar u observado absorto el infinito, permanece enraizada a nuestro imaginario colectivo gracias, en parte, a la literatura y filosofía surgida durante el Romanticismo que cultivó con verdadero entusiasmo el carácter intimista y subjetivo  que desde entonces impregnó su relato.

De hecho, la herencia romántica ha perdurado  hasta llegar a nuestros días mediante multitud de artistas que han encontrado en la figura del viajero una forma de autorreferencia, cuyo viaje se transforma en una alegoría del periplo que vive el propio artista. Desde Friedrich y su “Caminante frente al mar” han sido muchos los que han adoptado y adaptado la formula narrativa del  viajero que, siempre de espaldas, observando ensimismado  el paisaje, encarna la idea de ese eterno viaje introspectivo con el que la figura del artista se identifica.

En este sentido y pese a su aparente oposición, la obra de Eduardo Úrculo  se acercó durante los años 80 a esta visión romántica a través de las lecturas de la obra de  Charles  Baudelaire o Verlaine, pero también de pintores que, como David Hooper, impregnaron la concepción del viajante  de un aura nostálgica e introspectiva.

Será a partir de entonces cuando la pintura de Úrculo virará hacia una temática de carácter más narrativo, en la que la soledad del hombre moderno, encarnada en  la figura del viajero errante, llenará sus composiciones. En este sentido la obra en licitación forma parte de este gran ciclo de pinturas que en sus manos se convierten en  alegorías del propio viaje creativo del artista.  La pintura, presidida por sus  inconfundibles hombres de espaldas que ataviados con gabardinas y sombreros observan expectantes la ciudad que se eleva ante ellos, hereda de la obra de Hopper ese “silencio poético” que se desprende de una estética de lo contemplativo.

 “El viaje es la memoria a cuestas, con todas sus esencias y perfumes, circunstancias y sustancias” Eduardo Úrculo.

Lote 35301590. "Conspiración en Nueva York", 1998.

En efecto, Úrculo se encuentra entonces en una etapa que podríamos llamar de introspección, en la que la  visión del viaje ya fuera por el mundo o por su interior se plasmará mediante una figuración de simplificado realismo cuya narrativa resulta tan nostálgica como misteriosa e inquietante. En lo estrictamente pictórica, los contrastes cromáticos acusados, la economización de formas y la dramatización de luces y líneas que estructuran el espacio, dan luz a una imagen que Úrculo convirtió en uno de los mayores iconos de su producción.

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Venus púdica: Eterna belleza femenina

Venus púdica: Eterna belleza femenina

 

Las pasiones de los dioses del Olimpo se convirtieron en las historias míticas que mayor interés y empatía despertaron en la devoción de los fieles griegos. Si tenemos que hablar de la patrona del amor, Afrodita, este sentimiento adquirió una gran intensidad debido a que la Diosa encarnaba los valores del amor, la belleza, el erotismo y la pasión. El pueblo griego representó  su panteón de un modo ideal y severo, simbolizando así la perfección más absoluta y la distancia entre la divinidad y la mortalidad.

Situado en una zona elevada junto a la costa turca, rodeado de jardines de mirto, vides y cipreses y dispuesto en una columnata circular con dos accesos, el templo de Afrodita en Cnido, permitía al fiel contemplar la figura de la diosa en todo su esplendor. La escultura de Afrodita de Cnido logró que todo el que la viera quedara cautivado, su desnudez sutil conseguía despertar la imaginación, pero su realismo la convirtió en una mujer veraz, al mismo tiempo mundana y divina. Prueba del absoluto hechizo que provocó su belleza la encontramos en las numerosas leyendas de hombres que perdieron la cabeza por la misma estatua, o los miles de peregrinos que durante siglos acudieron a admirarla.

Tholos de Afrodita en Cnido, actual Turquía.

Las historias que rodean la creación de la obra no distan del mito de la propia Afrodita. Se sabe que Phryné, amante de Praxíteles, fue el modelo que inspiró la escultura. Contemplada por el escultor al emerger de las aguas, la belleza de Phryné generó una impresión tan sobresaliente, que Praxíteles inmortalizó el momento y a su amada elevándolos así a la eternidad. Con esta obra maestra cambiaría el curso del arte y buena parte de nuestra cultura, ya que se trata del primer desnudo femenino conocido en la estatuaria griega. La audacia y la novedad de la escultura se vio empañada por la controversia al ser rechazada por su inicial comitente, la ciudad de Cos.

Phryné en los misterios Eleusinos 1889. Henryk Siemiradzki (1843-1902)

Sin embargo, a pesar de la polémica la escultura no sólo alentó el inició de un nuevo tema de la historia del arte, sino que marcaría un canon sobre el ideal de belleza en la representación del cuerpo femenino. Las proporciones y rasgos de la estatua servirían de modelo para las generaciones futuras al personificar la máxima del ideal clásico. Este éxito propició la copia e imitación de la obra original y desde el siglo IV a.C. hasta nuestros días, se ha venido replicando como un eco de la escultura primigenia, en el que sus rasgos principales se aprecian con un espíritu semejante.

Venus. Lote 35279699

La fascinación del pueblo romano por la cultura griega alentó tanto el coleccionismo de esculturas antiguas como de copias e incluso reproducciones. Las excavaciones arqueológicas han sacado a la luz en todo el Imperio Romano un buen numero de Venus Púdicas poniendo de manifiesto su trascendencia en la Historia.

Nos complace presentar una versión romana de excepcional calidad. La nítida superficie de mármol adquiere la sedosa textura de la piel. Los movimientos sesgados por el paso del tiempo parecen no detenerse. Imaginemos por un instante el efecto realista que tendría esta pieza gracias a la policromía naturalista y su correcta ubicación espacial. Un ejemplo único que actúa como un eco de la mítica Afrodita de Cnido, la belleza del cuerpo femenino elevada a la eternidad.

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Maurice Vlaminick: un fauvista bajo la órbita de Van Gogh

Maurice Vlaminick: un fauvista bajo la órbita de Van Gogh

 

En una época en la que Paris se había consolidado como el epicentro artístico por antonomasia, las experimentaciones pictóricas de un grupo de jóvenes artistas entraron en escena para dar un giro radical al mundo del arte que desembocaría en el inicio de las vanguardias.

Los nombres de Matisse, Derain y  Vlaminick quedarían unidos por siempre bajo el nombre de Les Fauves, en referencia al espíritu rebelde y fiero que les dominó. En sus obras usaban colores puros y arbitrarios, exageraban el dibujo y forzaban la perspectiva hasta lograr asombrar  a quienes veían sus obras por vez primera.

En este aspecto, es muy probable que la personalidad y obra de Vlaminick sea la que dé forma más fiel y extrema encarnó la idiosincrasia fauvista. Pese a la corta existencia del grupo (1904- 1907), el espíritu fauve permaneció en Vlaminick de forma inapelable, convirtiendo sus lienzos en un lugar donde verter de forma tan intuitiva como vehemente sus propias emociones. Ejemplo de ello es el lienzo en licitación, cuya creación, pese a no inscribirse en la etapa propiamente fauvista permanece impregnada del carácter espontáneo instintivo y arrollador que caracterizó a Vlaminick.

"Maurice Vladimir" de Man Ray. Centre Pompodou

Entendiendo el color como la liberación espontánea de lo instintivo, Vlaminick plasmó a través de sus paisajes no solo su propio temperamento, sino que también expresó su propio sentir respecto al contexto histórico belicista.

Su carácter rebelde y contestatario, queda registrado en su obra mediante una pincelada nerviosa y gruesa, de empastes densos que no hacen más que potenciar la arrebatada y flamante expresividad del paisaje, cuyo agresivo cromatismo ya no necesita de la exaltada vivacidad propiamente fauvista, sino que mediante tonalidades sombrías pero contrastadas, logra extraer toda la potencia de las fuerzas de la naturaleza. En este sentido, el legado de Van Gogh, reconocido como el verdadero padre del expresionismo, fue del todo determinante en el desarrollo de la obra de Vlaminick, quien quedó completamente conmocionado tras asistir a la exposición que tuvo lugar en Paris en el año 1901

Lote 35286391

Como para las expresionistas alemanas, Van Gogh fue para los fauvistas un referente imprescindible, no solo por el empleo de una  pincelada vibrante y una paleta de colores encendidos, sino también en la manera de representar ciertos géneros, como el autorretrato, el retrato y el paisaje. En cuanto a esta última temática, Vlaminick sintió una especial admiración por la forma en la que Van Gogh luchaba por expresar, en el cuadro, su estado interior.

Vlaminick no solo admiró las cualidades formales de la pintura de Van Gogh, sino que también fue un referente en cuanto a la intensidad de su visión artística y vital porque, del mismo modo que sucede con la pintura de Van Gogh, los suyos fueron sin duda, unos paisajes surgidos de la pasión y de un instinto salvaje.

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Manolo Valdés: una visión contemporánea de la historia

Manolo Valdés: Una visión contemporánea de la historia

 

Subasta 10 de Enero

 

Tras 6 décadas dedicadas al arte, Manolo Valdés se ha consolidado como uno de nuestros artistas más reconocidos internacionalmente. Cosechando éxitos alrededor del mundo, Valdes sigue demostrando que su pasión y talento son incombustibles.

Desde sus inicios en los años 60 hasta la actualidad, la obra de Valdes ha evolucionado con absoluta coherencia, explorando y conquistando nuevos territorios artísticos desde un hondo conocimiento de la historia del arte y la admiración más profunda hacia sus grandes maestros. Sin embargo, lejos de contemplarlos desde la lejanía, Valdés rescata y toma de ellos aquellos aspectos de su arte que considera más oportunos para llevar a cabo un apoteósico ejercicio de reinterpretación y recontextualización de la propia historia del arte con la que, década tras década ha forjado su inconfundible universo creativo.

Lote 35301526

Lejos de caer en la monotonía que podria deriva de la reiteración de una misma fórmula, Valdés nos descubre su inmensa habilidad a la hora de vertebrar su trabajo bajo un mismo denominador común, evolucionándolo y reinventándolo en cada una de sus facetas. De hecho, tras finalizar su periplo   como integrante de equipo crónica, los años 80 fueron para Valdés un periodo indispensable de maduración y crecimiento creativo que lo encaminó definitivamente a descubrir y alcanzar ese estilo tan personal y genuino al que desde entonces ha permanecido fiel.

En este caso, y como ha sido recurrente a lo largo de su  trayectoria, Valdés acude a uno de los grandes iconos de la historia del arte como es Diego Velázquez y su retrato de Felipe IV para acabar convirtiéndolo en un nuevo icono en clave contemporánea.  En un proceso de depuración plástica extrema, la gorguera y el perfil del monarca quedan reducidos a planos geométricos y líneas sintéticas, lo mismo que el traje cortesano. Esta tendencia, queda patente también en la evidente reducción cromática, oscureciendo la paleta al máximo hasta dotar a la figura de una intensidad espectral. Con ello, Valdés pretende diseccionar un arquetipo cargado de simbolismo que, como Felipe IV, es depositario de una larga historia de representación del poder.

Diego de Velázquez. "Felipe IV"

Por tanto, el ejercicio plástico y estético de Valdes, con su juego de permutaciones estilísticas y referencias a la historia, da paso a una nueva imagen  que en su completa originalidad y contemporaneidad, logra establecer  un dialogo entre el arte del pasado y del presente que nos hace cuestionar la realidad de la época y de la misma practica artística.

Lejos de limitarse a evocar aquellas obras que ya son iconos de nuestra historia, Valdés da un paso mucho más definitivo y contundente: las disecciona y deconstruye para crear una nueva narrativa que mira, descifra y reinventa el arte del pasado desde una perspectiva contemporánea. Una perspectiva, que, con el paso del tiempo, se convertirá también en un enigma que las miradas futuras descifrarán y actualizarán.

 

Remates

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¿Es la tanzanita una buena inversión?

¿Es la tanzanita una buena inversión?

Subasta 27 de Diciembre

La tanzanita es una piedra preciosa con unas tonalidades y belleza únicas; escasa,  misteriosa, y, por tanto, con una valoración alta, sobre todo en las de mayor calidad.

Descubierta en las colinas de Mererani en la Región de Manyara, al norte de Tanzania en 1967, cerca de la ciudad de Arusha y el Kilimanjaro.

La tanzanita es la variedad azul/púrpura del mineral zoisita. La totalidad de las tanzanitas sufren un tratamiento de calentamiento en un horno, a una temperatura de entre 550 °C y 700 °C, para dotarlas de unas tonalidades entre azul violáceo y violeta azulado.

A pesar de que sus características gemológicas son inferiores a las del diamante, es mucho más escasa. Ha ido ganando popularidad entre joyeros y coleccionistas por su exclusividad, ya que, el único yacimiento existente se encuentra en Tanzania y ocupa apenas unos 20 kilómetros cuadrados.

Su precio, desde que fue descubierta, ha aumentado de manera exponencial. La oferta de esta piedra fluctúa, porque su única fuente está siendo explotada frenéticamente para satisfacer una demanda cada vez más grande.

Los célebres joyeros de Nueva York, Tiffany & Co, le atribuyeron su nombre después de registrarse como su principal distribuidor. Lanzó una gran campaña de marketing declarando a la tanzanita como “la piedra azul más hermosa descubierta en más de 2.000 años”, afirmando con orgullo que la tanzanita sólo podía encontrarse en dos lugares del mundo “en Tanzania y en Tiffany´s”

Anunciada como “la piedra preciosa del siglo XX”, las condiciones que han dado lugar a su origen son tan específicas que los gemólogos han descartado por completo la posibilidad de encontrar otro yacimiento de tanzanita en cualquier lugar del planeta.

Linda Kennedy, gemóloga de Richland Resources, está de acuerdo con este pronóstico. “Las posibilidades de que los factores naturales que originalmente se produjeron para concebir la tanzanita vuelvan a ocurrir son menos de una entre un millón; es como ganar una lotería geológica”, dice Kennedy, explicando por qué es poco probable que alguna vez se descubra una fuente alternativa.

Debido a este proceso tan singular, se espera que las minas de tanzanita se comiencen a agotar en unos diez o veinte años. Por consiguiente, se está convirtiendo en una piedra cada vez más escasa, especialmente en la calidad más deseable, que representa menos del 1% de la producción total.

Setdart tendrá a su disposición, en la próxima subasta del 27 de diciembre, una variada colección de piezas con tanzanitas de excelente calidad, en su mayoría certificadas por The Tanzanite Laboratory.

Les animamos a invertir en “la piedra preciosa del siglo XX”.

Lotes 35309206, 35309203 y 35309202

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Una pintura impresionista y su enigmática autoría

Una pintura impresionista y su enigmática autoría

Subasta 18 de Diciembre

Las vanguardias y el arte contemporáneo han abanderado el concepto de libertad creativa en el arte, pero fue el impresionismo la corriente estética que originó una ruptura con los preceptos de la academia y asentó las bases de una revolución artística fundamentada en el color y la luz. Cautivos de su propia época, los pintores impresionistas aceptaron la vertiginosidad de su tiempo elevando la pintura y desvinculándola de una visión completamente anacrónica e institucional.

Durante el siglo XIX, Francia experimentó una fuerte industrialización y un desarrollo urbanístico que supuso grandes cambios en la sociedad. Este hecho provocó que los artistas buscaran más allá de sus talleres, inspirándose, tanto en el paisaje urbano como en un concepto más idílico representado por la vida en el campo. Además, la industrialización favoreció el desarrollo de nuevos materiales y técnicas que permitieron a los artistas salir al exterior y capturar escenas con una mayor rapidez y espontaneidad. Los avances técnicos acrecentaron el  interés por el estudio de la luz, redescubriendo el paisaje a través de una visión sensorial que favoreció la creación de  múltiples versiones de una misma escena mediante las cuales podían capturar los fenómenos  atmosféricos que se sucedían a lo largo del día.

El próximo 18 de diciembre, Setdart desvela por primera vez en el mercado un  lienzo cuya enigmática e incierta autoría aúna todos aquellos valores plásticos que hicieron del movimiento impresionista una autentica rebelión artística.

Lote 35277034

La historia que se esconde tras ella, así como los resultados de los análisis realizados permiten situar la obra en el marco cronológico correspondiente al movimiento impresionista. En este sentido, las investigaciones en torno a la trazabilidad de la pieza nos llevan hasta 1921, año en el que nuestra obra fue trasladada desde Francia a España por herencia de Don Fernando de Orleans, bisnieto del último rey de Francia.

Por otro lado, el análisis de pigmentos nos descubre una capa de imprimación que se corresponde con la utilizada por Pissarro, Monet o Manet, de igual modo que los pigmentos elegidos por el autor, entre los que destacan el blanco de cinc o el amarillo de cromo. La aplicación del color se estructura como es habitual en la pintura de herencia puntillista, en forma de superposiciones de capas pictóricas o pinceladas dadas con gran rapidez, sin dejar secar las capas previas. Por ultimo y como dato revelador, la abrasión situada en la esquina inferior izquierda sugiere que la pieza pudiera estar firmada en origen.

Sin embargo, lo realmente apasionante de este caso es la cercanía tanto compositiva como temática con la famosa pintura “La Bergère rentrant des moutons”, creada por Pissarro en 1886. Famosa por protagonizar uno de los litigios más relevantes del siglo XX. La historia de “La Bergère rentrant des moutons” se remonta a los años 40 cuando Gaston Lévy, coleccionista francés, vendió la pintura a Théophile Bader, fundador del Groupe Galeries. Posteriormente, acabó formando parte de la colección de Yvonne Meyer. Sin embargo, y pese a asegurar su colección cuando las fuerzas nazis atacaron a familias judías de Francia confiscando sus obras de arte, la agencia de investigación financiera alemana en París terminó por apoderarse de la colección Meyer.

En 1956, las galerías David Findlay de Nueva York adquirieron La Bergère a través de un marchante de arte de Ámsterdam. Un año después fue vendida a la coleccionista Clara Weitzenhoffer, cuyo legado fue donado al Museo de Arte Fred Jones Jr. de la Universidad de Oaklahoma, dando inicio a un litigio referente a la propiedad de la obra que continúa hasta la actualidad.

A día de hoy, y a pesar de la notoria leyenda que envuelve a “La Bergère rentrant des moutons”, no se conoce ninguna versión similar creada por Pissarro. No obstante, la obra que presentamos, con sus vínculos evidentes con los métodos, materiales y estilo de Camille Pissarro, así como por su conexión temática con la obra a la que hacemos referencia, no permiten rechazar de forma irrefutable, la posibilidad que nos encontremos ante una pieza de la mano del maestro impresionista. De hecho, la combinación de elementos técnicos, históricos y estilísticos refuerzan la hipótesis de que esta obra representa no solo un testimonio valioso de su época y del movimiento impresionista, sino que también podría tratarse de una auténtica contribución al legado artístico de Pissarro.

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La fiebre de los Art Toys

La fiebre de los Art Toys:

Subasta 20 de Diciembre

 

En nuestra próxima subasta del 20 de diciembre nos adentramos al mundo de los Art Toys. Para que entendáis el furor de estos muñequitos, os explicamos en este breve video qué son los Art Toys, porqué son obras de arte, quienes son sus coleccionistas, cuanto cuesta un Art Toy y los iconos que presentamos en nuestra próxima subasta.

 ¡Suerte en vuestras pujas!

Dos décadas atrás, inmersos en un escenario saturado por el arte callejero, el hip hop, las marcas, el diseño gráfico, el anime y el manga, diseñadores, creativos y artistas decidieron adoptar el juguete y darle un giro radical. Este objeto aparentemente inocente se transformó en un ícono de culto impregnado de ironía, humor y crítica social.

En el año 1990, Michael Lau, considerado el pionero de este movimiento, da origen a su primera colección titulada “Gardeners”. Esta serie de Art Toys de edición limitada, inspirada en el personaje G.I. Joe y marcada por una estética urbana, fue presentada en el Hong Kong Art Center.

En breve, empresas destacadas como la japonesa Medicom Toy o la estadounidense Kidrobot introducen en el mercado sus propios personajes en series de edición limitada, cada uno con estilos distintivos. Estas compañías, junto con otras que les siguieron, colaboraron estrechamente con diseñadores y artistas de renombre como KAWS, TAKASHI MURAKAMI, RON ENGLISH, GARY BASEMAN, YOSHITOMO NARA y FRANK KOZIK. La contribución de estos artistas consistió en personalizar los juguetes, logrando así la creación de marcas reconocibles y transformando la cultura pop y de masas en pequeñas obras de arte.

Estallidos cromáticos y formas eclécticas, con una diversidad que abarca tamaños y materiales diversos, invaden los estantes de los “kidults”. Este término recién acuñado tiene como propósito definir a esos “niños adultos”, una audiencia novedosa compuesta por apasionados y coleccionistas de Art Toys. Estos objetos generan una demanda tan abrumadora que el mercado muchas veces se ve desbordado.

Es así como los Art Toys ingresan al mercado secundario alcanzando precios que desafían la imaginación. La fiebre por estos objetos de colección ha creado un fenómeno donde la explosión de colores y formas se traduce en un mercado de alta demanda y valor, convirtiendo a los “kidults” en protagonistas de una búsqueda desenfrenada por adquirir estas piezas únicas.

 Obras que apenas han cumplido dos décadas logran triplicar récords y marcar un hito en las casas de subastas. En la actualidad, algunas de estas creaciones exclusivas han adquirido un valor tan exorbitante que solo se pueden apreciar en galerías de arte, museos o en manos de coleccionistas consagrados.

Lote 35301026

No obstante, más allá de su impactante estética y del mensaje que transmiten, parte fundamental de este fervor reside en la amplia gama de precios que ofrecen. Estos abarcan desde unos pocos euros hasta cifras de cuatro o cinco dígitos, abriendo las puertas a nuevos entusiastas y a coleccionistas experimentados, sin importar sus gustos y presupuestos.

Sumérgete en la atmosfera única de la subasta “La revolución de los Art Toys”, programada para el próximo 20 de diciembre, donde podrás encantarte con los emblemáticos “Companion” o “Acomplice” de KAWS. Estas figuras, reconocibles por las inconfundibles “X” en los ojos, han conquistado la cultura popular.

Lotes 35268388 y 35268388

La escena también se ilumina con la presencia estelar de los Be@rbricks, esas piezas coleccionables forjadas por MediCom Toy en Japón en 2001. Surgidas de los originales Kubrick de la misma firma, estos Be@rbricks ostentan cabezas de osos. Entre ellos, resalta el Be@rbrick The Bride, inspirado en la Novia de Kill Bill de la película de Quentin Tarantino.

Lote 35268376

Dentro de nuestros íconos destacan el “PupCup” y el “Little Wanderer” de Yoshitomo Nara, los “Rodent Grin” de la serie “Pop Art” de Ron English, así como el “Legendary Gold” de la serie “Lil Heroes” creado por Edgar Plans. En esta subasta, cada pieza es una narrativa visual que promete capturar la esencia única de estos talentosos artistas contemporáneos.

Lotes 35268515 y 35268516

Parece que los Art Toys no son un efecto pasajero y que han llegado al mundo del arte para quedarse.

Lote 35279127

Solo una advertencia: ten cuidado que enganchan!

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Artistas al Servicio de Felipe IV: El Esplendor y Declive del Siglo de Oro Español

Artistas al Servicio de Felipe IV: El Esplendor y Declive del Siglo de Oro Español

La primera mitad del siglo XVII en España se ha inmortalizado bajo el prestigioso título del “Siglo de Oro” debido a su deslumbrante esplendor artístico. En el ámbito literario, figuras como Quevedo, Góngora y Lope de Vega han dejado una huella imborrable, mientras que en la pintura, Velázquez, Murillo y Zurbarán han elevado el arte a nuevas alturas. Aunque estos nombres resplandecen en las letras y la pintura, es esencial reconocer que otros maestros españoles destacaron igualmente en diversas disciplinas, contribuyendo al cenit de la creatividad en esta época.

Durante el reinado de Felipe IV, se puede afirmar que se alcanzó la cúspide de este esplendor, marcando al mismo tiempo el inicio de su declive. Las continuas guerras del Imperio, enfrentamientos con enemigos y la dificultad de controlar vastas posesiones llevaron a una crisis significativa alrededor de 1640. A pesar de las adversidades, ni las crisis, los conflictos ni las epidemias lograron frenar la pasión de un rey coleccionista.

Retrato de Isabel de Borbón, primera esposa de Felipe IV según el modelo de P.P. Rubens

Velázquez, conocido como el pintor clave de la época, desempeñó roles fundamentales como pintor de cámara, ujier, ayuda de cámara y aposentador mayor de su majestad. Su cercanía con el rey, en quien confiaba como “un hombre de gusto”, permitió la preservación de obras maestras como las de Tintoretto, Veronese y esculturas clásicas que podemos ver actualmente en el Museo del Prado.

En la primera mitad del siglo, los territorios de Flandes estaban bajo la soberanía española, lo que confería a sus habitantes la misma identidad española que aquellos en la península o en ultramar. Fue en Amberes donde el monarca contó con otro destacado pintor: Peter Paul Rubens. Además de enriquecer los sitios reales con sus obras, Rubens asumía roles adicionales, como el de embajador. Sus dos visitas a Madrid tuvieron un propósito diplomático, siendo en su segundo viaje en 1628 cuando entabló conocimiento con Velázquez. Durante esta visita, inmortalizó a la reina Isabel de Borbón en un retrato cuyo modelo original aún se encuentra perdido, conociéndolo gracias a réplicas como la que presentamos, ejecutada por algún pintor del círculo cercano al maestro sevillano.

Frans Snyders, “Perro ladrón”

Otros pintores, como Gerard Seghers en Flandes, contribuyeron enviando obras al Alcázar o al Buen Retiro. Ejemplos de la pasión del rey por la naturaleza y la caza se reflejan en obras de artistas especializados como Frans Snyders y Paul de Vos.

La primera mitad del siglo XVII marcó una época dorada para el arte español, impulsada por el mecenazgo real y la colaboración con maestros de renombre internacional. Este periodo, a pesar de las crisis, dejó un legado artístico duradero que define la riqueza cultural de la España de Felipe IV.

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Madeleine l’Auberpine, mujer del Renacimiento: Testigo de la Elegancia y el Poder en la Corte Francesa del Siglo XVI

Madeleine l'Auberpine, mujer del Renacimiento: Testigo de la Elegancia y el Poder en la Corte Francesa del Siglo XVI

En el tumultuoso escenario del siglo XVI, una figura femenina destaca como un faro de estabilidad y gracia en medio de las luchas religiosas, guerras constantes y alianzas cambiantes entre monarcas. Esta mujer inmutable es la reina Catalina de Medici, una fuerza dominante que ocupó el trono de Francia durante casi cuatro décadas. Sin embargo, entre las sombras de la poderosa reina, emerge otra figura igualmente fascinante: Madeleine l’Auberpine, conocida como Madame de Villeroy, protagonista del retrato atribuido al renombrado François Clouet, pintor de la Corte y retratista predilecto de los más exclusivos círculos aristocráticos de su época que Setdart tiene el privilegio de presentar en la subasta de Antiguos Maestros del próximo 13 de diciembre.

Villeroy, criada en la distinguida familia de los barones Châteauneuf y casada con Nicolas Neufville, secretario de estado, estuvo en el epicentro de las decisiones más trascendentales de la corte. Aunque la influencia de Catalina de Medici tiende a eclipsar a quienes la rodeaban, Villeroy no se desvaneció en la oscuridad. Más bien, su participación activa en la vida cortesana y su posición privilegiada la convierten en una figura importante de la Francia renacentista.

El salón literario de Madame de Villeroy fue un punto de encuentro para artistas, poetas, escritores y filósofos, convirtiéndolo en uno de los más apreciados de la época. Aunque desconocemos la profundidad de su influencia en decisiones políticas, su entorno y los personajes que formaron parte de su vida definieron la Francia renacentista. Su padre y esposo, ambos secretarios de estado, evidencian la conexión directa de Villeroy con el poder político.

Dibujo del siglo XIX copiando el original de Clouet. Biblioteca Nacional de Francia

Más allá de su papel como testigo de los acontecimientos, Madeleine l’Auberpine fue una mujer cultivada y talentosa, encarnando el espíritu del Renacimiento. Su pensamiento humanista se refleja en sus novelas y poemas, caracterizados por un estilo refinado y descriptivo. Se erigió como una defensora activa de los valores humanistas y estéticos, contribuyendo significativamente a la configuración de la sociedad francesa de la época.

El legado de Madeleine l’Auberpine, Madame de Villeroy, perdura en la memoria colectiva como una mujer multifacética, cuyo impacto abarca desde los salones literarios hasta la política, consolidando su posición como una de las mujeres más importantes de su tiempo y un verdadero “homo universalis” del Renacimiento.”

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La revolución del arte cubano. Colección Manuel Reguera

La revolución del arte cubano. Colección Manuel Reguera

Reconocido como uno de los grandes escritores y dramaturgos cubanos del siglo XX, Manuel Reguera fue también un apasionado del arte. Tal y como testimonian el conjunto de fotografías que acompañan la colección que presentamos, Reguera forjó durante los años que permaneció en su país natal, una estrecha amistad con los exponentes más destacados del arte cubano. Fue entonces cuando el escritor, respaldado por el vínculo que le unió a Amelia Peláez, Rene Portocarrero o Eduardo Abela inició su faceta como coleccionista, dando luz a la que sería su colección personal.

El conjunto de obras en licitación materializa la riqueza y espíritu renovador de aquellos artistas cubanos que, como Wifredo Lam, Amelia Pealez o Portocarrero, capitanearon a partir de la década de los años 30 el impulso creativo de las artes plásticas en Cuba. De hecho, su evolución se encuentra íntimamente ligada al triunfo de la Revolución que trajo consigo un cambio abismal en la proyección cultural y artística del país.

Desde entonces, la pintura cubana ha mostrado una gran capacidad para asumir las influencias del arte internacional que, como el primitivismo, el expresionismo la abstracción o la vertiente más magicista, desarrollaron bajo una visión propia que manifiesta una clara voluntad de definir los rasgos propios de la identidad cubana, sus raíces, sus tradiciones y, por supuesto, su cultura. En efecto, no cabe duda que la riqueza que muestra la pintura cubana en la actualidad es deudora del vigor y espíritu renovador que acompañó a estos artistas en su capacidad para asumir los nuevos tiempos que se abrían en el espacio cultural del país.

Incorporando y reinterpretando las tendencias más vanguardistas del momento, artistas plenamente consolidados como Wifredo Lam, Amelia Pelaez, Portocarrerro o Mendive lograron conquistar el mercado del arte internacional convirtiéndose, tal y como demuestran sus excelentes resultados, en un valor seguro dentro del circuito artístico.

Wifredo Lam

En esta importante obra de juventud, Wilfredo Lam vuelca las inquietudes que por entonces dominan su creación pictórica. Tomando un tema de raigambre costumbrista, somete el motivo a un proceso de depuración formal y síntesis cromática que en las décadas siguientes lo llevarán hacia una pintura de carácter más abstracto que derivará en su particular poscubismo surreal. Asimismo, la deuda con Cézanne se hace patente en el esencialismo del paisaje rocoso y en la aplicación del color por planos. Envuelta en una atmósfera atemporal de esta joven tocada con pañuelo, emana una belleza extemporánea y eterna.

Amelia Pelaez

Las obras en licitación son un ejemplo clarividente del equilibro que alcanzó Amelia Peláez entre la modernidad de las vanguardias y sus raíces cubanas. Las enseñanzas adquiridas en París, integradas con la luz y los colores del trópico que siempre llevó consigo, quedan reflejadas en cada una de sus composiciones. Tanto en sus obras de raigambre figurativa como en las más cercanas a la abstracción, el estilo de Peláez queda perfectamente definido tanto por su tendencia geometrizante, como por el rigor de su trazo y fuerte colorido

Rene Portocarrero

La obra que presentamos en subasta pertenece a un periodo de transición en el que el dominio de la geometría dará paso a una estética cada vez más abstracta  Conocido por sus retratos femeninos, Portocarrero nos presenta una imagen excepcional cuya composición  y cierto hieratismo nos acerca a la antigüedad y muy concretamente a los Kuroi e incluso a las representaciones paleocristianas.

El conjunto en su totalidad, en el que también destacan obras de Carlos Enríquez, Felix Abela o Victor Manuel, es sin duda un fiel reflejo de la compleja y cautivadora idiosincrasia cubana

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Subasta especial de obra gráfica todos los meses

El amplio abanico de posibilidades técnicas y estéticas que ofrece la obra gráfica han hecho de ella una práctica artística con una amplia presencia dentro del mercado del arte. Tanto por su naturaleza seriable, como por su implicación en las transformaciones sociales. Este conjunto de técnicas simbolizó el inicio de la democratización del arte, haciéndolo más accesible al gran público y permitiéndonos fantasear con la posibilidad de adquirir un Picasso o Miró sin necesidad de desembolsar grandes cantidades.  Sin embargo, esta misma característica nos ha llevado a menudo y de forma errónea a considerarla un arte menor. Por el contrario, debemos pensar en la obra gráfica como una técnica artística con una serie de particularidades que han permitido descubrir, experimentar y abrir un sinfín de nuevos caminos estéticos. Desde que se popularizara en el siglo XV con la llegada de la imprenta han sido muchos los artistas de renombre (Durero, Rembrandt o Goya) que se han convertido en grandes virtuosos en el arte del grabado. El desarrollo a lo largo de los siglos de estas técnicas, partiendo de las más tradicionales como la xilografía hasta las más modernas como la impresión offset demuestra que la obra gráfica es un espacio de experimentación en el que conviven en armonía la tradición y la innovación.

Por ello desde Setdart queremos reivindicar la obra gráfica como una expresión artística con identidad propia que además representa una magnífica opción para iniciarse en el mundo del coleccionismo o contribuir a enriquecersu trayectoria como coleccionista. A continuación, te mostramos algunas de las obras que podrás adquirir en nuestra próxima subasta de obra grafica

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Rafael Zabaleta, “bodegón compuesto”.

Tras experimentar con distintos lenguajes de raigambre expresionista, fue en lo que podríamos definir como postcubismo donde el pintor andaluz Rafael Zabaleta (1907-1960) encontraría una voz propia, aquella que le granjearía reconocimiento internacional.

La obra que estos días se licita en Setdart Subastas pertenece a este periodo deconstructivo que le conferiría rotunda personalidad. Se trata de un “Bodegón compuesto”, de la serie “Chinero”, fechada en 1957 (véase lote 35216317). En este óleo sobre lienzo, se aprecia la deuda de Zabaleta a la tradición cezanniana, a cuyo legado añade el sesgo vanguardista del cubismo español y el orfismo francés.

Emulando la estética del vitral ricamente facetado, el bodegón se organiza en distintas alacenas que alojan estilizadas copas, fruteros, frascos y cuencos en los que se reducen las formas a lo esencial, y los colores parecen congelar una visión casi caleidoscópica.

Rafael Zabaleta fue fiel a aquellos que le inspiraron desde un principio, tal como recoge la cartela de presentación de la Fundación Zabaleta: Cezanne, Van Gogh, Matisse y Picasso, entre otros intereses también vinculados a la Escuela de París, a la que llamaba “la mejor palestra del mundo”.

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Caribbean Blue de Juan Uslé

“El juego de luces cruzadas a través de las ventanas de mis estudios tienen mucho que ver con las tramas de mis cuadros”, decía Juan Uslé en una entrevista en la que hablaba de sus dos talleres, el neoyorquino y el que conserva en su tierra, Santander.

Observando “Caribbean Blue” , realizado en su estudio del Bajo Manhattan a principios de los años noventa, podemos entender esa forma suya de transformar la textura sonora y lumínica de la ciudad, vislumbrada a través del cristal, en un destilado abstracto sumamente lírico.

Cuando realiza esta pintura Juan Uslé ha absorbido plenamente la vanguardia americana en el ámbito de la abstracción, y yendo más allá, el artista logra conciliar dos tendencias tradicionalmente separadas, la abstracción lírica y la geométrica.

En el periodo al que pertenece esta obra, su técnica pictórica se vuelve más variada. Pinta líneas flotantes, los colores se hacen más ligeros, las rayas más sutiles, nutriéndose de irisadas formas. Construye cuadrículas pintadas con distintos colores bajo líneas arremolinadas. En este momento tiene una especial importancia la negativa de Uslé a definirse, a encasillarse. Pero es innegable que estamos ante una de las figuras fundamentales de la Nueva Abstracción.

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#ArteEsVida. Tres anécdotas de artistas cotizados: regalos, muerte y reggaeton.

No es fácil mantenerse en el top ten de los artistas vivos más cotizados del mercado año tras año. En el mundo del arte actual, no solo es necesario una buena obra o un gran marchante para que un artista se coloque entre los más vendidos, sino que también es imprescindible una buena estrategia de publicidad y marketing.  Algo de lo que sabe bastante Jeff koons, que fue el primer artista plástico, en contratar unrelaciones públicas.

En el año 2019, Jeff  Koons, demostrando su buena voluntad, decidió  regalar a la ciudad de París,  la escultura “Bouquet of  tulips”. Un homenaje dedicado a todas las víctimas delos atentados de2015.  A pesar de su generosidad, se trataba de un regalo con condiciones.  En primer lugar, el artista solo regalaba la escultura, no el coste de producción, ni de instalación. Como segundo requisito, el artista exigía la elección del emplazamiento de exhibición junto al Palais de Tokio, una zona que casualmente coincidía con uno de los lugares más concurrido de todo París. Como resultado, varias personalidades del mundo de la cultura francesa, entre las que se encontraba el artista Christian Boltanski, firmaronuna petición en contra del traslado de la escultura a la capital francesa.  Finalmente el conflicto se resolvió  con la exhibición de “Bouquet of tulips”, junto al Petit Palace.

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Carmen Delaco, el hombre y el mono.

Con un lenguaje pictórico en el que se reconoce la influencia de una amplia genealogía de artistas, desde Rubens a Lucian Freud, la artista española Carmen Delaco ha desarrollado un audaz imaginario plástico.

Sus pinceladas fluidas y feroces revelan su respeto por todos aquellos artistas que crearon un estilo propio e íntimo, al tiempo que crítico, desde Francisco de Goya a Willem de Kooning, pero hablando siempre desde su feminidad. Sus lienzos, generalmente más grandes que el tamaño natural, están fuertemente pigmentados y dan una impresión muy sensual de la materia y de la forma, una experiencia sensitiva que se oculta tras capas y capas de pintura.

uvas
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Israel Melero y la captación minuciosa de la naturaleza

De cómo los alimentos, y en concreto las frutas, han sido tratados a lo largo de la historia del arte −más concretamente, dentro de la temática del bodegón− no será, desde luego, la temática que nos concierne en la presente entrada de la categoría Arte Actual. Sin embargo, no estará de más contextualizar al lector y explicar de cómo el bodegón −y dentro de esta tipología, el bodegón de frutas− se coronó como una de las temáticas artísticas principales a partir del siglo XVI.

El género de la también llamada “natura morta” nace en la Antigüedad y se desarrolla durante la edad media y el Renacimiento, si bien adquiere especial interés en el siglo XVII con las famosas vanitas holandesas, en las que suntuosos arreglos de frutas y flores, cristales, libros, jarras, monedas e incluso instrumentos musicales y científicos se acompañaban de recuerdos simbólicos de la vanidad de la vida, un mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. Aunque con la creación de las Academias en el siglo XVIII se consolidó la consideración del bodegón como género menor, su éxito arraigado en el siglo precedente no disminuyó, tanto por el valor decorativo de este tipo de obras como por la alta calidad de los pintores especializados en el género. De esta manera, los bodegones de frutas servían como pretexto para los pintores para destacar su destreza técnica, reflejando efectos ilusionistas de los alimentos, su transparencia, sus brillos y su sentido contenido del cromatismo, entre muchos otros aspectos.
Tras un breve análisis de lo que simbolizaron el bodegón y el bodegón de frutas para la historia del arte, Setdart Subastas se complace en presentar, a través de su plataforma Arte Actual, la obra del artista emergente Israel Melero (La Rioja, 1986), en la que la representación de frutas adquiere un papel único y protagonista y se basta por sí sólo para revelar obras que bien merecen un detenimiento y una larga observación artística.

uvas

Acceso directo a subasta en la imagen

Cuando destreza técnica y pasión por la naturaleza se fusionan en una misma obra, el espectador es capaz de profundizar en lo más hondo de los objetos que nos rodean. De esta manera, Israel Melero consigue con su serie “Uvas” que nos adentremos en lo más profundo de las materias de los alimentos, captando las texturas, matices y propiedades de un alimento tan venerado como es la uva, dando como resultado obras que reinterpretan el género del bodegón hacia un cariz completamente contemporáneo. Así, Melero extrae el alimento del escenario doméstico en el que se acostumbra a contextualizar los bodegones, para llevarlos a su entorno natural, explotando el alimento en la propia parra de uva, sirviéndose tan sólo de las propiedades de la fruta, sin añadidos.
Siempre utilizando sus propias fotografías como modelo, Melero desarrolla una obra en la que la pincelada invisible y la técnica maestra se aúnan, originando obras completamente realistas que ahondan en la belleza de lo natural, en las que aborda las diferentes variedades de uvas, tiempos de maduración y su aspecto según las diferentes condiciones de luz. En su evolución se aprecia un tratamiento minucioso y preciosista de la luz y el color, recogiendo la enseñanza del hiperrealismo pero filtrando ese legado por una óptica íntima, dando como resultado una obra muy personal en la que, según el propio artista “la pintura se convierte en válvula de escape, como experiencia que me devuelva a lo natural, a la tierra, a los mínimos elementos, a la representación primitiva”.

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Núria Torres y la expresión artística a través del mármol y la porcelana.

El mármol y la porcelana son los lenguajes que Nuria Torres ha elegido para llevar a cabo sus propuestas escultóricas, que tras años de dedicación y pasión ha sabido hacer suyos, dotando a su obra de un sello reconocible. Nos explica en este vídeo el porqué elige uno u otro material según sean sus búsquedas: el mármol, solemne pero dúctil, le permite otorgar una especie de “segunda piel” a la materia, mientras que la porcelana, versátil y fresca, la impele a jugar con elementos decorativos.

Sus esculturas nos transmiten a veces la idea de secreto, de algo que no puede ser desvelado, sólo intuído. Esta es una interpretación entre muchas otras, pues a Nuria le interesa dejar abiertas las lecturas, jugar con la ambivalencia de símbolos e iconografías.

Se inspira en modelos clásicos, pero siempre añade aspectos anecdóticos que ubican la figura en el aquí y ahora, nos dice.

 

Actualmente en subasta tenemos algunas obras actuales de la artista;

 

“Universo divino. Otoño”
Acceso directo a subasta clickando en la imagen.
Fin subasta : 04 Jul 2017

“El guardián de los secretos” Acceso directo a subasta clickando directamente en la imagen.
Fin de subasta : 06 Jul 2017

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Paco Peregrín,En subasta. Moda y barroco en las fotografías de Paco Peregrín.

El reconocido fotógrafo andaluz Paco Peregrín ha desarrollado un trabajo que rebasa las fronteras tradicionales entre arte, moda y publicidad. Su fotografía de autor bebe tanto del mundo de la moda como de la pintura barroca y la escuela flamenca, así como del arte contemporáneo. En este video nos habla de algunos proyectos de envergadura en los que ha trabajado, de su visión del arte (de cómo sus composiciones y juegos de luz se inspiran en la tradición pictórica andaluza…) y de sus intereses personales.

Veámoslo:

 

 

 En subasta algunas de sus obras más actuales e icónicas. (Acceso directo a subasta clickando en la imagen)
Narciso PEregrin

“Narcissus Colour II”

fotografia paco peregirn

“Narcissus Colour I”.

alien paco peregrin

“Alien Beauty (VI)

 

 

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La pintura de Susanne Wehmer. “El detalle del hiperrealismo”

Susanne Wehmer utiliza un lenguaje que podemos llamar hiperrealista por su grado de detallismo, pero no es la realidad objetiva de la que trata de hablar sino de cómo esta aparece sublimada, transfigurada, por el deseo. Un deseo que a su vez es fabricado por los medios de comunicación, la publicidad y demás productores de paraísos artificiales, de universos de seducción. Sus pinturas, realizadas al óleo sobre metacrilato, contraponen la técnica tradicional con el soporte industrial logrando unos acabados satinados propios de las revistas y, en general, de las imágenes nacidas para el deleite sensorial. Sin embargo, en sus obras prevalece cierta silencio que es justo el reverso de las estridencias mediáticas. Les invitamos a escucharla y disfrutar de su trabajo:

Clickando AQUI podréis encontrar más detalles sobre la artista.

WEHMER, Susanne (Alemania, 1973).
“Milk drop”,2004.
Óleo sobre metacrilato de 2 mm. sobre bastidor de madera.
Medidas: 100 x 100 cm.

modern art

Arte moderno

Arte Actual Vanessa Muñoz
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Artistas Arte Actual

Algunos de los artistas emergentes con más proyección

01. Rafols Casamada

Ràfols Casamada

02. Amada Suero

Amada Suero

03. Canen Garcia

Canen Garcia

04. Cesar Biojo

Cesar Biojo

05. Costa Vila

Costa Vila

06. Fabrizio Bianchini

Fabrizio Bianchini

Fernando Adam

Fernando Adam

Fernando Cobo

Fernando Cobo

 Guilhem Senges

Guilhem Senges

Irina Samobrod

Irina Samobrod

 Joaquin Jara

Joaquin Jara

 Julio Arriaga

Julio Arriaga

Karenina Fabrizzi

Karenina Fabrizzi

dibujos Eli Salvans

Eli Salvans

alcantarillas Nicolas Rico

Nicolas Rico

escultura ramon pons

Ramon Pons

maquetas Stefanie Herr

Stefanie Herr

pintura Tamara Zaitseva

Tamara Zaitseva

Swarovski Valeria Diva

Valeria Diva

Arte Valeria Pesce

Valeria Pesce

Escultura Vanesa Muñoz

Vanesa Muñoz

Cerâmica Nuno Carvalho

Nuno Carvalho

Japón Fumiko

Fumiko

Pintora Nora López

Nora López

Arte Gonzalo Centelles

Gonzalo Centelles

 Ilustraciones Andrea Revesz

Andrea Revesz

Luis Cadafalch

Luis Cadafalch

Madrid Cruz Novillo

Cruz Novillo

Inspiracion Diego Canogar

Diego Canogar

Maresme Gina Portera

Gina Portera

Arte Eva Agasa

Eva Agasa

Daniel Paez Pinturas

Daniel Paez

Gloria Grau Obra

Gloria Grau

Teixido Obra

Teixido

Graffiti Nani Serrano

Nani Serrano

Feminismo Giselle Vitalli

Giselle Vitalli

Arte Urbano Tvboy

Tvboy

dEmo

dEmo

Alfonso Albacete Exposción

Alfonso Albacete

Lluis Barba Fotografía

Lluis Barba

Manuel Solà Colección

Manuel Solà

Cuerpo humano Jorge Egea

Jorge Egea

Hierro Jesús Borra

Jesús Borra

 

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Jesús Borra, Las líneas naturales de Jesús Borra a través del fuego y el hierro.

En sus esculturas Jesús Borra recupera técnicas antiguas en su modo de trabajar el metal, buscando la esencia del material al tiempo que evoca a menudo elementos naturales, vegetales o telúricos, para hablar del hombre y su lugar en el medio. En otras ocasiones, compone alegorías sobre el amor o el desamor, la vulnerabilidad humana, los sentimientos, las relaciones. Veámoslo:

En subasta podemos pujar por uno de sus piezas más recientes

Lote: 35149404

BORRA, Jesús (Zaragoza 1976).
Carpe Diem.2015.
Hierro y acero inoxidable.
Medidas: 86 x 67 x 33 cm.

jesus borra
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